当艺术碰到网红，只剩下流量？

打卡网红展览貌似已经成了现代社交人的标配。

在小红书上搜索“展览”，迎面扑来的就是各种网红打卡照片，同一个背景，不同的人。

对于这种“大型流行文化”，人们在司空见惯的同时也心存怀疑：美术馆网红扎堆，真的是艺术平民化了吗？

今天我们就来讨论一下“网红艺术”。

爱恨交加的网红展

最近，北京时代美术馆的《虚构与现实之间——蜷川实花展》吸引了许多观众去打卡。

蜷川实花是当代日本炙手可热的一线艺术家、电影导演，以花出名，她标志性的高饱和色彩给人带来强烈的视觉冲击。

但是，这次展览的口碑严重两极分化。有人赞不绝口，也有人倍感失落。

小红书热度最高的帖子大力推荐这次展览：色彩斑斓的风格，可以从多种不同的角度去观看艺术家的作品，巨型花墙给人以直观的视觉冲击，全方位沉浸式的展示空间，像春天一样温暖的包裹着每一个人，为时尚达人提供了不少场景……

还有部分人对它倍感失望：展览的摄影作品质量极低，像素低到令人难以置信，有扑面而来的廉价感，且每个角落都挤满了拍照的人，观感极差……

这几年出圈的网红展览越来越多。

比如去年年底爆火的莫瑞吉奥·卡特兰：最后的审判。展览里吊着的马成了各大社交人士的背景标配。

逛展似乎成了年轻人的时髦方式，可这种人均艺术爱好者的现象，真的代表艺术大众化了吗？

乐在其中的人认为：这些“好玩”的作品，改变了很多人心目中当代艺术“晦涩难懂”的印象。

它们给大众普及了很多艺术家，让更多人关注到了艺术发展，并开始对艺术真正产生兴趣。

且在某种程度上说，“网红展”的走红影响了传统美术馆、博物馆的运营思维。

如今，更多的艺术展览致力于运用多媒体技术，讲好文物和展品背后的故事。

但也有人质疑：网红展的意义就是拍照展，为大家提供一个特别点的背景而已。它更像是单纯地提供娱乐场所和消费空间。 流于形式，意义不大。

且这些展览的内容千篇一律：粉红、云朵、霓虹灯、镜面、投影、虚拟现实，有的场景不仅是照搬照抄，还是拷贝大走样。成本低，壁垒低，copy出来的艺术展没有价值。

网红展口碑褒贬不一，那它为什么能俘获大众芳心呢？

网红展也有套路可循？

当传统艺术展空荡荡，网红展人挤人，多到如赶鸭子上架时，它们吸引人的点到底在哪呢？

首先是多元素的融合配合高明度色彩或者猎奇的行为艺术。

就像花样百出游戏界面，从各个感官来刺激观众、吸引观众。

高明度、多色彩在许多“网红”艺术家的作品里都有体现。例如草间弥生的波点、安迪·沃霍尔的波普艺术、村上隆的太阳花，他们的每一次展览都能爆满。

海洋球、气球、纯色背景、霓虹灯等等都是网红展的标志。

这些元素都足够夺人眼球，能够在网络中被快速传播。

拼盘群展也是网红展的标志。

给于展览一个大主题，在展览里会融合多名艺术家的作品。

这样的做法虽然会导致内容杂乱，但对于想要拍照出圈的人们来说，简直完美。

沉浸式体验也是重要吸引点，参展观众能近距离接触作品，甚至完全置身于艺术作品里。

2015年余德耀美术馆开办了主题为“雨屋”的展览，雨水从天而降，参展的观众走在雨水之中，却完全不会被淋湿。

整个展场一片漆黑，只有展馆的末端有一个聚光灯，大家可以利用灯光拍照，录影，观众可以与艺术完全融合。

这个展览异常火爆，在周末和节假日，它的排队超过了八个小时，整个展览期间，参展人数超过了20万人。

网红展览的重要元素当然还有网红艺术家。

这些艺术家有些是通过自我营销主动成为网红。

有些则是“被网红”，比如前面提到的有安迪·沃霍尔、村上隆，还有行为艺术家阿布拉莫维奇，她的出圈作品就是和陌生人对视直到遇到了前任泪如雨下，还有将自己麻醉后让观众任意伤害自己。

他们的名字和作品经过网络传播，被加上各种代名词，推广到人尽皆知。

这些“被网红”的艺术家有一定的知名度，又不会很low，是部分人在社交网络上进行“自我标榜”的首选。

阿布拉莫维奇也曾在中国办过展览，展览的作品都以视频形式呈现。

展览也出现了和蜷川实花展同样的展品质量低的问题，但依然吸引了众多观众。

还有网红展会请明星做代言，利用明星的热度去“圈粉”。

有明星打卡的展览也总会引起追捧。

这些元素本质上都起到了营销的作用，扩大了网红展的知名度。

随着网红展的爆火，各种衍生品也拥有了极大的商机。

比如在KAWS潮流艺术展上，为了买到一件KAWS的联名商品，排队的人数能绕余德耀美术馆整整一圈，KAWS Companion玩偶更是在开售后就立即售罄。

衍生品的火爆也进一步提升了网红展的热度。

有了以上这些元素作为流量密码，网红展总能吸引大批粉丝为其买单。

但是，艺术网红化究竟是好是坏呢？

艺术该不该网红化？

首先，艺术是不能离开市场的。

不管我们是否愿意，当代艺术商业化已经成为了一种时髦潮流，向我们蜂拥而来。

市场需要更多的艺术家来制造艺术品，艺术家也需要市场来养活他们。

从近几年的市场行情来看，艺术元素与商业之间存在着“共生”关系。

越来越多的艺术家开始与品牌合作，商业购物中心艺术化，餐厅、书店个性化……

艺术与商业彼此促进，在一定程度上促进了消费，也给大众生活带来了乐趣。

其实我们排斥的也并非这种积极的艺术商品化，而是过度商业化。

当艺术过度商业化，为了迎合客户，大批艺术家就开始降低标准，放弃对艺术价值和精神的探索，转而开发大众都能看懂且“喜闻乐见”的艺术。

这种商业化现象造成了当代艺术内涵的空虚，也让很多人对当前的艺术创作感到焦虑。

艺术对市场的依赖导致作品雷同，且快餐式的创作俯拾皆是，比如失恋博物馆、解压博物馆、星空博物馆等。

这种作品虽然能给观众带来感官上的刺激，也能给艺术家带来一定的保障，但究其根本，和艺术的本质目标大相径庭，甚至背道相驰。

过分追求商业价值，忽略艺术质量本身，既想要现代艺术的“高大上”，又想做娱乐大众的主题乐园，结果就是挂羊头卖狗肉。

展览里符号化的作品冲击着我们的视觉。

强色彩冲击的光影装置成了现代网红展的批量生产对象。

在铺天盖地的商业营销里，我们总是乐于欣赏或者说是被迫欣赏这些。

这样的“艺术展”虽然能圈来许多观众，但打卡的人远远多于真正欣赏学习的人。

粗糙的布场，敷衍的作品，让慕名而来的观众花着一百多的门票钱，只是玩了一次主题乐园。

艺术创作的健康发展，需要敬畏艺术，按艺术规律办事，也需要拒绝过度商业化，拒绝无意义copy。

对于网红艺术，我们不该完全拒绝，但也要学会甄别，去支持真正有内容、有艺术水准的展览。

艺术可以跟随大众脚步，但更要引领大众方向。

屏幕前的inker对网红艺术有什么看法呢，快来评论区讨论一下吧。

 作者： 荧光鱼籽