色原本只有三种，因世界太美，才变得五光十色，七彩斑澜。美是一种构成（艺术），更是一种意境（联想），没有氛围什么都不是（情绪）。
我们不是艺术家，但我们一样可以拥有追求艺术的梦想，一样可以表达自己的见解和诠释生活，表达对美的感悟。
—— 施雨题记
怎样拍好一张照片，不同的摄影师可能有各自的操作理念和技巧，以及不同的评价标准，这是从比较专业的角度去探讨摄影创作。对于摄影爱好者，特别是初学者，拍一张好照片其实也不是高不可攀的事情，学习摄影的基本知识，善于在拍摄中观察运用，也能拍摄出既有思想内涵又好看的照片。笔者把从拍摄中积累的经验和认识总结出来交流学习（侧重人文纪实角度）。
希望拍摄一张好照片，说明对照片的品质有一定的要求。拍摄一张好照片，看似简单，但真正拍好並非一件简单的事，它不是记住几条规则就可以，它需要学习拍摄技术知识，提高审美素养和反复拍摄经验积累，並善于灵活运用。虽然不同的专题拍摄有特殊的针对性要求，比如人文街拍强调突出环境信息，人物肖像注重情绪刻化和唯美；新闻强调真实性和时效性，风光讲究艺术性等。涉及针对性相关知识。但构成好照片的基本要求是相同的。比如有没有思想内涵，构图的基本要求等。我们从弄清楚重要的方面至少应注意的知识点，明白自己要拍什么，拍摄要注意哪些方面，在拍摄中从这些方面加以煅炼不断提高观察力和镜头语言表达能力，对拍摄好照片一定会有所帮助，提供一些思考和可操作性。这也是笔者对自己要求的。
首先我们要了解，究竟怎样的照片才算是好照片？它有助于定义我们的价值取向和创建我们的影像。很多摄影人的看法也是不尽相同的。有的认为它重在传递信息有思想内涵，有的认为它重在艺术性有完美的构图，也有的认为它应该是独一无二的。
摄影是什么？笔者浅薄的理解，摄影对于很多人而言它就是一种记录方式，用照片去记录大自然美丽景色、记录生活中发生的故事，表达思想情感，传递一份感动；当一个人远在他乡，把家人的照片捧在手中那一刻的温暖；当一张照片唤起人们正义的呼喊……所有摄影的意义都在里面，摄影即是把生活中稍纵即逝的瞬间转化为不朽的视觉图像。
摄影从实用性和本质意义上就是一种对客观对象的最直接最真实的记录。它具有客观真实性和不可复制性。摄影作为一种记录方式，从它诞生开始就是记实影像。不管普通人拍个纪念照，还是医学、天文、地质，新闻纪实，还是摄影艺术创作，都应该是对客观对象的最直接最真实的记录。但它们在定位上以其特有的用途和评价标准（行业标准和社会主流观点）属于不同范畴。
有人把摄影创作称之为‘’视觉艺术‘’，笔者理解，摄影创作虽然也是纪实影像，但区别于其他‘’照相‘’ ，纯粹记录，它是在客观真实的基础上对影像的一种简化、提炼，注重思想内涵和艺术审美，赋予影像更生动鲜活的人文情怀。正如美国专业摄影师Patrick Beggan所说：‘’单纯把所有事/影像都搬到一个平面上的话，是没有意义和不合理的。每种形式都有本身的限制，要好好利用这种限制，精简画面、带出中心想法、画面重点，才能让影像变成艺术‘’。
同时，摄影创作又是摄影人独特的个人视角，是摄影人对生活、对自然、对那些拍摄对象的解读和审美表达，客观上它带有主观色彩，摄影作品创作也就具有不同认知（价值观、审美观），是不同层次的（技术以及审美表达能力和表达方式），它体现在影像的社会价值、思想、艺术和技术不同层面，无论是现实主义、超现实主义或者是抽象、印象的表达方式。
从这个意义上说，摄影作品至少包含思想内涵和艺术性两个方面，而技术是表达的手段。基于这一理解，一张照片好不好就应该从照片的内涵（提供的信息质量、思想内容）、艺术（满足审美需求）和技术表达水平方面去思考和呈现。
