院体画：
早在唐代就设有供奉、徐诏等，五代时期南唐和西蜀均设置有画院，宋代则设有翰林图画院，举国遴选同时期的优秀画家，为宫廷的皇室贵胄服务。历代画院里御用画师所画的山水、花鸟、人物等，大都是按皇室要求用笔精细，设色丰富，整体精致、华丽非凡，构图严谨，色调绚丽，多数有较强的装饰性，因而谓之院体画，其中清代的郎世宁的精品画作具有一定代表性，因大多藏于故宫博物院而广为人知。
民间画：
在中国画的范畴内指除却专业画家、文人画家等以外，有绘画的一技之长并赖以生存的民间艺人，画匠创作的迎合一般民众的市井习俗的画作。作品整体风格大多倾向于构图细腻，设色艳俗，有的更结合了年画的画风，过于朴实热烈；由于匠气很重往往也被称作匠人画，因其缺乏严格的技巧训练，缺乏文学理论修养，故而不同于专业人士的院体画作较为讲究气质，意境等文化内涵，多为多数文化层次一般的的平民所喜爱，最为常见著名的题材有武财神关公、福禄寿三星及钟馗捉鬼等。
山水画：
中国画里山水画属于特有的画种之一，早在魏晋南北朝时期，就已被专业画家逐渐从人物画中的背景分离出来，独立构图成画，发展到唐代已完全兴盛，王维，李思训等较为完善了山水画的画理，构图及画法，逐渐形成了国画山水的独有风貌，五代时期关同一改陈规创新，再发展到宋代，李成，范宽等更加发扬，前无古人，山水画法臻至完美境界；不少民众喜爱山水画，皆因其表现了天地灵气自然精华，无论晴雨寒暑，昼夜晨昏都有深远的意境和无穷的妙趣。近现代画家中，山水大家光四川省内的“蜀中四老”就占据其三（吴一峰、黄纯尧，岑学恭），他们的画作都或为博物馆馆藏，或流落民间不时出现在收藏拍卖会中。
浅绛山水画：
中国国画山水画中的一种设色技巧，但凡在山水画创作中以淡青淡红色彩渲染为主，这样的山水画统称浅绛山水画。画法采取先用干温、浓淡变化之墨线勾勒山体轮廓及林木结构的变化之后，再用淡的的赭石，有时掺杂少许朱砂蕴染山石，林木结构处，最后用淡花青类的颜色渲染画体而成。
青绿山水画（兼金碧山水）：
中国画山水画中采用浓重的矿物颜料，以石绿和石青颜料为主，着重表现山石的巍峨凝重，树木的浓郁苍翠而得名，始创于唐代的李思训；也有创新者在青绿山石的轮廓上再添加勾以金色，这样的山水画称为金碧山水。
仕女画：
仕女，释义为古代的宫女。仕女画，则是指以美女为主要描绘题材的人物画。最早始于战国时期。据唐代张彦远所著《历代名画记》里有一段文字记载：“散君者，善画，齐王妃，九重台，召散君画之。散君久不得归，思其妻，乃画妻对之，齐王知其妻姜，与钱百万，纳其妻。”从古到今的仕女画中，明代的唐寅、清代的费丹旭，近现代的张大千及其弟子赵蕴玉的不少博物馆馆藏人物画作均属仕女画珍品；仕女画的特点，多以工笔重彩来表现，装饰华丽，人物符合大众审美，题材中较为知名的有四美（西施、贵妃、貂蝉，昭君）及红楼梦故事里的金陵十二钗等。
花鸟画（花卉画）：
属于中国画门类中特有的一种绘画画种，以竹石、花卉，鸟虫等为绘画主体。历史可以追溯到我国四五千年以前，在当时的陶器上就已经出现了简单的鱼鸟图案，可以称作我国历史上最早的花鸟画。据唐代的张彦远所著的《历代名画记》记载：东晋、南朝宋时期在绢帛上创作的花鸟画已逐渐形成独特画种，沿袭发展至唐代已趋成熟，出现了以工笔勾勒填色，画风艳丽奢华的边鸾，以及用墨替代颜料，墨色细分五彩的殷仲容。之后花鸟画沿袭发展至五代时期出现有徐、黄二体，一宗派为徐熙、另一宗派为黄鉴，明代孙雪居等运笔点缀挑染，亦画风借鉴徐熙的花卉，融合基础上稍有创新，经清代石涛到“杨州八怪”的花卉，更系统完善地形成了诗书画三绝。
动物画：
在中国画的创作中借用动物形象作为艺术语言，来表达人的幻想，希望和各种感情的绘画，绘画题材很广泛，但凡动物皆可入画；常见的主要对象为人们日常生活中常见的家畜家禽和动物园中的各种动物；如公鸡入画寓意大吉大利、骏马奔腾寓意马到成功、猴骑马身寓意马上封侯、白鹤配松树或配寿桃寓意长寿、蝙蝠寓意福气、鸳鸯戏水寓意情意绵长、白头翁成双寓意白头偕老，鲤鱼寓意年年有余等等，动物画不一定会要求维妙维肖，创作时允许适度变形夸张，但要有一定的独特风格和个性，要能引起大众的共鸣和生活美及情趣美的联想。
扇面画：
