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展览开幕现场
2024 年 4 月 6 日，“共贯与多元：当代绘画艺术新样态”在中国美术馆一层 3、5、7、11 号展厅隆重亮相。
35 位艺术家，35 件（组）力作。艺术家们以最诚挚的创作，将中国当代绘画最鲜活的生命力展现于广大的公众面前。
此次展览邀请了 35 位架上艺术家，包括：蔡泽滨、陈飞、陈作、陈可、崔 洁、段建宇、韩冰、郝量、黄宇兴、贾蔼力、梁远苇、刘聪、刘晓辉、陆超、 欧阳春、蒲英玮、邱瑞祥、仇晓飞、宋琨、苏予昕、孙一钿、唐永祥、王光乐、王迈、王兴伟、王伊芙苓韬程、韦嘉、夏禹、谢南星、徐华翎、禤善勤、 薛若哲、闫冰、张业兴、张子飘（按姓氏首字母排序）。
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35位参展艺术家是活跃于当代艺术现场的部分新生创作力量，从60后、70后跨越到90后，他们的艺术成长代际跨过了上世纪90年代、新世纪的00年代和10年代。他们的创作实践围绕绘画这一朴素且原始的媒介展开，将新的艺术语言和现实的中国经验相结合，将国际视野与中国文化贯通，他们的艺术实践既融合了不同传统、类型、图像来源以及形式方法的要素，又不断利用媒介本身的情境动力在看似无关的要素之间建立联系并跨越边界，以证明在视觉信息如此饱和的当下，绘画如何作为一种具有生命力和突破性的技术仍具有基础和本质的价值。
为何以“新样态”作为本次展览主题的关键词之一？
策展人 易英
本次展览的策展人——著名美术史学者、艺术批评家易英教授表示：“这个 '新’是由于这一代艺术家成长的视觉环境的图像化导致的。我们身处的景观世界中，虚拟的图像代替了真实的世界，最基本的艺术参照物不再是自然，而是文化和符号。在图像时代里，艺术创作的路径从再现客观自然转变为对图像的复制与挪用。这种转变的开端在上世纪末中国艺术家对波普艺术的挪用，但这个时期是因为中国还没有彻底进入图像时代，当下图像一代则真正进入了仿真世界。因此我称它为'图像绘画’。不过，图像绘画并不是一种统一的风格，利用各种风格都可以转换为图像的表达方式。这便是当代艺术的一个重要现象，新一代艺术家承担了转换的使命。”
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从 70 后到 90 后，勾勒出的恰恰是 2000 年之后的中国当代艺术的变化轨迹。如果说 70 后艺术家在创作意识中更多是严谨和理性，注重整体性、历史性、 叙事性、文化性、精神性的话，那么 80 后和 90 后艺术家则更注重个体叙事、 个体经验，在视觉上呈现出具体化、弥散性、不确定性
执行策展人王静、袁佳维则从另一个侧面提出了具体问题：“绘画的图像生产在面临不断突破的技术现实时，该如何褒有其作为审美对象的自律性和传达人工语言像似的社会性？因此，为了让不同作品之间的互文与思辨关系尽可能地传递，同时对主题概念进行充分解释，展览的呈现基于拼贴与镜像的交替逻辑，一方面重申绘画的吸引力与穿透力，另一方面以非聚焦的多视点关系呈现每位艺术家的作品，避免让任何明确的叙事意图干扰对细微的绘画情境的感知。展览的本质意图在于借助这些独特新鲜的创作个案，说明今时之绘画是提出问题的手段，而非解决问题的方案。”
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观察这些“新样态”所具有的特征，提示我们这些镶嵌在时代中的个体，每一个都是独一无二的样本，他们将生活的经验淬炼于自我的创作中，聚焦的是当下，面向的是未来。
易英教授、王静与袁佳维，将从历史化与尊重微观的角度，以比较分析法出发梳理这些绘画个案，结合建筑师梁琛的展览空间设计，在共性与个性之间诉诸中国当代艺术的内在特征。
展览出品人罗旭东先生提到：“未来文化事业的发展，一定是社会力量与公共力量共同作用、相互成就的结果。我深信，依托于厚重、灿烂的中华文明，中国当代文化一定会愈加焕发活力，以高昂饱满、智慧远见、真挚多元的姿态，展现在世界舞台中央。”