知识点一：有一个鲜明的主题
我们拍摄一张照片一定是拍摄者发现了什么，有某种思想和感受，通过照片把所见所想传递给别人。我们常常看到抽象手法的表达，那怕只有身体某一个局部或是图形、色彩的呈现，也一定是有思想和情绪在里面。这就是一张照片的主题，是我们去拍摄一张照片首先要意识到的，也是这张照片是否值得我们去拍摄的关健。主题是拍摄者想要表达的让读者看的或者思考的东西，就象我们写作文的‘’中心思想‘’。
主题可以是面面中主体直接呈现的，也可以是画面中主体和倍体间接表达的。一个好的主题一定是明确的向读者传达某一件事或有趣的故事，或精彩的瞬间，或传递某种思想、文化内涵。拍摄者以图像中典型的影像，简洁直观地把自已此刻的想法传递给观者一定是要清晰鲜明的。也不排除间接手法的表达。
主题的内涵和深度很大程度上是取决于拍摄者对拍摄对象的观注、认知、解读和镜头语言表达水平。
知识点二：有一个突出的主体
我们的目光常常被身边发生的人物故事那些有趣的瞬间所吸引，被眼前的某一景象打动，而那个吸引我们目光的人，打动我们的景象（或者是眼前的雪山，或者是一朵绚丽的花儿），它反映出某种状态，引发拍摄者思考，或者美的愉悦，在一个场景中我们把它定义为主体。
主体是拍摄中要表现的主要对象，通过它传递某种信息，揭示主题思想。主体是一个场景中最典型最集中表现主题的元素，它可以是单一的，也可以是复数的组合。在一个场景中它是最富于表达主题的元素，因此主体是画面影像的核心所在，是揭示主题的最重要元素。我们拍一张环境人像，人就是主体，而人物本身传递的信息（如：民族、性别、年龄、身份特征、妆容等）、表达的情绪和所处特定环境共同来揭示主题。人文拍摄也是同理。
主体在画面构图中居于视角中心的位置，是画面中要突出表现的元素，其他陪体都是作为突出主体的补充元素为主体服务的。
在下图《转山》中，雪山上行走的扎巴（藏族出家男子）是画面中的主体，雪山作为陪体，共同表达作者的感受，高原人的一种生活态度，一种虔诚的‘’信仰‘’。
知识点三：简洁生动的构图
取景和构图的区分
取景和构图是不同的两件事。取景，是按照主题需要选择场景，选择场景（画框）中的主体和倍体，剔除多余的部分，这是选择构建表达主题的元素。构图，是在恬当的位置，远近，角度，高度，按照场景元素中点、线、面，光线等特质去布局各元素在画面中的位置，比例等。构图中为了表现力需要也可能增加或减少场景元素。取景和构图概念上在风光和人像拍摄中是一致的。
关于构图的理解
构图是一张照片好看的基础，它是摄影的一种重要的表达手段。好的构图就是画面干净，主体突出，有带入感，能让人比较清楚的看出摄影人想表达什么，具有某种形式美感。
很多时候发现了一个好的场景，也有好的寓意，但拍出来味道就不是那么美了，甚至没有把自己想说的表达出来。而好的摄影师却可以把平常看起来很一般的场景拍出精彩，画面具有层次感，让影像更鲜活生动。问题跟构图有很大的关系。好的摄影师更加善于利用透视、对比、光线和色彩来构建图像。
不管绘画还是摄影，都是在二维平面空间中去建造三维立体空间图像。摄影就是利用画面中各元素的空间透视关系、对比关系、影调明暗关系、色彩冷暖属性、画面虚实来重塑有序的立体的三维画面图像。绘画和摄影所不同的是，绘画是画师构思好一幅画，利用画笔工具和一定艺术形式，从无到有落墨成画。摄影则是摄影师对鲜活真实的客观场景的真实记录。而好的摄影是当摄影师面对一个场景时，能从中发现有趣的事情，对对象产生观注和解读，形成某种寓景（基于思想、情绪、观念），並对拍摄对象选择，提炼，去掉与主题思想和审美无关的东西，用最能表现其内涵以及外貌特征的形式去定格这一个瞬间，去表达此刻所想。
