德库宁：艺术就等于自由

德库宁是抽象表现主义的灵魂人物，他提倡潜意识支配绘画的创作方式，追求绘画中真正、绝对的自由。

他的创作主要分为三个时期：

第一时期是30年代的写实人物时期：

第二时期是40年代到60年代的“女人系列”时期：

代表作《女人与自行车》

最后是抽象风景时期：

德库宁对绘画的理解与前代的艺术家截然不同，他认为：画画是体验、表达、实现自我的过程。他创作时充满激情，旁若无人，犹如舞蹈表演一般，在别人看来是不能理解的，他却乐在其中。

和他画画时的状态一样，他的画面没有任何束缚和约束，构图、空间、透视、平衡等传统的绘画技法与审美观念在他的绘画中找不到踪迹。“秩序对我而言，是被支配，是一种限制。限制是必须被排除，被克服的”。他的作品诠释了他的观念，为他奠定了抽象表现主义灵魂人物的地位。

他的创作高潮出现在上世纪50年代，他不受约束，以各种各样的方式探索女性题材，从病态的女人形象到简约的漫画般的表现，再到带有情欲色彩的放荡女人，这些独具特色的女人形象成为德库宁约束的主要标志。

提到女人系列，就必须要提到德库宁的缪斯——伊莲娜，她帮他登上了事业的巅峰，她的出轨也把他推向了深渊。他将自己的愤怒都倾泻在他的绘画中。正是她的出轨成就了他的绘画，使他的绘画更加厚重与富有质感。

德库宁晚年的创作，人体逐渐减少，抽象风景画数量大增。他在时代的喧嚣中保持着独特的清醒姿态，一直坚持自己的绘画方向。

70年代末，他的画面变得轻松平和，意趣盎然。这是他绘画的重要转变，确立了新的绘画风格。

对他来说，作品永远得不到绝对的完成，只是一直在完成的过程中。快乐也存在于这过程中。

30年代，立体主义和超现实主义在美术界流行起来，毕加索和达利给美术界带来了巨大震动，油画不再像以前那样只是描绘客观物像，现在它可以表现画家的精神世界。捆绑着艺术家心灵的束缚被解开了，画家画得更自由，这也为抽象绘画出现提供了契机。

二战期间，德国艺术家们来到美国避难，他们带来了抽象绘画和表现主义，德库宁也接触到这些新的艺术观点，他发现自己真正的兴趣在这个领域，于是潜心研究，勤奋作画。

40年代，德库宁被称为立体派画家，他拒绝这种叫法：“立体主义仰赖的是形的基本原理，而非它们的个别性。应该将色彩、形式、造型及肌理的本性独立出来，排除这些元素对自然的联想”。他将客观事物完全从他的绘画中抽离出来，把精力放在完整呈现色彩、形式、造型及肌理的表现上，这些元素的魅力在他的绘画中真正得到了释放。

他使用超现实主义的重叠的、互相穿透的表现手法将造型、色彩向更高的一种自我指示的抽象领域前进，这种自我指示就是指向画家精神世界。

50年代是他创作的高潮期，他绘画中不可或缺的结构，连绵弯曲的线条，微弱的亮光，以及多样化的风格技法的综合运用。

他认为表现主义绘画的精髓在于：它可以体验、传达、表现自我，是画家精神世界的一面镜子，反射画家的个性和人格、生活阅历和独特的审美经验。

“女人系列”的主要代表作品都是在50年代初年至60年代末完成的。这段时间，他身边有美丽的妻子陪伴，很多作品是以她为原型创作的，她无微不至的关怀使他得以安心创作。他画面中充满肉欲的女人形象，源于他对她深刻的爱欲。她的出轨也让他作品中女性形象变得可憎，他用迅猛有力的笔触描绘这种让人生厌的女人，同时也暴露了他内心的痛苦。

他早期作品中人物眼睛的处理与蒙克作品眼睛的处理有相似之处，相同之处是眼睛里都透着恐惧，不同之处是蒙克表现的恐惧是一种带着病态的神经质，而德库宁表现的恐惧与当时的经济危机有关。

画家们都喜欢赞美女人，德库宁却将女人画成狂野粗犷的妖怪，这种狂野粗犷是通过局部细节的刻画表现出来的。他描绘脸部细节和身体特征方面都有独到的创造，那些女人都有粗壮的身体，丰满的乳房，狰狞的面容，她们眼里充满了欲望，她们性感又危险，犹如一颗颗不定时的炸弹。这就是他心目中对女人的理解，我们可以大胆猜想，伊莲娜是一个那样的女人。

事物都是矛盾体，美蕴含在丑中，丑里夹杂着美的感觉。自由的女人才狂野，狂野的女人才性感，性感的女人才危险，危险的女人才迷人。这些感觉错综复杂交织在一起，就像复杂的人生。德库宁用这样的一种女人的形象，向我们道出了生活的本质。他将自己独特的人格魅力，转化成一种艺术语言呈现在画面上，提供一种新鲜的视觉体验。

