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国画基础知识讲座(系列)3
写意画用墨的五个特性
(1)墨彩

墨本来是一种单色,但由于中国画把墨当作色彩来运用,所以有墨彩之说,意思即是墨色美在单纯中蕴含了万物的光彩。黑与白是亮度的对比,黑白对比适当,画面就生出亮彩。浓与淡是墨色阶梯的对比,于与湿是水分多少的对比。对比适当,墨即有色彩的光辉。

(2)墨阶

墨色由浓到淡的层次变化叫墨阶。与色阶、音阶相似。墨阶大体可分为:焦、浓、重、淡、清五个阶梯。浓的、不掺水的墨为焦墨;掺少量水分,浓度仅次于焦墨者,为浓墨;掺三分之一的水,为重墨;水分超过墨者,为淡墨;水中掺极少量墨者,为清墨。在实际作画时,可以把墨分成更细的层次。墨阶的作用,关系到画面色彩层次和调子,层次少,对比强,称之为高调;层次多,画面柔和丰富称为低调。调子的运用,要按画面的具体需要加以调整。

(3)墨质

对墨的处理办法不同,产生不同质的变化叫墨质。可分:新、焦、宿、退、埃五种。新磨的浓墨,立即使用叫新墨。磨好的浓墨,放在砚台中半天以后,水分有一定的挥发,叫做焦墨。把墨放置一天以上,使水分有较多的挥发,叫做宿墨。宿墨由于部分脱胶,故运笔畅快、墨色浑厚,但光泽较差。放置多天的墨,墨中的胶力大部分脱去,炭粉沉淀严重,颗粒粗糙,光泽更差,但墨色厚重,笔痕清楚。埃墨是墨汁在砚台中长期放干之后,再用水泡起,墨质粗糙,一般不好使用,但在一些特殊效果中也可使用。

(4)墨性

对于墨色的不同处理,产生色性的变化,叫做墨性。分枯、干、润、湿、漓五种。不同的墨性可以表现不同的形象和表情。如干燥和湿润,粗糙与光洁,苍老与稚嫩等。枯墨一般用宿墨,枯墨适宜表现老年人干枯的皮肤及粗糙的衣物等。干墨可以分浓干和淡干,无论浓淡,把笔中水分尽量吸干,用笔时会出现飞白,适宜表现人物的须发、山石、树干等。润墨干湿相宜,这种不干不湿之墨,用笔时略有水晕之感,使用范围最广。湿墨指笔中饱含水分,行笔时,水分在纸上自然渗化,墨痕之处,有明显的墨晕,适合表现比较光洁的物体。漓墨为水气淋漓之墨,适合大面积渲染,表现烟雾、水气等。墨的干湿、枯润如果运用不当,就会破坏画面效果,太枯则无气韵;太湿则无骨气;太干则枯燥无味;太润则柔弱而无纹理。

(5)墨法

用墨之法,前人有很多经验,总结起来主要有七法:浓墨法、淡墨法、焦墨法、宿墨法、破墨法、积墨法、泼墨法。黄宾虹先生说:“画案之上,一钵水,一砚墨,两者互用,是为墨法。”又说:“古人墨法,妙于用水。”所以墨法离不开水的运用。用墨七法,实际上是墨与水不同的调和与使用而变化出来的。

写意画浅论
在世界画坛之中有这样一种绘画,它有着明快神奇的构图,淋漓洒脱的笔墨,书法使转的笔趣,朴实无华的技巧,简括夸张而富于神韵的造型,金石斑烂的意味,诗词歌赋的意境,个性奔放的品格,敦厚深沉的情感,天籁自鸣的化境……这,就是中华民族的写意画艺术。