构图就是做两件事，一是引导观者视线到主体；二是营造画面形式美感。
不同的构图带给读者不同的视觉感受。而构图却并不是一个套路化格式化的内容，“好的构图不会沿袭别人的手法，应该是有个性的、独特的“。构图是对于画面内容的一种组织布局和引导形式，你可以选择任何一种方式（如：三分法、引导线、平行线、斜线、对称、居中、框架等）来将观看者的视觉重心引导至你想要表达的画面主体身上。好的构图就是观者的目光能直达主体，並在陪体烘托下增强对主题的解读。
换句话说就是将纳入画面的元素，依据场景特点，如点、线、面结构及光影、色彩分布，按进入画面元素主次定位去做几件事情：
选择角度：选择展示主体最有表现力的面，包括光的投射方向、前后景的选择、机位高低等。
选择好的画面布局：如选择横向排列、纵向排列、对角线排列等。采用富有表现力的构图形式，如三分法（九宫格）或引导线等。
距离：主体大小与环境比例。
层次安排：主体与前后景的距离、角度，光影投射等，塑造透视感、立体感。
合理安排主体、陪体，主体和前景、背景的位置，注意它们之间的呼应关系，达成画面具有某种形式美感和视觉冲击力。当然，场景总是千奇百态，构图法则也不是死教条，取景构图还是要能充分表达拍摄者的构思，只要是能够充分表达主题，具有美的表现形式，就是好的方法。
构图中应注意的几个方面，它更多的是帮助我们建立影像构建中各元素的关系、对比、均衡、节奏和空间等一系列形式美学规则。
1.简洁。越是简洁的东西越具有视觉冲击力，不论图形还是色彩。简洁的构图更加容易突出主体，表达思想和感情。
简洁不是简单、少，而是没有沉余的东西。我们只是找出作品中需要的，而非所有看到的东西。选择角度是重要的方法，采用前景庶档，虚实手法等。构图时避开与主题无关，甚至影响主题表达，影响画面美感的东西。通常一幅作品中努力表达一个主题，突出一个主体。切忌主体冲突，破坏构图和主题的表达。
极简风格是一种借鉴，虽然它对场景有特殊的要求。
2.不可忽略的陪体
陪体是配合烘托主体共同揭示主题的一部分。与主体具有内在的联系或者和主体具有和谐的构成形式（或与主体对此，或制造与主体冲突，或协调画面，或打破平衡，或通过它传递某种信息）。在画面中共同营造意境，揭示主题。
陪体可以是前景、背景，也可以是进入画面中某个独立的元素。
选择好的倍体很重要。前景和背景与主题一样重要。如果陪体，比如前景或背景很普通或者杂乱，势必让照片缺乏焦点，缺乏美感。陪体一定是主题的一部分，好的陪体更能衬托主体，渲染主题，增强意境，但又不分散注意力。
《折多山上的白塔》这张照片右边的经幡，以及背景中的雪山我们把它作为陪体，与白塔配合进一步增强意境，深化主题。使画面更富可读性。
3.节奏感
画面主体、陪体及前景、背景在布局（框架中）各元素的大小、远近、疏密、虚实、动静、冷暖的表达，恬到好处，相得益彰。如利用居中构图显得庄重，三角构图显得平稳，斜线构图制造动感，框式制造神秘等方法，使主体与陪体位置、大小、远近比例适度或故意夸张，让读者通过联想产生平静、激烈等感受。不仅增加画面形式美感，更有助于表达情绪、氛围，增添画面的故事性和艺术性。
4.忌直白
选择一个好的角度，选择好的前景和陪体。铺垫、过度，把观者目光引向主体。或交待环境，或相映成趣，如高山配草原、瀑布配流水等。在人像、风光拍摄中常用引入前景的方法，增加画面透视感、均衡画面、烘托主体的作用。
选择前景也是构图中一个有效方法，它可能让你的照片脱颖而出。一个好的前景能对画面构图起到对比、引导、过渡作用，不管是实物还是线条、光影，非常具有带入感，可以增加画面层次感（纵深感）或通过对比增加画面的意境，烘托泫染主体。