在中国画的类别里，从古至今的历代书画家都喜欢在扇面上创作，无论山水、花鸟及人物题材，都会通过绘画来寓情于景，抒情达意，或为藏家收藏，或赠友人配以意境优美的诗词留念；其中题诗作画的扇子，保持原貌原样的称为成扇，为便于更好收藏而装裱成册页或小品的称为扇面。从形制上来区分，又有圆形的称为团扇，折叠式的称为折扇。通常在一定规格的扇面上作画有一定难度，需要专业画家在构图意境，线条墨色上都多加考量，因此在收藏界里有“收扇一尺，胜画三尺”之说，在艺术市场里扇面画作为小众藏品也更能便于收藏，更加保值增值。
没骨（法）画：
中国画常见的针对传统花鸟（花卉）画的一种画法，直接运用颜料墨色画出画体的本身，而没有“笔骨”可言，不会按常规采用墨线勾勒画体的形状和轮廓。宋代郭若虚所著《图画见闻志》曾记载有误，称这类画法始于五代的徐熙和徐崇嗣祖孙，事实上徐崇嗣仅是“郊诸黄之格”而已，《宣和画谱》就收录有黄筌的一幅《没骨花枝图》，《洞天清录集》里这样描述黄筌的画作，称之“真似粉堆，而不作圈线”，(注：古时著作所称粉即释义为色)，此为没骨画法起源的重要佐证。
主题画：
在中国画的门类中，专业画家通过创作特定的故事情节、人物关系、场景背景、特定题材，引起欣赏者的共鸣，对人生和社会的一些看法及感想，或对某些历史故事，历史事件等的形象描绘与如实再现等，具有一定的真实性、再现性和揭示性；一般主题画的立意都非常明确，时间、事件等刻画也十分清晰。
工笔画：
中国画按绘画技法分类的传统画法之一，以描绘画体的准确外观形象为准则，构图较为写实精致，画法较为工细严谨；相对于以描绘画体大概形态注重意境的“写意画”而言，工笔画更加注重先运用线条勾勒轮廓，再用颜料上色层层晕染，越花费时间精力越将画体细节表现得细腻入微，栩栩如生。
写意画：中国画按绘画技法分类的传统画法之一，相对于刻画精细写实的“工笔画”而言，更加注重运用简练、洒落甚至于豪放，夸张的笔墨描绘画体，借体现物像的气质和以少胜多的含蓄意境，抒发画家的真实感情，具有一定的表现力，也要求画家有高度概括的能力，落笔看似随意实则准确，运笔要洒脱熟练得心应手。
界画：
属于中国国画很有特色的一种类别，指专业画家在作画时借用界尺来下笔引线，追溯其历史起源，早在晋代已然出现，东晋顾恺之就曾言“台榭一足器耳，难成易好，不待迁想妙得也”；沿袭发展到隋代，界画已经十分成熟，据唐代的张彦远所著《历代各画记》中记载，评价展之虔的界画有“触物留情，备皆妙绝，尤垂生阁”的赞誉；评价董伯仁的界画则有“楼生人物，旷绝古今”的极高美誉；唐代的李思训的《九成宫纨扇图》等，也展现了界画的很高成就，晚唐时期代表有尹继昭、五代时期有赵德义、赵忠义，卫贤等人、宋初则有郭忠恕、元代有李容槿、明代有仇英，清代有袁耀和袁江等。迄今为止我国现存最早的一幅大型界画是唐懿德太子李重润墓道西壁的《阙楼图》，宋代的著名界画有《滕王阁图》、《黄鹤楼》等。
指画：
中国国画传统绘画中的一种极为特殊的画法，即专业画家用手指蘸墨，代替传统工具中的毛笔来作画，别有一种独特的技法和特殊的情趣，历史上清代有高其佩，近现代则有潘天寿，洪世清，他们所作的指画作品有一定代表性，影响也较为深远。
水墨画：
在中国画创作中，选用独有的原料墨，通过添加清水的量的多少，调为焦墨、浓墨、淡墨、湿墨，干墨等，画出不同层次的墨色浓淡，即黑、白、灰，以水墨形式表现画体的绘画画种，画面清丽淡雅，别有一番墨韵。
彩墨画：
在中国画创作中，以“水墨画”为铺垫的底子，在其基础之上晕色、描彩的绘画画种，画面往往相较于水墨画，在色彩运用上较为丰富，鲜亮和明快。
小品画：
中国画门类中画家比较自由随性，抒情达意的作品，多数在艺术水平达到一定较高的境界，究其原因大概是在创作时思想上没有过多的拘泥和约束，随意随心发挥时更能展现应有的境界和水平。
白描画：
在中国画创作中，或纯粹只以笔墨来勾勒轮廓线条，而不设色和晕染，或渲染水墨来大致描绘物像的一种绘画形式；白描画也是中国画的基础训练形式之一，对于训练中国画家的造型能力是十分重要，作用不可或缺。
静物画：
中国画创作中以静物为主要描绘题材的绘画，这种物体如花卉、蔬果、器具、书册、家具等等，必须是根据画家创作构思需要，经过认真筛选，精心布置，使许多物体在形象及色调上相映成辉，高度和谐，且有美好寓意；如宋代李嵩的《花篮图》精心描绘的满蓝春花，给人万物复苏，春意盎然的感觉；宋人《出水芙蓉图》通过细致描绘芙蓉花，让人感觉芙蓉的娇柔清丽；现代静物画作品中，如齐白石老人的《蔬菜》和《樱桃》，寥寥数笔准确有效地抒发了画家对生活的热爱之情，也易引起观赏者共鸣。
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