中国的写意画,有大、小写意之分,有出自专业画家的“画家写意画”,有出自士僧人的“文人写意画”。此画种当时自唐代,有王治的“泼墨山水”,有张璪的“指画”,还有“当其下笔风雨快,笔所未到气已吞”(东坡诗)的吴道子的“疏体画”。从传世之作推论,方出勾勒重彩的始自五代的徐熙(至其孙宋代的徐崇嗣则创造了不用勾勒而直接用墨、色作画的“没骨法”)。以现存真迹而论,初具写意风貌之绘画还是出自五代末年到两宋时代,祖师当推石恪、梁揩、牧溪、文同、苏东坡、仲仁、扬无咎等家。但此时因“院派”的工笔重彩深得皇帝的偏爱,故新生的写意画则在冷遇的厄运中涉步,然而“阳春白雪”虽其“和者盖寡”,但终归会“桃李不语,下自成蹊”。在公正无偏的历史优选下,写意画知音增加,名家辈出。到明代有徐文长、陈白阳、明末清初有八大山人和石涛,尔后有“扬州八怪”赵之谦、任伯年、吴昌硕,现代的齐白石、陈世增,徐悲鸿、潘天寿等各具特色的画派……千栽一系,一脉相承。写意画,在时代的巨流拥载之中正以空前的神力奔驰着,尽管它仍是那样谦逊的含而不露……

溯流寻源,慎终追远,这虽是人们当然的求知心理,也实属治学所必需。

中华民族的历史,少说有四千年,多则有六千年,如此看来,年仅一千多岁的写意画,实在是得天独厚的“小弟”了——三千年中华文明形成了它,哺育滋养了它。岁积月累的传统审美经验:伟大的中国文学,对于宗教、伦理、道德的某种理解与实践,特有的书法,篆刻艺术,独特的绘画工具之使用……这一切的总合,便形成了中华民族的传统美学观念。

在我国写意画产生的前后,我们应当注意到,“书画同源”的我国绘画是经历了这样一个自然的发展过程:在人们的交往中,最早的视觉形象感促成了字、画部分的原始“图画文字”之产生——人们以共同的生活经验中的共同视觉形象感为基础,创造了可以交流思想的图形,如“日、月”(象形字)便是人们有目共睹的日月。置于地平线上如“旦”便引起了“早晨”的共鸣。如此等等,不胜枚举。尔后,为了文字的使用目的,“图画文字”在日趋符号化的过程中——人们在使用中不自然地(约定俗成)地渐变为距原初图形较远的纯文字符号了,如晚世楷书的“月”已于大篆古文字的“月”大相径庭,但这并不妨碍人们公认它仍是“月牙儿”或“月亮”。另一方面,包含在原始“文字图画”中的图画形象感在诱使人们从“纯粹”的自然形象方面来表达自己的意思。于是开始单独地或是组合地抽出一些自然现象来描绘,它们已不再具有文字的意义而是绘画题材的意义了;文字与语言一道寄托在人们的“第二信号系统”中发展着,而绘画始终不曾脱离人们的“第一信号系统”,以其特有的形式发展着:书、画分流了。


人们在具象的视觉世界(自然形象)中印象是它(他)们的表象美。人们在描绘它(他)们时首先是力求模仿,同时也逐渐露出(一定有的)每位作者的主观感受方式;在描绘手法上表现出刻意求工的人工气息。这个阶段的绘画形象多呈各类装饰化了的表象以及其他的属于因主观主管感受方式之不同而分离再组合的形象。前者多是工笔重彩画与一些壁画,后者多是实用美术品上的绘画形象——“自然”形象的变形。然而一般地模仿是有相对极限的。人们越来越不满足于表象的模仿。感到只有人们的主管感受才和大自然一样变换着无限的表达(表现)方式。这里已包含有感受与表达方式和感受与表达对象的统一境界。那就是手段自然地表达对自然的感受。于是,从那变了形的绘画形象所开始的,愈趋明显地形成了这样的新艺术品:写意艺术形成着、诞生了!其中,写意画再也不是刻意求功工的表象和人工气息太多的变形了,它是挥洒自如的意象,是天籁自鸣的意象。

意象,是从具象之中抽出来的不同于表象的一些形象,它是“作者感受侧重面及感受方式”于感受对象在画面的有机融合——高度的统一;它描绘它的绘画手段(写)及其手段的全过程也与“作者感受侧重面及感受方式”有机融合——高度地统一着;画中的意象是自然写出来的。“写出意象”,这当是写意画的大致含义吧!我们可以由此探讨下去。