归结起来前景的作用有以下几方面：
增强画面的空间感；与主体、背景形成联系或对比；填补画面中过多的空白；庶挡场景中杂乱多余的景物；交待主观视点，用于拍摄主观镜头。
前景可以是实物，也可以是线条、光影，前景一般是与主体有内在联系，即关联性。也不排斥用冲突手法去表达某种意境。前景在画面中要有美感，在整个画面中的大小适当，形状、位置与画面和谐。有时候甚至把主体作为前景框架，用背景元素或其它陪体元素来完成构图。有些场景中为增加表现力需要时也可能增加场景元素（等待某一主体或陪体元素出现）。前景切忌杂乱、唐突、无序，甚至喧宾夺主，弄巧成拙。
《雅拉雪山》这幅照片选择经幡做陪体，形成框架式前景，即增加了画面透视感，又为雪山增加了神秘感，扩展了照片内涵。
5.负空间（留白）
让画面有视角上和想像上的延伸空间。例:折多山上，人是主体，山为倍体，天为背景（视为负空间）如果压缩负空间，则图片上的人和山就失去了高度和视觉冲击力。负空间有利于营造氛围和意境的作用。
6.画面均衡
均衡是构图的一个重要原则，无论在大自然、建筑还是绘画作品中，均衡的结构都能在视觉上产生形式美感。
但在实际拍摄中，不少人会忽视画面元素的布局和呼应关系，导致画面结构不协调，“重量”感集中在画面一侧，导致失衡。还有一种是地平线失衡，面的切线不一致，导致失衡。
要想避免这一问题，在安排整体布局时，尽量不要把“重量”都集中在一侧，按照线和面的特点选择适度的机位，或者通过清晰、模糊关系、明暗关系、线条或加入陪体等手段来加强、减弱特定元素的“重量”感，维持画面整体的平衡。
有意打破平衡，制造动感，但视觉力的均衡仍然存在，这种均衡来源于心理感受和联想。
知识点四： 作品独特性是影像最具价值的重要因素
独特性是作品差异化最直接的标志。它体现在影像信息的独特性，影像社会价值、审美价值，瞬间的画面捕捉以及独特表现手法。在风光摄影中，对同样一个场景，它体现在摄影人独特的视角，不同的际遇和不同的解读。
知识点五：运用光线塑造影像
光是摄影的绝对基础，光除了作为摄影必要的条件之外，在画面视觉效果中也同样占据着重要位置。
光线是摄影的前提，也是影调、线条等摄影语言发挥的前提。我们需要利用光线的投射方向、面积，光的强弱、光的质感、光的色彩等来塑造影像，利用光线来突出画面中的阴影和纹理，可以更加生动地表现意境和氛围，表现影像的生命力以及深度。因此人们把摄影定义为光影的艺术。
不同的光线运用手法所传递的信息也会不同。常用光位对影像塑造至关重要。
顺光 顺光在拍摄人像时，能够使人物脸部受光均匀，减少瑕疵感。但它不利于拍出被摄体的立体感和空间深度感。
侧光 侧光能让被摄体产生明暗变化，显出立体感和表面质感，它比较符合人们正常的视觉习惯，所以，在摄影中被广泛的利用。
逆光 逆光能勾画出对象的形状，使之与背景分开。在对象的形状边缘形成明亮的亮线，能够渲染所要表达的气氛，丰富和活跃画面。
以上是常用的三种光线，除此之外还有顶光、底光、侧逆光、侧顺光等。光的角度那怕细微变化都会带出影像的不同感受。
自然光条件下，时间不仅定义了光的高度，也定义了光的质感。光的质感对影像也是至关重要的，在晴朗天气早上和傍晚光线色温低，更饱和、纯净，色彩丰富，正午的光线总是强烈的（俗称“光硬”）。
这意味着我们必须要了解光，观察光，知道在每天不同时间及天气环境下的光线质感的不同，知道不同光位对塑造形象的影响和作用。在拍摄中通过选择有针对性的光质、光位和光的量度来拍摄我们想要达到的效果，塑造不同影调影像。在自然光环境下，没有不好的光，只有光适不适合我们的影像和对光的善加利用。
