梵高究竟画了几幅向日葵，至今为止一直是个迷。有人说是十四幅，有人说是十一幅。但可以肯定的是《花瓶里的五朵向日葵》这一幅在二战时被烧毁。今天小编整理了部分梵高的向日葵系列作品，从这系列作品开始，与大家共同探讨一下梵高的画到底好在哪？
《花瓶里的五朵向日葵》
Still Life: Vase with Five Sunflowers
布面油画 98.0 x 69.0 cm
创作于：1888年8月，法国阿尔勒
二战时毁于火灾
这幅画作曾为日本实业家山本顾弥太所有，2014年10月在日本大冢国际美术馆展出过陶版画的副本。因其在二战时由于美军轰炸芦屋市被烧毁，又被称作“芦屋的向日葵”。
《花瓶里的十五朵向日葵》
Still Life: Vase with Fifteen Sunflower
布面油画100.5 x 76.5 cm
创作于：1889年1月，法国阿尔勒
现存于：东京损保日本东乡青儿美术馆
创作语录：“在黄色背景前面的十四朵花好像我以前所画的一样，不同之处是这幅画更大一些，它有一种相当特殊的效果。我认为这一幅是以更加简练的手法画出来的。”——梵高
纵观向日葵系列的尺寸，现存于东京损保日本东乡青儿美术馆内的《花瓶里的十五朵向日葵》是尺寸较大的一副。
《花瓶里的三朵向日葵》
Three sunflowers in a Vase
布面油画 73.0 x 58.0 cm
创作于：1888年8月，法国阿尔勒
现存于：美国，私人收藏
1888年，梵高搬到阿尔勒居住。期间，他疯狂地爱上了遍地生长的巨大金色向日葵。千姿百态的向日葵既有紧闭的苞蕾也有盛开的花盘，花朵的黄色呈现出丰富的色调，从深橙色到近乎绿色。他说：“我想为墙壁搞点装饰，只用向日葵……好，如果我完成了计划，那将作为墙的表面。我每天从日出开始工作，因为那些花会很快凋零，哪怕中间有一朵打蔫都很麻烦。”
同年8月，他画了大量的向日葵写生，并打算用这些习作装饰“黄房子”内他自己的房间。而这些“向日葵”都是在不到一周的时间内被创作出来的。所有的向日葵都是从一只简单的陶罐里冒出来，花儿有的新鲜挺拔，有的已经开始凋零。
这三朵向日葵，自1948年后，就再也没有被展出过。文森特·梵高开始描绘向日葵后给他的朋友埃米尔·伯纳德写过信，信中写道，“我现在正以马赛人吃蒸鱼的热情拼命画画，当你听到我画的是一些高贵的向日葵的时候，会不会感到惊讶呢？（这是）前阵子我用半打向日葵装饰我的工作室时想到，这未经粉饰的铬黄燃烧在蓝色的背景之上，从孔雀绿到品蓝。”
Still Life: Vase with Twelve Sunflowers
布面油画 91.0 x 72.0 cm
创作于：1888年8月，法国阿尔勒
现存于：慕尼黑新美术陈列馆
后来，梵高最终于计划在他和高更作为工作室的黄房子里开始画十二朵向日葵的工作。所有的东西将因此成为蓝与黄的交响乐。
《花瓶里的十四朵向日葵》
Still Life: Vase with Fourteen Sunflower
布面油画 93.0 x 73.0 cm
创作于：1888年8月，法国阿尔勒
现存于：伦敦国立美术馆
梵高在给弟弟提奥的信中写道：“我画了三次，第一次，三朵大向日葵在一只绿色花瓶里，有明亮的背景；第二次，三朵，一朵枯萎并掉了叶子，另一朵是蓓蕾，背景是品蓝；最后一幅是明亮的，我希望，开始创作第四幅。这第四幅有十四朵花，背景会是黄色。”这四幅画作，正是在1888年8月中的某个星期里，梵高一口气创作出来的四幅向日葵。
《花瓶里的十五朵向日葵》
Still Life: Vase with Fifteen Sunflowers
布面油画 95.0 x 73.0 cm
创作于：1889年1月，法国阿尔勒
现存于：阿姆斯特丹荷兰国立梵高博物馆
创作语录：“我越是年老丑陋、令人讨厌、贫病交加，越要用鲜艳华丽、精心设计的色彩为自己雪耻。”——梵高
1888年12月，梵高病倒了。他借绘画帮自己恢复健康。有一天，高更对他说在莫奈家看到一幅向日葵的油画，向日葵插在一个精美的日本花瓶中，不过他更喜欢梵高画的向日葵。没多久，1889年1月，他创作出了这幅令人惊艳的作品（目前保存于荷兰阿姆斯特丹国立梵高博物馆）。在提奥的黄颜色房间里，一朵带紫色圆环的向日葵突出在一片黄颜色的背景之前。花梗浸在一只黄颜色的壶中，壶放在一张黄颜色的桌上。画面的一角上，画家的签名：文森特。
Still Life: Vase with Twelve Sunflowers
布面油画 92.0 x 72.5 cm
创作于：1889年1月，法国阿尔勒
现存于：费城艺术博物馆
梵高在给他弟弟的信中提到十二颗与十四颗向日葵的结构分布。他用十二颗向日葵来表示基督十二门徒。他将南方画室的成员定为12人，而14人中的另两人是他和弟弟。
梵高的向日葵应该算是他最负盛名的作品了，但除了他的向日葵系列作品，还有如星夜、麦田里的乌鸦等画作都很好，那么他的画到底好在哪呢？
如果你只是在网上，或者小画片上看梵高的画，那真的不容易体会出它的好来，因为你看不到画家更细致的笔触和油彩的质感，而当站在原画面前时，假如你是个绘画爱好者，会不自然地推敲他绘画的过程，如何用色，能真切地感受到画家想传达出来的那种情绪。
从上面的原作与放大的细节图中，我们能感受到画家狠狠地把油彩挤在画布上，用力几笔，揉进翻滚的乌云，黑线勾勒的乌鸦奋力挣扎着，画笔饱蘸着高纯度的油彩短促地排线，因为过于激动身体僵硬而微微颤抖......