这个问题可以先回到古代图画文字中去探讨。在古文字中早已包含着这样两方面含义:一是此象以何意构成。二是意象以何种方式写成……。

意象在绘画史上并非我国独有,其他民族也有,但我国的意象是自己独特的意象。因为制约着此“象”的“意”是我国的“意",它是在我们自己的社会历史、地域、民族、文化条件中形成着,并且集中在我国传统的审美经验之深远影响中形成的。

绘画中摹仿表象本是力图“合于自然”的初步表现,但当这种摹仿达到一定高度时,人们会感到这些表象艺术中虽然有其本身的自然形象美,但忽略了同是大自然一部分的作者本身的自然存在的感受,于是开始有意识地加进去了这些感受,但在这人为的“加进”之同时,人工痕迹越来越多,多到了在自然面前不自然的地步;试看,写意的“写”与写出的意象不正是循此道而“天行健君子以自强不息”吗?故此,写意画以其自身的审美标准,视摹仿表象者为“俗品”,摹仿技巧纯熟者为“能品”,在选取改造表象时突出表现了物象的精神气质者称为“神品”“神品”之高者称为“妙品”“妙品”之最,仿佛不费心力——体现一种“画到熟时是生时”的境界者,则称为“逸品”(极少见)。

画家在同一形物面前,平心静气地“静观”之时产生的意象与情绪激动地瞥见之时产生的意象是不同的。人的情绪、思绪——意,是复杂的,由此,意象也是复杂的,它不可能是简单地静观意象它只能是一些复杂感受下的复杂意象——以创造情绪为纽带联结的众多意象之有机融合——合象。它是以创作情绪抽出来的“象”。汉代扬雄认为:“书,心画也,”“故书也者心学也。这抽取出来的象只能理解到而不能感受到。极目所知的表象与非目所知的抽象皆与这以意抽取再聚合的像相去无缘。“意象之最”——“合像”艺术乃是中国的书法艺术,有其是草书(大草),翁方纲认为:“世间无物非草书。”情看那些善于表达胸意的文学家们是如何阐发书法艺术的合象之美吧!晋杨泉的《草书赋》称颂草书:“惟六书之为体,美草法之最奇,乍杨柳而奋发,似龙凤之腾仪,应神灵之变化,象日月之盈亏,书纵竦而值立,衡平体而均施,或敛束而相抱,或婆婆而四垂……发翰摅藻,如春华之杨枝,提墨纵体,如美女之长眉……众巧百态,无书不奇,婉转翻覆,如丝相持。”正如蔡中郎所说:“书肇于自然”齐王僧虔的《书赋》也说:“情凭虚而测有,思沿想而图空,心经于则,目象其容,手以心麾,毫以手从,风摇挺气……沉若云郁,轻若蝉扬,故其委貌也必妍,献体也贵壮,迹乘规而骋势,志循俭而怀让放。”书家的情绪变幻将其心目中美的形象感受融为一炉,直可“达其性情,形其哀乐。”“情动形言,取会风骚之意,阳舒阴惨,本乎天地之心。”它并发着“合象艺术的火花!……

写意画即有在复杂的因素中形成的历史,那么它在历史上也必有其应有的地位。它的应有地位是与其作者们有着密切关系的。以往谈到这点,往往有人只从消极的方面去理解,甚至把这种人类文化的奇峰当作陈旧的东西来对待,委实冤哉!我认为,在我国封建社会史中,写意画及其作者那种强调个性,强调自身感受、不慕利名、不求显达、品格实乃中华民族精神的一种表现。他的本质不可能是消极的。正因如此,皇家画院必然视其格格不入,认为“诡形殊状”,但这恰恰说明了写意画在中国绘画史上不落窠臼,别开蹊径的伟大开拓精神。并且,它在美学这一重要领域中所产生的影响已大大超越了绘画的边界。它是中华美学的重要宝库。

