砚边随记--徐谷安

2016-01-22 上海翰林书画院

　　

　　

　　

　　禅，在我梦里，已经入画。就这样，砚边走过秋天。

　　禅，是什么？

　　般若波罗蜜多，是什么？......

　　砚边随记

　　徐谷安

　　我出生于1943年，今年73岁。就在这1943年美国威斯康辛大学的教授德格70岁，退休了。73岁他分离并发明了著名的金霉素，嗣后不久，又发明了广效抗生素、四环素。德格活到84岁。他救活的人比世界上所有的医生加起来的还要多。齐白石到80岁还新法频出。所以有学问的人，永远不会退休，因为我画画，我快乐，我快乐的画画就是快乐的生活，齐白石和德格教授是我的黄昏座标。

　　关于酒、茶、禅

　　我喜欢喝酒、喝白酒。酒如人生，酣畅淋漓，人淡如菊，心意如风。历代诗人、书家、画家多有酒仙者，是故也。李白醉中作诗，唐怀素醉中作书，现代有傅抱石、贺天健醉中作画，恍惚，于是物我同化，下笔如有神助，纵横恣肆，天马行空，机趣盎然，气韵自成。我向往之。为此，我刻有二闲章，叫“神遇迹化”、“闲云野鹤”。故有索画者，除备有润格，也常赠以好酒，然妻儿亲朋力劝我“七十老儿”少饮乃至戒哉，话锋日盛，老夫惶惶然不知所措，仍不改所好，是可谓一个不知好歹的老头子。

　　我喜欢喝茶。茶禅一味，茶如人生：“千般烘炒历艰辛，万遍搓揉成极品”。采茶、制茶、品茶、咏茶，茶人、茶事、茶道、茶情。饮一盏好茶，雅韵隽永，满口留香。如遇佳人，如邀明月。此时作画，神清气爽，心适意闲，虚灵而景深，笔简而意繁。所以我办公室前放有一张上好的酸枝木长桌，桌上陈设有一套完整的茶具，供来访者品茗赏画。为此，我刻有二闲章叫“心赏”、“颐性养寿”，是可谓一个略知茶道的风雅老头子。

　　我喜欢佛学和禅宗文化。我没有看破红尘，也没有坠入空门，但我读了这方面很多书，做了一些学问，以此为题材也画了不少画，说是小有研究也不为过。我很赞赏禅的人生哲学：荣辱不惊，随修自足，顺心适意；在作画或行文时，我常常延用禅的表达方式：含蓄凝炼，自然深遂，意在言外；我十分欣赏禅的境界、格调和审美情趣：澄澈空明，玄妙高远，清幽虚静。如此，文章画境就可以做得很深。悠悠心曲，独对寒江诉。这样的意境构建，已经非凡；这样的格调，当然高远。人物、山水、花鳥，画中力求带有禅意，方为上品。於是，我刻了几枚印章：《禅心》、《引禅入画》、《禅心墨韻》等等。我可谓是一个禅心墨韻老画翁。

　　且读一下敝人自画自书的题画诗，如若你能感受到一点舒爽的禅意文人风，我便很知足了。比如：画青山：“泼墨群山听飞瀑，魂在绝壁崖上松”；画古镇：“廊檐深巷石板弄，豆棚瓜架听鸣虫”；画秋荷：“百八十株风荷举，三五十步南塘秋”；画自己：“山月只爱丹青梦，故教水墨涂夕阳”；喝酒：“秋来兴起访江村，醉写云山醒画人”；喝茶：“舌存茶香悟禅意，舒笺泼墨觅真趣”。

　　中国的诗书画艺术与酒、茶、禅的文化有不解之缘，所以我作品中的画心、诗味与禅机常常融汇在一起。比如：《时在中春，阳和方起》、《落花无言，可人如玉》、《虚能引和，静能生悟》、《寂光真境，圆觉妙心》、《山林深似隐，门户冷如僧》等等，常含恬静冷寂，禅意袭人的意味。为此，朋友给刻了一枚印章叫“谷安好诗书画烟酒茶”

　　

　　论中国画之灵性和学问

　　中国画艺术的理念源于“天人合一、道法自然”的中国古代哲学思想。儒家伦理次序就是“天地君亲师”，可见天地之尊。孔子仁政的核心是“天道人道合一”，老子有“人法地，地法天，天法道，道法自然”之说，庄子也强调“以人合天”。在天人合一，物我一体，阴阳有序的传统哲学理念的影响下，形成了秦汉的博大雄浑、隋唐的恢弘清丽、宋元的精工意趣、明清的人文和程式等特点，也分化出北国的淳厚、江南的隽秀、蜀中的朴雅、塞外的雄浑、云贵的绚丽等地域性风格。