他画的是当时的气氛，无比压抑情绪下的麦田。区别于印象派，后印象派强调作品抒发艺术家的自我感受和主观感情，在艺术表现上，后印象派更加强调构成关系，认为艺术形象要异于生活的物象，要表现出“主观化了的客观”。
一件艺术作品的价值，要结合艺术家创作时的背景和心境。一个艺术家的成就，要看他对后人的启发。
对梵高来说，油画就跟文字一样，只是另一种表达方式。注意，这时候是19世纪，在之前一点点，古典主义着重的是形体和轮廓，强调精确的素描技术和柔缓微妙的明暗色调，也就是说，一张油画就像是咔嚓一张照片一样。而当时莫奈为代表的印象派，开始强调不同的光影对色彩的变化，莫奈有许多捕捉统一景物在不同光线下色彩的油画，也就是像在照片上加了不同效果的滤镜……而以梵高为代表的后印象派，则是将心境画入作品中，主观意识的表现取代了客观的描绘。后印象派又启发了后来的野兽派（马蒂斯）、立体派（毕加索）、象征派、表现主义等。
抛开画家所处的社会环境来评价一个画家的成就和画作是不完整的。
梵高所处的时代正是19世纪，在之前一点点，古典主义着重的是形体和轮廓，强调精确的素描技术和柔缓微妙的明暗色调，也就是说，一张油画就像是咔嚓一张照片一样。而当时莫奈为代表的印象派，开始强调不同的光影对色彩的变化，莫奈有许多捕捉统一景物在不同光线下色彩的油画，也就是像在照片上加了不同效果的滤镜……而以梵高为代表的后印象派，则是将心境画入作品中，主观意识的表现取代了客观的描绘。后印象派又启发了后来的野兽派（马蒂斯）、立体派（毕加索）、象征派、表现主义等。
当时，学院派仍然是主流艺术，印象派作为新兴的画派尚未被主流社会所接受，更别说后印象派了。梵高一生困苦，生前只卖出过一副油画。他热爱绘画又很敏感，因得不到肯定而自卑。还好他在巴黎的时候结识了几个好朋友，其中包括高更和塞尚，他们三个人是后印象派杰出的代表。高更有一次赞了他的向日葵，他就在高更来访时住的卧室墙上挂了专门为他创作的向日葵，朋友的赞扬让他有好心情继续创作下去。梵高是死前四年才接触印象派，如果不是因为对绘画的热爱，他又怎么会用全部的心血投入到和当时社会格格不入的画风中去呢？正如《星夜》中像焰火一样闪亮的星星那样，他对绘画有火焰般的热情，忍饥挨饿对着他能看到的单调的景物反复练习和尝试新的画法，一生中画了35幅自画像，11幅向日葵，若干幅麦田。他最后的两年是在病魔的折磨下度过的。活动范围很有限，就画目之所及的景物：房子、卧室、椅子、盆景、花园、果树，有什么画什么。绘画燃起他对未来的希望，他想快点好起来，将来可以画更有诗意的题材。
[星空 the starry night, 1889]
梵高的画好在哪？有个性，不媚俗，敢于尝试和创新，表达了真实情感，这很伟大。景物在画家的头脑中经过重新构造和抽象，更能抓住所描绘景物的本质，突出主观感受。画法上在印象派的基础上吸收了日本浮世绘的一些构图和用色方法，并形成了自己的风格：用色专断，画得很快，更容易捕捉到动感，为的是最充分地表现自己。他是现代表现主义的先锋。
《向日葵》好在哪儿？因为花瓶里的花很快就会枯萎，所以必须快速的做画，“我满怀激情地在绘画，就像一个马赛人喝着浓味鱼肉汤那样”
《星空》像科幻小说？恩，他觉着身体有点好了，充满着对未来的憧憬。被旋转的星云包裹着的闪耀的星星，对比着宁静的小村落，前景的柏树枝向天空伸展，表现的是生命力，像黑夜中燃放的焰火一样炫丽。
当然，梵高的作品好的另一方面体现就是对色彩的敏感。他不只单纯的去记录客观颜色，而开始包含了更多对色彩的情感表达。
绘画作为一种艺术，传达的是美。
最后献上梵高的一副画作《花瓶中开花的小杏枝》
本文整理自知乎
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