写意动物画法
在中国绘画里,最早的描绘题材是动物。动物成为绘画的表现主题,是与原始先民主要是狩猎的生活方式息息相关,原始人在与飞禽走兽的长期接触中,使他们对动物的某些特殊机能产生了仰慕和崇敬,并幻想自己也能具有鸟兽的特异功能,甚至将自己的思想感情和喜怒哀乐都附会到它们身上,并认为人与动物可以易形。这种“万物有灵”的原始宗教观使他们把自己与飞禽走兽等动物联系起来。

《诗经·商颂》中就有“天命玄鸟,降以生商”的记载。基于这种朴素的原始宗教观,原始人描绘了大量以飞禽走兽等为题材的动物形象。虽然人们描绘它们的目的并不仅仅是为了欣赏,而主要是出于宗教和记事,但无论出于何种目的描绘花鸟鱼虫,在客观上都促进了人们对动植物的了解和对绘画规律的认识。人类进入了阶级社会后,飞禽走兽、花鸟鱼虫借助于旌幡帛画、染织图案、漆器壁画、玉石雕刻、青铜铭纹不断反复地被描绘,至西周、春秋时期,某些特定的动物形象已具有了文字符号的含义,并逐渐演变成为“官称”、“爵位”、“冠冕车服之饰”,直至今天,一些动物,如喜鹊、乌鸦、白头、仙鹤、鲤鱼等动物还被人们赋予了特定的含义。

中国画表现动物题材基本上分为走兽、翎毛、鳞甲和草虫等几大类,在长期的发展中,它们都形成了比较成熟的技法程式。由于表现形式的差异,写意动物和工笔动物在形体结构和个体细节的表现上各不相同,工笔动物要求结构准确,形象生动,刻画深入,而写意动物无法也没有必要做到面面俱到,它只要求在造型上表“意”,在形式上写“情”。

写意动物的造型一要重整体,二要抓特征,三要传精神。画写意动物首先应从对象的整体形象出发,用简洁的笔触表现出高度概括的形象。但是仅仅表现出洗练的形象还不能描绘出具体对象的生动性,因此还必须抓住对象的典型特征加以表现,有时为了特出个性,还要有意强化个体特征,这样才能描绘出特定动物的特定形象。画写意动物最重要的还是“传神”,固然,活泼的造型和生动的形象是传神的基础,但是“点睛” 是传神的关键。传统中国画对“点睛”特别重视,早在东晋时期的顾恺之就提出了“传神写照,正在阿堵(眼睛)中”,宋人为了表现眼睛的亮度和光泽,用生漆点睛,八大山人为了表现鸟鄙夷和傲视的神态,加大眼眶的面积,将眼球点在眼眶的一隅。画动物点睛,要根据不同动物的特征,用简练的笔触,干净利落地点画。一般情况下,眼框宜大不宜小,眼球宜小不宜大,这样眼睛比较有神。

写意动物在表现形式上要根据不同的描绘对象使用不同的表现技巧。如画走兽,以丝毛戳檫为主;画翎毛,以点剁勾画为主;画鳞甲,以点画撇染为主;画草虫,以勾画点丝为主。虽然表现技法有所差异,但在笔墨要求上却是一致的,即要用洗练的笔触,变化的墨彩,润泽的水分表现对象。
 
常见的写意人物画类型介绍
写意人物画风格很多。北方的多以写实的手法,造型严谨,塑造较深入,适应于严肃主题的表现,主要吸取中国山水画用笔方式,将雄浑的勾勒与皴、擦、点、染相结合。这种表现方式因为以写实为主,因此一般总是在事先进行周密的构思,然后在详尽的初稿的基础上进行大胆而严格的描绘,外形主要以线的勾勒为主,一般不用没骨及泼墨、泼彩等手法,而喜以皴擦等手法进行扎实而深入的刻划。具体往往从局部着手,最后叠积而完成总体气氛。这类画风过去汲取西方素描的因素颇多,专业技法不讲究太丰富。近来,这类画风正在演化。从其基础上派生而形成的大致可分为两种大趋向:一种是基本保持原先写实的格局,但在具体造型时减少素描的因素,而增加了作者感觉的表现,因此过去的以皴擦表现结实的结构体面的特点减弱了,而以其作为表现形式感、质感与气氛的因素在增加。另一种是在造型上进行大胆的夸张与强化,在用笔上虽仍以勾勒、皴擦为主,但不再强调表面的严谨与扎实,但在艺术表现上乃是精到的,比第一种更自如、自由、随意,更讲究形式感,也更注重主观感觉的泄露。虽然在技法上发展不多,但手法更多变灵活,而水墨趣味也增加了。这两种画风与过去的都有区别,但仍在用笔特色和大的格局上继承原先的特色。

