山水画是中国传统绘画的第一大画科，也是最能体现中国文化与艺术精神的一种形式。从时间上看，它的出现比人物画晚，但比花鸟画早。特别是到五代两宋时期，达到艺术上的高峰。
不过，平时我们看画展的时候，又不免会问：这些山水画，该如何欣赏？似乎除了觉得好，别的也无从说起。于是，今天我们就顺着这个问题，聊聊如何欣赏中国山水画。
1. 山水画的文化背景
山水画就是中国的风景画，但又不是简单的描摹自然的风光，而是画家精神的诉求与流露，是画家人生态度的表达。
山水画的产生与中国的道家思想密不可分。道家思想追求自然无为、天人合一的精神境界，强调的是素朴自然，简淡肃静的艺术精神，所以山水画多以水墨表现为主，以色为辅。
魏晋南北朝时期政治动荡，民不聊生，许多文人名士为了躲避政治上的倾轧选择归隐。像陶渊明、嵇康、阮籍等，他们隐居山林，吟诗作赋，山水诗于是大盛，山水画也应运而生。这都与道家思想在人们生活中的影响密不可分。
2. 山水画的意境
山水画的意境，就是山水画所创造的境界。这里的境界不光是优美的景色，更多的是画家理想境界的追求，是超脱于烦琐与庸俗社会的心灵居所。
山水画的境界给人的是可观、可行、可游、可居的神游场所，不论是北宗山水还是南宗山水，所表现的意境与功能无不如此。或是仙境一般的缥缈神奇，或是悠闲农夫渔樵的隐居之所。
文人山水画多表现的是逸居山林的情趣、素朴自然的水墨风光；宫廷画家的界画多表现楼宇宫殿和人间的繁华，也是超脱于人间的世外桃源。不同的人都可以找到自己的心灵居所。这也是画家与观者的心灵沟通。
3. 山水画的章法
章法就是画面的布局，即构图法。中国画讲究立意定景，远则取其势，近则取其质，并巧妙地运用画面的空白，使无画处皆成妙境。
中国画有着“细细看，面面观，看得透，窥其穿”的要求，即能从山前看到山后，从山下看到山上，从房内看到房外，这种要求是为了满足“饱览卧游”的需要，使咫尺千里的美景尽在眼前。
山水画的构图法，在长时间的实践中形成了“三远法”，即郭熙所谓的平远、高远和深远。高远之色清明，深远之色重晦，平远之色有明有晦。
山水画的透视法也不同于西洋绘画的定点透视法，而是无焦点的无点透视，但山水画的视点推移的法，则正好能满足中国人欣赏山水画的需求。
4. 山水画的笔墨
中国画笔墨是重要的审美要素之一，用笔用墨是自然融注在绘画当中的。一幅好的绘画不光题材、内容、型、构图等要好，用笔用墨的功夫也是极其重要的。
笔墨的问题，历来论述较多。用笔讲究点，勾、皴、擦之法和下笔的轻重、疾徐、偏正、曲直，侧笔、圆笔、中锋、偏锋、逆锋等。用墨讲究淡墨，浓墨、泼墨、积墨、焦墨以及破墨、飞墨诸法，此外还有“五墨”、“六彩”之说。
用笔与用墨的变化既是不同绘画的需求，也是不同画家的修养与绘画风格的体现，最高的境界应是心手合一，笔随心运。对山水画笔墨的欣赏，需要一定的专业知识，也是书画鉴定的一个重要方面。
5. 山水画的设色
中国画又叫丹青，可见色彩在中国画中的运用较为广泛。像新石器时代的彩陶，早期的墓室壁画及敦煌的壁画，大小李将军的青绿山水，黄筌父子的花鸟，都是鲜艳夺目，重色而不重墨的。
但随着道家思想的影响逐渐加深，崇尚素朴自然的追求，影响着色与墨的运用。特别是山水画，更是道家思想的最好体现，用墨也就逐渐超过并取代用色，特别是文人画更是极少用色。
山水画的设色是“随类赋彩”、“以色貌色”的，强调对象的固有颜色，但也并不是很客观地描摹自然，主观的赋色的情况也很多，像金碧山水、青绿山水。浅绛山水的设色也带有一定的主观性。
可见山水画的设色是很慎重的，好的设色能更好地体现画面效果，但更多的还是在墨色上来体现。
6. 山水画的诗、书、题款及印章
诗与画是两种不同的艺术，但结合的好，就可以相得益彰。这种结合既有表面的结合，又有内在的结合。表面的结合体现在，“依诗作画”和“为画题诗”上；内在的结合，则体现在诗画意境上的结合。
书法与绘画的关系就更为密切了，自古就有“书画同源”的说法。一幅画的题诗，题字与落款的好坏，也绝好地体现了书法与绘画的关系。题得好，就有画龙点睛之妙；题得不好，免不了有佛头着粪的缺点。
落款的形式多种多样，也是画面的一个重要组成部分，既可以抒发情感，又可以增加山水画的形式美感。印章也和题跋一样，是书画不可或缺的一部分，好的印章能为画面添色不少。
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