这里说的影调是指一幅照片的明暗基调，也就是常说的高调、低调、中间调。影调是为表现主题服务的，要切合主题思想，表达不同的氛围和情绪，影调非常直接的给读者带来不同的视觉感受。影调是摄影师利用和控制光线来实现的。
知识点六：富有感情的色彩
色彩浸孕着思想和情绪。＂颜色是有重量的，它可以压的人透不过气来，也可以给人轻松愉悦的感觉。颜色更是有生命的，它用斑驳和褪色静悄悄告诉你时光的流逝＂。这样形容一幅作品的色调是非常深刻的。它告诉我们色调在一幅摄影作品中是多么的重要。
如果说一张图片给人的视觉感受光线影调是第一位的，色彩必定是第二。笔者理解，这里包含对色彩的审美取向和色彩的认识运用两个层面。
人类生活在彩色的世界中，不同民族人们以其所受教育和人的心理感受，对色彩做出审美判断，有不同的审美取向。大众审美观代表主流社会的审美取向，它是艺术的要旨。遵崇大众审美观在追求艺术创新上不至走得太偏。
在一张照片中正确利用色彩渲染主题，用色彩对比揭示主题；也可以用不同颜色剥离人物与背景来突出主体（注：利用光的明暗是最有效的方法）；用色彩倾向增加照片的意境和氛围，能更好的传达情绪，使照片更具可读性和感染力。使用色彩有几点注意的地方，一是使用色彩不正确，如用冷色系去表现热情扬溢的场景；二是色彩不正，给人的感觉是不伦不类的混搭，还容易产生歧义；三是过渡渲染夸张；四是色彩杂乱，使画面色调不和谐。
这里说的色调是指作品画面中色彩的主基调（色彩倾向）。创作中利用色彩的特性和人的视觉感受特性，传达诸如冷暖、清新、灰暗、轻松、沉重、新旧等等视觉感受。恬好的色调使一幅作品具有很强的感染力。色调是摄影作品重要构成元素。
知识点七：多一点想像，多一点创意，给照片注入活力
美是一种构成（艺术），更是一种意境（联想），没有氛围什么都不是（情绪）。一张好照片是有生命的，除了要有一个好的寓意，还要善于通过技术手法去把它表达出来。比如用慢门柔化影像、制造拖影，用追随手法制造动感；运用色彩对比、动静对比、虚实对比、冷嗳对比、增加兴趣点、以及抓住主陪体元素之间内在冲突等方式，在照片中注入生动有趣的镜头语言，提升照片思想内涵和艺术含量，让照片更加生动，具有视觉冲击力和趣味性。笔者理解为照片的技术含量，我们常说，照像容易摄影很难，因为摄影至少还包含拍摄技巧和艺术性两个方面。
以上是笔者总结的拍摄一张好照片要了解和掌握住的七个方面的知识点，其中涉及到一些术语，如构图形式、景深、曝光控制、白平衡等未作详细交流，这是不可或缺的基础。
延伸阅读：
拍摄中的有些经验对提升照片品质同样非常重要。
1.好的构思是获得好作品的前提
思考和酬划， 是拍摄的一个好的开始。不管你拍摄纪实，拍摄风光，还是人像。你的拍摄对象是什么？时间、地点、怎样的场景？表达什么？怎样去表达？使用什么器材？比如镜头焦段和孔经，需要用到的滤镜等是考虑的重点，你得心中有数。有时间的应先了解拍摄对象，做个预案。在旅途中拍摄，随机性很大，时间有限，当发现值得拍摄的场景时，至少应有一个基本的构思。在很多时候没有时间让拍摄者想太多，如新闻现场、婚礼跟拍、街拍、突发事件等，这时只能靠你的潜意识启示你，引导你。
2.决定性瞬间
摄影的迷人之处不是看你拍了多少，而在于你拍到了什么。它可能是足以憾动人心的，也可能是生活中细小的精彩。充满趣味性和生动鲜活的影像最吸引观者目光。
笔者理解 ‘’瞬间就是对拍摄时机的选择，是让我们自己意识到，当你所拍摄的画面在这一秒进入照片中的时候，会比后几秒或者前几秒进入照片的状态更好或者更差。这就是瞬间的意义‘’。
无论新闻纪实还是风光，很多重要机会和精彩的瞬间，转瞬即失。除突发性机会外，很多拍摄需要有思想准备，临场有预判，而不是仅靠运气懵上的，仅管很多时候我们确实需要一些运气来成全。