　　月明星稀有寂寥之美，如同静观汉隶品兰亭，自有一种幽远清芬在坊间弥散；大江东去有豪迈之美，如读东坡徐渭，临张旭怀素，别有一种暢达和爽快。这种于无声中有旋律，于静止中显飞扬，是文化的积淀，是感情的渲泄，是才智的流淌，不因时移，不因事易。这就是中国画历久弥香的魅力。唯其如此，才确立了中国画在世界艺林中举世无双的地位。心忘于笔，手忘于书，心手达情，物我两忘，道法自然，天人合一。当笔酣墨飽之时以意为之。嗣后张壁审察，细心收拾，越三日而不为迟。迷时师度我，悟时我自度。我想，这应该是一种禅定。

　　画画一要讲灵性，二要做学问。没灵性，章法与笔墨便显呆滞少灵动之气；没学问，画面便显贫乏少思想内核，少嚼榄回甘之味。不然，画者便永远在画得像与不像上徘徊作难，那就什么也谈不上了。比如：汉代画马，长嘴、圆肚、细腿、大蹄，却愈显其龙骥精神。这就是齐白石说的“妙在似与不似之间”。 中国画讲究“悟”。说的是一个画家要有各方面的学识和修养，由此涉彼，融会贯通。陆俨少先生常说画画的人要“四分读书，三分写字，三分画画”，说的就是这个理。不要担心，因为画的少怕赶不上别人，其实“磨刀不误砍柴工”。我以为学画，如参禅，要虔诚。诚则能静，静而后可生智慧，然后才能取得正果，升华为艺术家。我有一个同学姓潘，画有一幅荷塘，笔墨章法皆冗繁削尽，简远而浓重，取名为《静水深流》。但他对画的解读，却让我眼睛为之一亮：水归于静，沉于思，流于恒。静水深流是画图的一种境界，也是为人的境界。“素心淡如水，闲画庭前花”，这幅画，因了这样的立意，顿时神采飞物起来。这便显现了画家的学养和智慧。

　　我喜欢画高山流水，云海瀑布，籍此感受山的雄浑深沉，水的上善纯净；听宇宙之声，抚天籁之纯。读书做学问，行路多写生。使我明白：高山是天地的胎动，云水是生命的源泉。画山画水会令我敬畏生命，敬畏造化，敬畏经典。於是我画了《源远流长》、《山城晴雨》、《月融渓山》、《江流伐工图》《云峰秀泽出清泉》等，以意取韵，以气补姿，努力使高山在泼墨皴擦中显出空灵和朴茂，云水在淡染墨晕中蕴含秀润和疏朗的笔墨智慧。

　　满幅淋漓犹湿，氤氲蓊郁，没有干枯皴擦。用水用墨用色均十分饱满，这需要画家灵感顿悟，笔笔见笔，快速一气呵成，不可停滞。否则，那沾满水和墨的笔便会在生宣纸上肆无忌惮地晕将开来而不可收拾。用墨能浓而不滞，湿而不浊；虽淡亦厚，虽黑亦活；虽瘦而见肉，虽肥而有骨。禅意可人，文气袭人。作画得文而活，得诗而神情自爽也。点画行笔皆出于心，心迹所到则笔情墨意诗情画意盎然，自然能笔为我用，而笔笔有我了。画不可太完整，画不可太成熟。太完整就成了工艺品，匠气；太成熟就会变油滑，流气。有点不成熟，就能见生拙 ，就能有发展。艺术最终还须由熟返生，返朴归真。“画到熟时是生时”诚哉斯言也。

　　总是孜孜寻找和时代相融合的美感语言与意境的探索，诠释对生命的感悟和敬畏。上朔宋元，下追明清，讲究题跋和文气，注重传承和意境，清和静寂，澄澈空明。没有城市的喧嚣，没有市俗的躁动，以一种随修自足、顺心适意的禅宗哲学，一种诗意的平和理念，抵达人们心灵深处，自觉地实现对生命意境的期待，而获得一种关乎心灵的感动。

　　