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配合本次展览，还将推出一本集研究、批评和作品呈现为一体的研究性出版物。
该出版物由艺术评论家和青年学者贺婧担纲主编，邀请近年来活跃在中国现当代艺术研究领域和批评现场的多位重要学者、批评家和作者撰写系列专题文章，深度挖掘和分析中国当代绘画现状及其背后的社会、哲学、美学与文化现象，为千禧年后 20 年的绘画作出详尽的解读，具备独特的收藏与文献意义。
出版物由书籍设计师和出版人杨林青担纲设计，文化艺术出版社出版。
展览现场
01
「展览前言」
——易英 中央美术学院教授
什么时候我们进入到这样一个社会环境，视觉文化的多元化导致视觉图像的无处不在，从经济基础到文化领域，从日常生活到数字世界，大众文化的图像饱和了我们的社会。虚拟的图像代替了真实的世界，艺术的构成被图像所左右，艺术的再现成为图像的复制与挪用。图像的屏障使我们远离自然。图像时代改变了艺术，艺术也利用图像发展了自身，现代艺术的形式主义转换为图像的语言，仍然在表现着自我的意识、新鲜的经验和理想的愿景。这便是当代艺术的一个重要现象，新一代艺术家承担了转换的使命。
早在上世纪末，图像的观念就进入了绘画，如“卡通一代”和“波普画风”，绘画的图像化，图像的复制和挪用，雕塑的物品化，都属于这一现象。但是，这种图像化的表现并不是出于现实的后现代主义的经验，而是对西方现代艺术的挪用和移植，是对于波普艺术在形式上的模仿。虽然波普主义取得了商业上的成功，但是它并不是现实经验的真实表达，因为当时的社会还没有真正进入图像时代，还没有因为图像的极大丰富而使我们改变了传统的图像生产方式。2000年以后，中国经济的高速发展，全球化的全面进入，第二大经济体的形成，都为景观与图像时代提供了条件，更为重要的是，创造图像化的艺术语言的一代人同步进入这个时代。他们生活在景观的森林，图像成为他们生活的一部分。图像取代了他们对自然的观察，他们的艺术不再是对自然的摩写，而是用图像的方式摹写仿真的世界。他们经验着图像，也叙写着图像的经验。
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新样态，新绘画，图像绘画。图像绘画不是像波普艺术那样对现成图像的挪用和复制，而是将图像的经验融入艺术的表达。图像绘画也是另类的现实主义，因为图像的经验亦是日常生活的经验，图像占据了我们的生活，支配了我们的生活，改变了我们的视觉习惯，生活在图像的环境中，用图像的语言描绘世界，就像用艺术记录我们自己的生活。不过，图像绘画并不是一种统一的风格，具象的，抽象的，表现主义的，超现实主义的，等等各种风格，都可以转换为图像的表达方式。形式构成与平面设计，具象与卡通，超现实与动漫，再现与影像，等等，所有的图像绘画风格都可以找到其图像的来源。
图像绘画作为当代艺术的表现，也是新时代视觉文化的标志和历史的见证，是与时俱进的新时代艺术。它不会停止在哪一个历史阶段，因为它是活力的，能动的，它会随着历史的进程，在科技、数字、通讯、网络等更新的技术手段造就的更先进的视觉图像环境中，不断地发展和更新。不过，相对于现代主义的以往，它可能还只是摆脱了传统绘画的初步，前面还有更大的发展空间。
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黄宇兴，《星汉灿烂》
2027–2021年，布面油画，200 x 400 cm
贾蔼力，《无题》
2011年，布面油画，287 x 400 cm
王兴伟 《新划船》
2022年 布面油画 200x320cm
郝量，《神曲之一》
2021–2022年，绢本重彩，145.5 x 231.5 cm
1983年生于四川成都，2009年毕业于四川美术学院。郝量从中西文学、电影、现代艺术中吸取养分，强化中国传统水墨画的物质感与独特性，并赋予其全新的技法，在绢本上描绘变化缤纷的色调，凸显主题的复杂性。他的大尺幅作品更接近西方绘画的观看体验。郝量在文人画的精神里不断磨合着手法的严谨与表达的自由，并最终发掘二者的结合点。