区别于商业摄影，纪实摄影很多时候并没有那么多可以前期准备的时间，发生与记录往往只在短暂一瞬间，如新闻摄影等。曾经的经历告诉我们，常常面对瞬息万变的捕捉，那一定是职业的敏感性和技术积累，是长期思考观察而沉淀于拍摄者大脑中的潜意识。不用观察思考，手到揍来，那是神一般的存在。
机会往往赠给观察细致，思维敏捷的人。在拍摄中多观察，去发现有趣的人和事，细心留意发生着和可能发生的事情；人像拍摄中一个不经意间的眼神，一个温暖的笑容，一个恰到好处的姿势；风光摄影中独特的流云光影，有趣的陪衬物等都值得细心留意。当我们风尘仆仆到达山顶拍摄刚刚升起的日出，却遇上一场雨的窘态，而老天却恬恬送来了美丽的彩虹。拍摄风光的经验还告诉我们，当太阳落下地平线之后，不要急于收拾行装，那之后短暂的15分或许会有奇丽的景像。
有时候契而不舍，耐心等待也是给自已机会。一个好场景有时候是需要守候的，等待（主体或陪体），它可能是有趣的人或那一抺阳光。
3.寻找拍摄角度很重要
选择好的拍摄角度，可能比发现一个场景本身更为重要。好的拍摄角度，能给你的照片锦上添花。机位的选择，画面元素的构成，光线投射的不同，前景和背景的选择以至产生不同的构图，会带来不同的画面感受和效果，不同的角度有时候表达的意思完全不同。拍摄前需要细心观察，增强观察力和抽象思维的能力。
摄影很容易养成个人习惯。比如，总是从第一眼看到的视角拍摄，那种常人的视角，而不去尝试其他不同的角度，习惯某种构图，而忽略更有趣的形式。这样做，你会错过非常多不一样的镜头，拍摄的作品没有新意。一定要有想象，告诉自已一定有更符合自己想象中的视角。如果可以，尝试远、近、高、低、左、右不同的角度来拍摄，随着主体与陪体位置的变化，视角的不同，它呈现给你的影像是完全不同的。有时候为了更好的表达主题，要反复观察寻找更好的角度、以及使用不同焦距镜头营造的空间感去拍摄。
上图《上九节-锅庄》这张照片是藏族妇女跳锅庄舞的一个场景，四面围满了观众，正面右侧前方有一棵大树，如果平视高度拍摄，跳锅庄的藏族妇女就淹没在周遭的人群之中，树也很唐突。笔者采用低机位拍摄，突显了主体，避开了树对画面的影响。
4.准确曝光要细思
首先要闹清楚什么是准确曝光。笔者理解摄影创作中准确曝光是指摄影师在一张图片中按图片明暗、影调而进行精准的曝光控制。而我们用照相机不同测光模式得到的曝光数据只是针对场景或局部某个点的参考依据。怎样才算准确曝光，是按摄影师创作影像的意图而定的。在风光摄影中画面影调丰富，主体鲜明，高光、暗部细节都很通透，这是准确曝光。在一些人文摄影中有意忽略暗部细节，集中表现主体刻画，也是一种准确曝光。关健看摄影师需要什么。因此，曝光控制也反映出摄影师的技术水平和审美取向。
摄影老手都有一条经验，‘’宁欠勿过‘’。是说在曝光时宁愿欠曝，不可过曝。因为欠曝在一定程度上可以通过后期补救，而过爆，高光部份细节尽失，无可挽回。特别是大光比高反差场景，不失为一种技巧。但是笔者认为，具体场景（灰度等级、色彩特性、光投射方向），具体题材（影调需要），具体分析，强调用技术手段平衡光比，准确曝光，确保纹理细节和影调层次。在风光拍摄中‘’宁欠勿过‘’，向左曝光（幅度根据光比大小而定），保证高光部分不过曝，尽量保留高光细节；在人像拍摄中向右曝光1/3，保证人物肤质纹理和细节通透，在逆光拍摄时尽可能采用补光，无补光条件时采用曝光补偿。
准确曝光的图片影像不仅能更好表达拍摄者的意图，而且在画面锐度、纹理细节、影调层次，色彩都能达到最佳表现。
5.清晰锐利的主体