　　关于般若波罗蜜多

　　佛说：“般若波罗密多”。这是梵语，这句话是什么意思呢？时下，吃斋念佛修禅者真不少，有的皈依佛门成了居士，其中不乏年轻、有车、有房的成功者。在物欲横流、人心浮躁的当下，决计是件好事。慈悲为怀，普渡众生，明心见性。重尚慈善的佛教文化和佛教艺术，是中国传统文化的重要组成部分，在我国文化艺术发展史上起过不容低估的历史作用。但这句在佛经中十分重要的“般若波罗密多”梵语，我与众多持斋信佛修禅者沟通过不少，包括习佛多年的和尚，居然有60％以上者有口无心不知所云。居然不去查，不去追根问底。我查了。原来，般若即是智慧，波罗蜜多即是到达彼岸，整句话就是智慧地到达彼岸的意思。这真是“一话一世界，一语一如来”，浊世中亮起了一盏灯。如此，这句话真是美妙至极！我们行文作画，为人做事，何尝不是想“般若波罗密多”— 智慧地到达彼岸？！我化如此多的笔墨来阐述这件事，也在於诠释我为人为画的一个心迹。有些年轻画家试图不下功夫走捷径，想轻而易举地凭自己一时聪明来玩弄形式，虽可以哗众取宠于一时，但终究是没有生命力的。你来得快，去得也快，很容易被人超越、淘汰，结果反耽误了自己。缺少智慧的积淀，你是到达不了彼岸的。斯是陋言，画亦同理。

　　关于董其昌

　　中国画艺术从唐、五代、宋发展到元代，已把中国画的文学意境和笔墨技能推创了一个绝然高度的境界，超越了一般画家的习气和匠气，升华为艺术的结晶，成了后世的楷模。就其主题意涵、形式特征和审美取向来看。与前朝绘画有着明显的分野，可以说元代文人化的成熟大盛是美术史上革命性的大转弯。当下一些年轻画家和一些美术评论家、史论家对此传统文化认识肤浅以至无知，实在是很令人遗憾的。元朝的统治者以蒙古贵族为主，抑制了汉族士人政治上的进取，然而在文化艺术领域，却留下了一块文人们发挥才情的天地。艺术家们在综合前代大师表现手法和技巧的基础上，更新了艺术表现的语汇，他们将书法性的意趣和题诗（文学性）结合在一起，创造了高度个性化的艺术意象和形式手段，传导出复杂层面的思想情绪。黄公望、吴镇、倪瓒、王蒙便是元代文人画家群体中的四位最具代表性的人物，后称“元四家”。他们将儒家的人生信守和道家的无为哲学、佛家的空寂理念有机揉合，以此观照人生和造化，使精神大化合一，我与天地同化，以求自我人格的完善和精神上的慰籍，成功地创造出适于表现人生精神的艺术作品，成为一代文化精萃。而使其在中国绘画史、文化史上具有永恒价值的，有一个人功不可没，不能不提，他就是董其昌。董其昌，宗玄宰，明万历十七年（1589年）进士，官至礼部尚书。史称其“性和易，通禅理，萧闲吐纳，终日无俗语”。许多评论家说他是复古保守的典型，是统治者剥削阶级的代表。仔细研究一下典籍，便发现这是很有失偏颇的。真正复古保守的是元四家影响极深的沈石田，文征明，唐寅和伍十洲，他们亦步亦趋，只继承没展，乃至退化。董其昌则不然，他看到了这种时弊，并有意识地予以矫正，所以他的作品一反明代画家的平稳、错综和横生，出现了生拙的意趣，可惜他没有由此而开创出一个大的气局。但却启悟了他的后学八大和石涛。尤其是八大，以其纵姿奇崛的才能，领悟并接受了董其昌在绘画艺术上着意追求生拙的创新意识，推之极之，终成奇绝古今的大家。我在1963年美院求学时期，曾和老师周沧米先生在绍兴逛街画速写，於一古书画店中在老师的怂恿下，购得董其昌原作立轴一帧，珍藏至今。老师买了一轴稍贵的。那时，我们都没钱，为此，我苦熬了好几个月。有了这个情结，我对董其昌的关注，从年轻时到现在，自不待说。