在《神曲之一》中，一位惆怅的少年在荒芜的风景中行走，远景是阔远的山色，富有力量和权威的虎、豹远远地伴行。这个构图被掩盖在一张颓破的铁网栅栏背后。郝量绘画中那些幽深的风景和细腻的人物，以及他所摘录的词章，都体现着对时间之流的思考，以及对人之'在世'的关切。他借绘画疏解哀愁，记录下这些年自己情绪与思索的变迁。
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梁远苇，《2017.28》
2022年，布面油画，190 x 160 cm
陈可，《普雷勒尔之屋No.1》
2022年，布面油画，160 × 200 cm
陈飞，《主食》
2019年，金箔、丙烯，100 x 200 cm
段建宇，《一个家庭的爱》
2023年，布面油画、丙烯、油性笔，140 x 200 cm
1972年生于河南郑州，1995年毕业于广州美术学院。90年代初，当新表现主义绘画介绍到中国，彼时在美院读书的段建宇颇受启发，希望能在绘画性的探讨中另辟新境。从早期的“姐姐”“纽约巴黎驻马店”系列到近期的“餐桌”“春江花月夜”系列等，庸懒的诗意和趣味一直是段建宇画作的视觉指征。她笔下诙谐的日常奇观，有意识地回避绘画本体的传统意味，追寻简朴的表达风格。
《一个家庭的爱》是段建宇最新的创作，呼应了段建宇近作中所展开的场景、“画中画”的引用和转换、“画中物”的设置以及空间结构的多重性。譬如在画面中艺术家对现代家庭情感与物质基础的转换，让我们在虚构性和现实、生存经验之间游移。在这样富有辩证性的绘画实践中，图像不再仅仅是关于现实问题的直接表露，而是在造型语言、图像空间和观者身体经验之间形成相互角逐的动态关系，成为生命信息的存载场所。
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谢南星 《稍慢的无题》
2023年 布面油画 200x200cm
1970年生于重庆，1996年毕业于四川美术学院。谢南星是极具变革心的实验派画家，探讨图像与绘画的关系是他一直以来都在研究的主题，在具象与抽象之间，绘画性与去物质的概念化之间，在反讽超脱与存在主义的渴望之间，将具象的形体描绘得似曾相识又遥不可及。
《稍慢的无题》三联画是关于现实凝视和奇思的话题，也是讨论拍照捕捉形影的内容，进而延伸至与光学相关的表象探讨，无论是多姿多彩的自然情景还是复杂多变的图像，在艺术家看来只是表象。画面中的深色几何线段搭建了图像之下的结构，并延伸探讨了一种悲剧遐思——我们所见的锦绣情景无一不并存着一个更有限的类别构造的价值版图。
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欧阳春，《我的故事》
2012年，布面油画，260 x 370 cm
仇晓飞，《柳域》
2016年，布面丙烯、木炭，180 x 140 cm
王光乐，《第二号无题230725》
2023年，布面丙烯，280 x 180 cm
韦嘉，《赤诚》
2023年，布面丙烯，205 x 280 cm
1975年生于四川成都，1999年毕业于中央美术学院。韦嘉的作品，衔接了不同时代的社会转变，灵巧借用了传统文人画细腻造景、适度留白的精神性，并充分利用版画对空间主体精准结构来呈现具有剧场情绪张力的构图。
卡通叙事的持续发展，确立了韦嘉鲜明的个人面貌，2017年融合了涂鸦与泼墨的画风，独树一帜的绘画风格进入成熟期。2020年后，韦嘉作品中清空了叙述与象征，绘画性被激发到最大，形体从笔触中呼之欲出，呈现出自然生命本质的面貌。《赤诚》中浓烈绮丽的色彩，自由融合的笔触，更加开阔与开放地描绘了永恒也变幻万千的生命状态。
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宋琨《踏浪》
2016年 布面油画 235x180cm
刘晓辉，《海边戴头巾的三个动作》
2020年，布面油画，250 x 600 cm
闫冰，《苹果20240108》
2024年，布面油画，200 x 340 cm
王迈，《绘画山No.6》
2023年，布面油画，210x281cm
徐华翎，《见山》
2024 年，绢本设色，98x461cm
禤善勤，《禤若、妹妹与波子》