南方的注重造型,继承历代水墨人物画和汲取花鸟画技法,并形成勾、勒、点、厾、皴、擦、泼、渗、染多种技法混合使用,成为淋漓而疏松灵秀的画风。这种画风比较适应于抒情题材的表现,追求各种技法的配合,多种对比手法的运用,从大处落笔,小处细心收拾,追求细腻丰富的效果,色块、墨块、线条的总体构成的气势,特别是线以及线的构成的艺术趣味与节奏感,是一种讲究笔性、笔力、笔趣、笔意与笔法的画风。这类画风有写实型的,也有意象型的。

现代的写意线描作品,主要有写意型线描速写,线描小品,线描主题性作品等,虽以勾勒为主,但却千姿百态,线描往往不采用其他辅助表现因素,线本身承受力较大,线的优劣高低比较暴露。历史上吴道子、梁楷、赵孟頫、陈洪绥、任伯年等的许多线描佳作,无论从格局或表现力看,都属中国绘画的上乘之作。

以速写与中国传统技法相结合的生活趣味浓郁的画风,这种画风在五六十年代很兴旺,其特色是:生动、奔放、丰富,表现的适应性很广泛,章法和造型多变,题材多取于有趣的生活,因此给人以亲切感。这种画风在60年代已出现生活性与程式性结合的趋向,使纯熟的规范的程式性技法与丰富的生活意境相结合,使画风变得更具传统气息,更洗练也更完善。这类画风本身面目过去与现今变化并不大,但其许多表现上的特色经常被其他画种所汲取,并产生了一些有新意的作品。

民间绘画的形式与传统写意人物画技法结合的画风,其间也可分为两种倾向。一种是追求与强化民族特色,复古趣味很浓。另一种糅合进了西方形式构成的因素,从而使作品具有现代气息。对远古美术与民间美术的再发掘与深入研究,是盲目崇洋之风中的一股清新的泉流,是探索阶段进入冷静与成熟的一种好现象。历史上由于考古与认识上局限,对远古美术研究与汲取是很不够的,对民间美术也较忽视,对少数民族美术的关注则更少了,然而这类美术是最纯朴的民族审美意识所在,是美术中最具天趣的一部分,而这些也是现代美术思潮所追寻的,因此无论是传统的研究者还是革新者都很容易也很愿意将兴趣转移到这上面来,并显得很自然与必然,加上时而产生的国际上中国艺术研究热,更推动了我国美术工作者对本土的最原本状态美术的研究的深化。古今的民间美术与少数民族美术都应是中国画的一个部分,因此它与现代中国专家画的结合,是中国画发展的很好的趋向。
 
写意人物画的作画步骤
1.写生

第一步是写生。写生是学习中国写意人物画的主要方法,写生从落幅与打轮廓开始,落幅是指绘画者如何更好地安排被写生之物象在画面上位置,这种位置的安排应从有利于绘画者对物象感受的抒发、画面总体意境的设想、画面构成之美感出发。初学者一方面要表现自己的感受,又要学习构图最基本的规律,如画面安排应有利主体物象的显目,主体不宜太居中、太靠边、太顶与太沉。画面既应有变化又需稳定平衡,物象的主体部分尽可能进入画面,物像与幅面的比例以不大也不小为好。主体过分大画面视觉上容易闷,太小或太偏则易产生空的感觉等等。一般写生的画面构图上不太复杂,但从写生开始即能注意这方面能力的锻炼是很必要的,写意画打轮廓以柳炭条为好,修改时则可用干布拍去。铅笔有蜡质,炭精条也含胶蜡并易弄脏画面,因此都不适宜打轮廓。另外如果有一定造型基础者则也可以淡墨、甚至清水打轮廓。写意画之轮廓不同于工笔,以抓住物象大的动势与外形特征,并对主要衣纹走势作一些记号即可,将艺术的思考与表现放到以后的运笔与落墨阶段去即兴发挥为好,如果轮廓打得非常具体和详尽,反而不利于笔特色的发挥。