一般而言把主体拍清晰是照片基本要求，但很多时候我们会忽视它。如果一张照片整个画面都很肉（不清晰），拍人看不清眼神，拍风景看不清主体细节、质感，给人的感觉不会很好。它可能是我们的相机设置，或者对焦选择，或者没有控制好相机。虽然我们並不刻意追求所谓的‘’刀锐奶化‘’，但清晰锐利的影像能更好的突出主体，给人好的视觉感受。
问题来了，如何把握景深。笔者以为处理好前景，主体，背景的虚实关系，达到虚实得当，层次丰富，掌握好尺度。营造朦胧美感，也要注意保留足够的信息量，特别是在人文纪实拍摄中，也就是常说的把握好景深尺度（根据需要的信息量和艺术表达效果），来共同营造画面意境和氛围。
6.采用RAW+JPEG格式拍摄
现在是数码影像的年代（仍有部分胶片用户，数码属主流用户群），伴随互联网络的发展，成像技术相较于胶片时期有了长足的进步，即拍即得，达到快速成像，快速传送使用。但不考虑时效性因素，后期作为摄影创作的一个部分仍然是不可或缺的。就像胶片时期拍摄后的暗房，在主观需要干预下，那些拍摄后的显影、定影，再到曝光印象……数码照片也一样，后期是整个摄影创作的一个环节。
照相机受到技术瓶径限制，在影像成相上仍然存在很多缺陷，诸如在高反差光线下的动态范围限制，电子噪声等，即使你使用了平衡滤镜，包括在不同光照条件下色彩的变化，很多时候並不能达到我们想要的效果。恬好的后期处理可以弥补前期拍摄的不足，纠正数码相机成像带出的暇呲，提升照片品质，使拍摄的作品更加完美，一定义意上说是对摄影的尊重，也是对读者的尊重。同时，在后期调片中容易发现前期拍摄中存在的问题，从而在以后拍摄中加以改进。
前期拍摄是关健，后期是完善，后期不可能拯救一切。如果一个好题材，你没把握好拍摄要领，构图混乱，把它拍坏了，别人都不知道你要表达什么，或者严重过曝，细节尽失，后期也是白嗒。后期是锦上添花。
虽然RAW+JPEG两种格式都可以在后期进行调整修片。但JPEG这种格式的照片，是经过相机渲染的图片，显示的颜色较少，锐度、对比度较低，会丢掉一部分照片的原始信息，它可能並不一定是你想要的。如果你需要对照片作后期处理，那么采用RAW格式拍摄，RAW格式文件直接打开观看是很灰的感觉，甚至没有JPEG格式图片受看。但它是照相机传感器的原始信息记录，是记录了光圈、快门、感光度、色彩、锐度、对比度、高光、阴影、色温等一系列原始参数的存储文件，RAW格式照片记录更多影像细节数据，是未经相机渲染的原数据，更具可重塑性。
最后笔者想说的是，摄影创作是一门综合艺术，如果你对自已有较高的要求，理论学习是必须做的功课，做到知其然。如果我们不懂得光圈、快门、lS0，它们之间‘’互易律‘’关系，不明白影响景深的因素，可以说连照相机都不会用。如果我们不懂得如何取景，不了解构图中透视的基本方法，何谈创作，更不用说打破规则去创新。同时，摄影又是一门实践性、操作性很强的活动，不管是相机使用技巧，还是取景构图，都要在实战拍摄中反复摸索，积累经验，形成自已的拍摄模式，特别是在学习阶段，多拍多练尤其重要。
对于愛好者，每个人投入到摄影中来的初衷是不尽相同的，也不一定都要达到多么专业的高度，在学习基本知识基础上，重点还是要在拍摄中独立思考，养成自已良好的拍摄习惯和拍摄方法，拍摄出自已心仪，受大家喜爱的作品，享受摄影带给我们的快乐！
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《独居老人》2015年拍摄于四川丹棱
丹棱86岁的独居老人，除了洗衣、砍柴、做饭，她总是一个人静静地、静静地坐在门边，望着空寂的院落，一起老去的是那墙边的风车……
老人听说我要給她照相，显得很开心，说：“从来都没有照过像”……