2022年，布面油画，200 x 400 cm
孙一钿《能拥抱就不说话》
2019年 布面丙烯230x183cm
唐永祥，《两棵树 左边树上有颗绿色》
2020年，布面油画，200 x 300 cm
邱瑞祥，《无题》
2022–2024年，布面油画，250 x 180 cm
1980年生于陕西，2003年毕业于西安美术学院。因为童年干农活的成长经历，繁重的体力劳动让邱瑞祥形成了对于身体的认识。在成为职业艺术家后，他对于人的姿态格外敏感，劳动者的形象也频繁出现在他的画面中。他并非直接转译这些具体文本，而是将不同的图像、符号进行剪裁、变形和重置，构建一个带有神秘感和象征性的舞台。
《无题》秉持了邱瑞祥作品中一直存在的灰白色和冷茜素红之间的意味。画中人物以负重前行的姿势定格，巧妙地运用人与物、人与环境间的对比，来凸显人物执意前行的力量感，体现出静谧的结构性，从而令人物更加沉静和具有庄重感，即便是带有悲壮色彩的血肉之躯，仍是带着希望在前行，是艺术家的自我和外部世界连接、往复的最重要桥梁。
夏禹，《短歌行》
2024年，布面坦培拉，200 x 300 cm
张子飘《蜘蛛08》2024年 布面油画 220x190cm
张子飘常常寄情与思于物，将生命的体验投注到身边的日常。《玫瑰 08》中所昭示的温暖而包容的力量，一如女性在面临困境时所展现出的强大生命力，以及对女性主体和自主的一再诉说。
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崔洁，《兰溪青年公园》
2023年，布面丙烯，250 x 180 cm
张业兴，《又是九月，美好的季节》
2023–2024年，布面油画，200 x 400 cm
韩冰《转折点》
2019年 布面油画 203.2x172.7cm
薛若哲，《洛水图集：卷一》
2023–2024年，布面油画，250 x 400 cm
陆超，《尝试画两张相同的脸》
2015年，布面油画，150 x 200 cm
1988年出生于沈阳，2012年毕业于中央美术学院油画系，2014年获皇家艺术学院绘画系硕士。陆超细腻入微的叙事性创作深受中国古典美学和西方现代艺术的影响。水墨单色绘画结合油画绘画技巧，在东方哲学中融入超现实主义语言，塑造出陆超笔下神话寓言般的世界。
在过往的作品中，陆超像一位面孔收集者，将在形形色色场景一闪而过的面孔存于脑海，再进行转化，创造出众多的幻境与群像。《尝试画两张相同的脸》来自其较早期的实践，艺术家重复描绘了一张没有五官的男性面孔，并以均质的矩阵进行罗列，试验性地开展他对面孔系列的拓展和研究。陆超的作品中对颜色和材料的选择甚少，他以自限性的方式探索大众与个体，共性与个性等文化议题。
蔡泽滨，《我的卧室》
2023–2024年，布面丙烯， 215 x 320 cm
1990年生于湖南，2015年毕业于中央美术学院。陈作的画作绝大部分是一种自证方式，一个感觉、一段记忆、一个印象、一个符号、一个瞬间都可能是其创作的起点。醒目饱满的色彩，表现张力的形式，奇异有趣的造型，则是他跳脱现实的踏板。将情绪摩擦深藏于浪漫和抒情的画面当中，从而以这种极具有个人风格的调式特出于同辈。
雪、人与狗——这些近年来反复出现在陈作画面中的元素源于艺术家在北京顺义罗马湖艺术区真实的生活体验。《雪人》看似抒情浪漫的表象之下尤见他对色彩的驾驭，高纯度的色彩质地如宝石般纯粹响亮又沉着耐看，脱俗的灵性光色不仅是情绪的表现，也寓意着超现实的意境诞生，迷幻斑驳的形色使画面洋溢着超现实的迷幻风情。
刘聪，《纸 —（无题）变奏》
2023–2024年，布面油画，180 x 540 cm
1987年生于山东，2010年毕业于中央美术学院。坚持对物“写生”的方式进行绘画，以日常物作为绘画的形象载体，通过诸如并置、映射、切割等不同方法，改变物的存在形态以回应和容纳自己的感受，是刘聪近些年作品的主要面貌。
《纸-黑色》在有节奏的重复和色彩的覆盖下，弯折的平面之间以及与空间产生多重关系，自身的物质含义变得模糊。多年绘画训练，让他能在作品中阐释出近乎微雕的张力表达。看似不稳定的物理形态，被紧紧锁定在富于动态的一瞬，观看中连续闪回的关系则在类似翻阅的动作中带来了想象的流动感。