　　论中国画之品鉴和收藏

　　品鉴中国画艺术，一般常以南齐谢赫的“六法”（即气韵生力，骨法用笔，应物象形，随类赋彩，经营位置，传移模写，）为基本的艺术标准。其实说的是两个层面：笔、墨、形、神、意和诗、书、画、印、情。看一个画家和他的作品，判断其品格高下的依据，常常是“文气”。文气既亏，品格不立。“品”是什么？“品”就是思想、学养。我们常说某画家品味不低，指的是他有思想有想法有学养。反之亦然。“品”没有对错之分，只有高下之别。绘画就是生活态度，抱什么样的生活态度，就画出什么样的画来，“画如其人”讲的就是这个道理。所谓“画到最后画修养”，要旨在此。 比如看立意：画贵立意，意在笔先；立意须惨澹经营，作画须苍率天真；求平中见奇。拙中寓巧；师造化而高于造化，得不似之似而形神兼备。故江山如画，江山不如画，画咫尺有万里之感诗意无限。看章法布局：开合纵横，主宾顾盼，藏露隐现，阴阳向背，参差起伏，聚散呼应，皆相破相成之理；布局须知白守黑，虚灵而景深，笔简而意繁；竖划三寸当千仞之高，横墨数尺体百里之迥。 看笔墨：形出于笔，而功在于腕；笔轻须劲能扛鼎，毫柔可力透纸背；存心要恭，落笔要松，既着急又不着急，得力处正是不费力处；锋藏而见笔迹，锋露但无火气。落墨当湿而不烂，温而有润，浓而不死，淡而有神，笔蓄以墨趣，墨藏以笔韵。 看随类赋彩：色以物相而画在人为，以情用色色相生；红花能用墨写，青竹可以朱涂；用色求秾而不浊，艳而不俗，少能显妍丽，淡不失厚重；相和相宜不可不慎，故常以墨为色，墨分五彩，处处皆墨色，一墨代万色，乃不失上品也。

　　书画市场的形成，首先源于收藏需要。收藏家之所以收藏书画艺术品，主要缘于喜欢书画，深知书画的文化功能、社会价值和投资价值。于是，在艺术家的作品和收藏家之间，便出现了一个阶层。这个阶层的人，有文化、懂艺术、精鉴赏、有历史责任感、有社会人文理想。这个阶层就是艺术家和收藏家的桥梁。这样的桥梁是艺术市场的呼唤，也是上海“文化立市”的必需。她应该以弘扬书画艺术、推动书画普及、打造书画平台、发掘书画瑰宝为宗旨，汇聚精华、整合资源，构筑一个向全社会书画艺术收藏者、爱好者学习服务和竟拍收藏交流的平台，便显得十分重要。同时，她也是书画家的经纪人，横向拓宽书画艺术的文化内涵，纵向深入书画艺术的收藏价值，满足高端消费者对高雅文化的需求，从而达到经营市场、经营资本、繁荣艺术市场的目的。艺术家创造了书画作品，通过“桥梁”和“经纪机构”，收藏家保证了艺术家生产的书画作品“自用价值”之外，还以资本的形式获取了“劳动报酬”和“剩余价值”，他们三者互为劳动，相互推动了艺术市场的繁荣，三者缺一不可。不过，使三者保持长久平衡关系的，是市场和经纪机构拥有的艺术史论家和艺术批评家。

　　字画艺术批评的缺位和缺席，使人们失去评判标准，失去标高指向。我也曾做过美术专业的评论，深知个中两难的滋味。怎样做到靶标精准、庖丁解牛、条分缕析、说理透彻，除了学养更主要的是碍於人情的胆识和勇气。用“有信誉的专家意见”塑造自己良好形象，是当前我们老一辈艺术史论家和艺术批评家的重要课题。唯其如此，在艺术的主题、风格、样式多元发展的今天，才能保持评价字画艺术品价值的基本标准和原则。否则 ，字画艺术品经营中的投机性操作将四处滋生。  影响艺术审美的三种因素：宗教、学术、经济。宗教可以强制审美，学术可以引导审美，经济可以影响审美。 推动艺术发展的是经济，阻碍艺术发展的是经济。

　　艺术品的价格是如何确定的呢？

　　2011年5月，齐白石《松柏高立图，篆书四言联》以8800万元起拍，第一口价就直接喊到了一亿，最终3.7亿元成交，加上15%的佣金，成交价为4.255亿元人民币。市场传言，这幅作品的真实买家其实是湖南电广传媒集团。据享有盛誉的欧洲艺术基金会的年度报告《2011年国际艺术市场艺术品交易25年之观察》披露，中国已超越美国成为世界最大的艺术品和古董市场。