接着便是上墨,这是最关键的一步。上墨阶段以勾勒与落墨为主,实际上用笔与用墨是不可分割的,因此在作画过程中往往是一气呵成的。勾勒时应注意墨色变化与总体设想的协调,而大笔涂刷时又必须注意笔触与线的节奏上的和谐。意笔线的艺术承受力较重,形体、质感、格局和艺术趣味都必须在运笔的瞬间同时呈现于笔墨的挥洒之中。初学者可先将重点放在外形特征与对象质感的表现上。具体作画可从脸部开始,再画整个头部,再接着画其他部位。有些部位如果准备用色彩表现,则可在上墨步骤时即留有余地。眼部是画脸部的关键,也是最困难的、要求最严格的部位,因此应特别注意。画眼方法多种多样,可先谈后浓,也可先浓后淡;可先枯后湿,也可先湿后枯;可留眼珠之极光,也可传统式地以浓墨点眼珠;可黑白分明,也可以感觉为依据虚实自如。总的一句话,画眼既应注重方法,但更应注重当场的感受,技法也需随机应变。其他部位的画法,也应与脸部画法相呼应,如眼部用了留极光之法,则头发及身上的上色上墨,也可结合一些西方的立体画法。如果眼部用传统的点球法或单线勾勒法,则其他部位也应相应以虚实或线的疏密、枯湿、浓淡等变化为主。同时头发也不必过分注意极光与立体感,而应以头发的生长方向、组成方式以及虚实变化为主等等。

第三步是敷彩,主要是指皮肤部分与衣着部分之敷彩两方面。皮肤部分的敷彩主要是脸部,脸部之敷彩最易掌握之法是从着皮肤的固有色开始。一种是将皮肤的固有色着在皮肤的凸处,一种是着在凹处,还有的是着在作者的感觉与某种美感所需要的部位上,可打破结构界限与立体观念。在固有色之上我们可趁湿复着其他略带变化的肤色,亦可在凹部略染深色。中国写意人物画之脸部及手部、脚部色彩一般不宜太丰富,也不应完全受光源色变化的支配,但可以参照光源色的某些因素以补充固有色的不足。用色的要求应与用墨相同,不应是色的简单涂刷,而是以色去表现并丰富结构,因此同样应注意用色笔触的美感与枯湿的对比变化。脸部一般不用沉淀之色,凡调合后即沉淀之色应洗去重新配置。在中国画用色中赭石是脸部常用之色,但赭石色与墨或其他色调合后极易沉淀,因而可用质细的像朱磦、土红等色代之,便不会沉淀而色相却相同。当然因追求特殊感觉之需而有意选择调配沉淀之色则又作别论了。有时在脸色中少许调人白色也会减少水痕与沉淀,在画妇女幼儿时不妨一试,会取得明显滋润之效果。颜料的沉淀与否不是绝对的,不同的颜料搭配会产生不同的效果,同样品种也会因生产质量的不稳定而有差异,因此这方面的经验只能通过实践去取得。衣着的着色应与脸部着色方法基本协调一致,即格局、体感、色调、手法上基本相同为好。譬如脸部的着色法是感觉式的,不讲究严格的结构表现和打破固有色的互相之间界限的,那么衣着之着色手法也应采用从整体落笔、打破衣服色块之间的界限来进行。如果脸部有适当的体感表现,那么衣着的局部也应有类似的体感描绘等等。一般衣着的用色笔触可以更大些,更放些,取舍也可更大些。为了整体的色调更协凋,固有色的色相可变性也应更大些,衣着之着色、勾勒与着墨在步骤上也可以更自由更随意一些,有时可先着色再勾勒或只再着色而不理勾勒,即没骨法,乃至着墨着色与勾勒同时进行,称为拖泥带水法,既蘸墨又用色,在涂抹时随机勾勒,一气呵成。有些衣着中的纹样与特殊的笔触可以用白色或调胶矾之色先行点划,这样在大片涂抹时,这些纹样会时显时隐,十分自然,可避免后来以复加的方法所容易出现的生硬感。