蒲英玮，《世纪》，2023–2024年,布面油画、丙烯、纸本拼贴、绢、 丝网印刷、金箔、马克笔、喷漆，200 x 400 cm
1989年生于山西太原，2013年毕业于四川美术学院，2018年获里昂国立高等美术学院硕士。作为新一代观念艺术的开拓者，蒲英玮创造性地继承并发展了社会主义美术与中国早期前卫艺术的视觉与思想脉络，其实践跨越多种形态。在最近几年的思考与活动中，蒲英玮开展了颇具声势的个人环球旅行计划，希望通过这个宏大的思想实验与艺术项目，将个人与世界、地方与全球、当下与未来等话题都纳入他的感知、思考、探讨和表达之中。
全新创作的《世纪》以东方概念为基底，进行当代化的呈现与阐释，画面以蒲英玮标识性的明艳亮红黄色辅以综合媒介以及绚烂多重的视觉表达，演绎了中国美学与历史文脉的当代共振。《世纪》广泛吸收了古今、东西文化中传达美好概念的形象：运用太阳，瑞兽、双喜等一系列形象，尤其是布满画面、展翅高飞的和平鸽群，表达了艺术家对于新世纪国家之崛起，文化之振兴，世界之和平的美好夙愿。
苏予昕，《在地天气 #2》，2024年加州泥土、赤铁矿、黑色碧玺、紫铜粉、 苍珊瑚、蓝铜矿、紫片岩、海螺粉末、 绿泥矿、雄黄、硫磺、杜邦二氧化钛与 其它手工色粉于麻布绷制于木框，155 x 240 x 5.6 cm
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共贯与多元：当代绘画艺术新样态
展览地点：中国美术馆一层 3、5、7、11 号展厅
展出时间：2024 年 4 月 6 日—4 月 16 日
策展手记
在“共贯与多元”的主题之下，此次展览所囊括的艺术家，是活跃于当代艺术现场的一些新生创作力量，从60后、70后跨越到90后，他们的艺术成长代际跨过了上世纪90年代、新世纪的00年代和10年代。他们的创作实践围绕绘画这一最朴素、最原始的媒介展开，将新的艺术语言和现实的中国经验相结合，将国际视野与中国文化贯通，他们的艺术实践既融合了不同传统、类型、图像来源以及形式方法的要素，又不断利用媒介本身的情境动力在看似无关的要素之间建立联系并跨越边界，以证明在视觉信息如此饱和的当下，绘画如何作为一种具有生命力和突破性的技术仍具有最为基础和本质的价值。
当我们深入了解这些仍以绘画作为表达媒介的新一代艺术家，或许会有这样的感受：艺术家们普遍不再将绘画及其历史当作知识来对待，而是重新审视作为“知识”的图像史与自我意识的共生关系，我们发现他们绘画中所表现出的内在精神特质与他们的“自我意识”的挖掘深度和“文本阅读”的感知深度紧密相关，进而凝聚成个体的意识和语言，成为他们心理和思维活动的显现，借个体体验的图像化来扩展可见世界的维度，再现不可见的情感本源，由造型、体积、色调、构图、结构、层次、节奏、光影、笔触、力度、速度、对比等要素所指称的绘画性，在他们的作品中得到更为自由的抒发和运用。艺术家们不再将自己视为任何潮流或理论流派的参与者，而是借助所有媒介历史的产物为手段，进入更微观的个人意识史的研究，将绘画行为升华成为一种绘画行动，表现出对绘画语言系统化、经典化、风格化的消解，由此扩大当代绘画表达的疆界，并逐步形成一个进化中的新的观念共同体。
展览中的诸多作品还指向了一个具体问题：绘画的图像生产在面临不断突破的技术现实时，该如何褒有其作为审美对象的自律性和传达人工语言像似的社会性？因此，为了让不同作品之间的互文与思辨关系尽可能地传递，同时对主题概念进行充分解释，展览的呈现基于拼贴与镜像的交替逻辑，一方面重申绘画的吸引力与穿透力，另一方面以非聚焦的多视点关系呈现每位艺术家的作品，避免让任何明确的叙事意图干扰对细微的绘画情境的感知。展览的本质意图在于借助这些独特新鲜的创作个案，说明今时之绘画是提出问题的手段，而非解决问题的方案。
观察这些'新样态’所具有的特征，提示我们这些镶嵌在时代中的个体，每一个都是独一无二的样本，他们将生活的经验淬炼于自我的创作中，聚焦的是当下，面向的是未来。
王静 袁佳维
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