德库宁和伊莲娜各自的出轨，对彼此造成了巨大的伤害。他们分居达14年，那段时间里，他们消极堕落，疯狂酗酒。这14年里，他创作了女人系列的大部分作品，他将对她的爱与恨都释放到作品中。艺术家需要痛苦的滋养，没有痛苦，作品可能会显得单薄，缺少层次。

“造型”是指创造出来的物体形象。在绘画作品中，画家的情感和情绪都是借助一些载体表现出来的，载体包括人物、物体、场景等。既然造型是被创造出来的物体形象，造型的特点就是被创造出来的物体形象的特点。造型特点是衡量美术作品的重要标准。

德库宁绘画的造型特点之一是抽象。他并不像其他抽象表现主义画家那样彻底地丢弃形象，而是始终在一定程度上保持着画面图形的具象性。

他曾说：即使是抽象的形状也必须有类似的形体。不过在他笔下这种类似的形体，却与自然物象远远地拉开距离，它们在奔放的笔触与泼洒的颜料间与客观形象保持着“介于似与不似之间”的联系。

看到一件作品时，首先进入视线的是色彩，在某些情况下，色彩比造型更直观，更容易被视觉所捕捉。画面中很多信息是通过色彩传递给观众的，研究美术作品，色彩因素是不能回避的重要问题。同造型特点一样，色彩结构的形成跟画家的个人喜好与生活经历有着密切联系。

德库宁的作品偏爱纯度较高的颜色，这可能源于他爱憎分明的性格。如果比较谁更真实，可能没有哪个职业更跟艺术家相提并论，艺术的灵魂就是真实。

德库宁对绘画对象提炼概括，抽象出一种与客观相差甚远的形象。在色彩上他同样采用了这种方法，将客观对象的色彩提炼概括，加入自己喜欢的色彩，共同构建画面的色彩结构。

那种带着体温的、散发着情欲的暖黄色占据了画面的大部分，辅以桔色和肉色，有时还用红色，他经常用这几种色彩组织画面。这种色彩搭配对于表现“情欲的女人”这类题材再适合不过了。

他后期的抽象风景画中，常使用同一种色彩搭配：钴蓝色搭配土黄色，辅以小面积的绿色或灰白色。蓝色与黄色是对比色，这两种颜色并置能制造强烈的视觉冲击。

材质感是画面的重要组成部分。作品的造型与色彩都是通过借助一定的材质表现出来的，比如青铜器的神秘狰狞是通过青铜这种材质表现出来的，国画的水润及苍劲，是因为中国特有的水墨、毛笔、宣纸。油画是在亚麻布、木板、纸板上，使用油性的矿物质颜料和挥发性的松节油进行创作的画种，有独特的材质感。

坦培拉画法的出现，为油画的出现奠定了基础。在油画出现后，丢勒使用用水稀释的坦培拉，形成独特的绘画面貌。

达芬奇在技法上的贡献是他独创的晕涂法。他将画面中的造型、色彩、光影、技法等一切元素都归于一种总体考虑和处理之中，因此，他的画总是处于一种大的节奏、大的光影的朦胧效果之中，但又不失整体的分量感和实在感。

鲁本斯在技法方面提出了著名的“肥盖瘦”观点，该观点是油画发展过程中一直遵循的原则。肥、瘦分别指含油的多、少，肥盖瘦就是用含油多的笔触盖住含油少的笔触。

德库宁作画时习惯反复涂抹，觉得不好的地方使用刮刀刮掉，然后再反复涂抹，如不成功再使用刮刀刮掉。这样画面上留下了一些特殊效果，各种颜色通过刮刀的挤压自然地融合在一起，显得既融合又丰富。这种效果既不同于油画笔的笔触，又不同于刮刀直接堆砌颜料的效果，显得层次感极强，传达出一种时间的沧桑感。

晚年的德库宁过得宁静安详，他的这种生活状态也反映在了他的风景画中。他的绘画有一种书写性，这可能源于他对绘画和生活的独特理解，他用绘画的方式生活，他生活的方式就是绘画。因此，画画对于他就像是记日记，想到哪就写到哪。日记是写给自己看的，所以不需要去取悦别人，在自己的世界里才能获得真正的自由。

德库宁一生都在追求绘画过程中的绝对自由，这种自由是绘画的至高境界，不受任何事物的束缚，他只遵循自己潜意识的需求，按照自己的喜好去布置画面。这种理想与前辈画家及同时代画家都不同，他提供了一种新的绘画理想——画画的目的就是画画，而不是其他的，其他的任何因素都不必影响它。

德库宁用实际行动告诉我们：艺术就等于自由，自由的生活就等于艺术的生活。

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作品欣赏：

“我在画画的时候，自己也不知道会有什么结果，但我认为这是最有趣的地方，让事情永远无法确定，就是无法“预料”，人生和世事也正是如此”。

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