　　那么， 艺术品的价格是如何确定的呢？

　　价格是商品交易时买方的付款量。从经济学角度看，价格是买卖双方就商品订立的兑换比率，是商品的货币表现。可以说，艺术品价格是艺术品市场的核心问题，几乎所有市场事件，都围绕着价格展开。从理论上说，艺术品价格的确定：1，看其生产成本和质量。艺术的生产价格等于生产费用加上平均利润率，市场价格以生产价格为基础上下浮动。2.以艺术品的效用、生产费用、供求均衡等为基点，随其效用的变化而变化。但是，上述二点，仅适用于工序复杂或批量生产的艺术品，如刺绣，陶瓷等，却难以解释独创性艺术品的价格形成，因为其成本价格、平均利润、生产费用都很难估量。可是，时下的现实案例，几乎改变了中国艺术品市场估值体系，其价格竟然和艺术品的成本和质量没很大关系。其中，刘益谦现象最能说明问题。他有一句令众多专家汗颜的名言：“我是不大懂艺术的，但是我认为艺术本身没有价值，只有被资本发现之后才有价值。”然后，他还抛下一句振聋发馈的话：“全世界都是这样！”刘益谦靠投资证券起家，2010年胡润百富榜位列91名，资产100亿人民币。2009年，他砸向艺术品收藏的资金超过13亿元。这一年，宋徽宗《写生珍禽图》、宋人《瑞应图》、明吴彬《十八应真图》、陈逸飞《踱步》和《长笛手》、齐白石《可惜无声》、唐“太古遗音琴”、乾隆御制“水波云龙宝座”、乾隆“青花海水红彩龙纹葫芦瓶”、“轴里红团龙纹葫芦瓶”等，被他分别以数千万元收入囊中，其中《十八应真图》1.69亿元。2010年，他又在艺术品市场投入约7亿元，仅王羲之《平安帖》即耗资3.08亿元。2011年春拍，刘益谦6年前化几千万元买进的一件作品拍出4亿余元，净赚3.5亿元。刘益谦坦言：“参与艺术品投资，在外界看来门槛比较高，需要很深的专业知识，但我没有专业知识，这对我来说没有什么障碍，我的优势是有钱，所以我要发挥我的优势”。这就是刘公的“资本发现价值，价值决定价格”的基本论点，现实案例被其屡屡验证，证明此公此言在理。刘益谦成了中国艺术品市场亿元时代的重要推手。

　　有专家认为：“价值学派所说的，真正具有价值的收藏品最终会得到人们的认同，价格会向真实价值回归。”这是事后诸葛亮的“马后炮”。从本质上说，人们几乎无法准确判断出收藏品的价值，我们总是从事后角度，根据收藏品的价格寻找其价值所在，从而证明价格由价值决定。从艺术品的文物价值、科学价值、历史价值、新闻价值中寻找一种甚至几种与价格的联系，实际并作难事。投资艺术品，价值怎样圈定？价格如何确定？刘益谦案例告诉我们：艺术品价格的确定更多地取决于各种市场因素，而不是作品本身的质量。价格是商人的事，不是艺术家所能左右的。价值只是价格的影响因素之一，此外的供求关系、货币因素等，有时甚至起重要作用。垄断坐庄、制造概念、板块轮动、指数曲线......这些从股市“舶来”的技法已经被熟练地运用到艺术品市场中。中国艺术品市场的价格推力，来源于快速增长的财富、充足的国内供应和买家投资性目的。

　　业余画图  专业读书

　　画图和读书为我们抚平内心的焦虑，寻找光亮的出口，有时竟然会浸透在一种难以言说的感动。人家殚精竭虑获得的果实，或是灵光一闪间的感悟精华，我只一张宣纸便悉数打包奉上了，这是何等划算而美妙的事啊！

　　我画了一辈子，细细想来，自己的画还是业余水平。要说专业，只有读书这件事是专业的。至今我还保留着做读书笔记的习惯。画图需要构思，需要学问，需要灵感，需要激情，并非坐下来便能挥就成画的。（时下那些在公开场合表演的画家，那画大都是肤浅应酬的劣作，不应提倡。）而读书则不然，只要有好书读，一卷在手，宠辱皆忘，不管在什么状态，都能做一个专注的读者，可以随时沉静在好书所营造的氛围里。陆俨少先生说过“四分读书，三分写字，三分作画”。恩师言教，令我终身受用。

　　画图是我骨子里的爱好，读书是我生活的习惯。

　　

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