最后是调整,调整目的是为了使前面各步骤之间联系更有机与自然,画面从整体上更完善与协调,并且对一些不足之处进行补充,对失误之处尽可能进行补救与修改。因此调整可从造型、用笔、用墨、用色等几个方面考虑,不过调整步骤修改不宜过多,修改也要防止破坏原有成功的因素,如果无把握在修正后有所提高,而这些缺陷又尚不足以影响总体的造型与格局,则不必勉强修改。

写意人物画之作画步骤并不很严格,风格不同方法必然亦多样,故以上介绍的作画顺序,只能作为写生时参考,具体还得在各人运用中按自己画风的需要与作画习惯去调整。

2.小品画

即兴式的小品画,是中国画所特有的创作形式,在历史上并没有严格规定小品画的界限,而近代将那些随意性、即兴性明显的创作统称为小品画。小品画像民歌、随笔、小诗那样沁人肺腑,陶冶着人们的情操。

小品画的绘制,没有一定的规律,因为大量的小品画是即兴之作。主要要求它欣赏性,对形式与技法的要求特别高,因而中国画的“养兵千日,用在一时”的特点,在小品画作画过程中表现得更为明显而突出。小品创作还是艺术家灵感的即发式的反映,因此落笔前,必须对整个画面的设想胸有成竹,然后通过一鼓作气的运笔达到浑然一体的境界,将形、神、情、线、面、点、笔趣、力度、节奏、黑、白、灰等交融、组合、贯穿、安排在一个画面之中。

小品画的技法运用比主题性创作更自由,更具探索性,它的技法不宜太丰富,因为小品本身内容不复杂,画材较单一,过多繁杂之技法,反而难以控制全局,所以应在单纯里求变化,变化中求统一。以一处或几处的主线或墨块或色块或强笔触稳住画面,技法的大格调必须统一,否则会严重影响小品画艺术上的完美感。
初学小品画时题材面不宜铺得太开,可选自己最有兴趣和较熟悉的三五个画面去反复变体,不断改进,逐步完善。这种练习的深入,必然会涉及到画面急需使用的各种绘画因素,除人物外,背景中往往会有山水、动物、花草、道具等等,在进行人物部分的精益求精绘制的同时,还必须使背景也具有相应的水平。这样尽管开始时只有三五个画面,其实要使这三五个画面完善起来,必然要进行相当数量的画外练习。随着构思的不断增多,则这种练习范围必然会自然扩伸,使你掌握各种必须的程式和技法,使你从生疏到熟练最后进入自由之境界。小品人物画应从主体入手,主体的含义不一定是人物本身,可以是画面最有特色的部位,有时主体不只是一个,或许无所谓明显的主体,可以从自己最有把握的部分或最感兴趣的地方入手。由于小品画一般幅面不大,因此勾勒、色、墨也无所谓先后,可从效果的需要见机行事。

小品画具有随意性,可随时进行不同题材不同章法的实践;它的即兴性,可使灵感的火花经常得以爆发并尝试。它既可作为习作来练习,同时又包含创作的基本因素,它在主题与题材上要求较宽松,因此只要形式上的美感达到了较高层次,有标题或无标题,具象或抽象,直觉或幻觉等,均可以表现。

写意画工具的选择
写意画因其艺术表现的特点,在画具的选择上也有其特殊的要求。

1.纸

画国画用的纸主要是宣纸,宣纸有三大类:

①生宣。是未上过胶和矾的纸,渗透性大,吃水多,易渗化涸晕,适宜画写意画。生宣中的净皮单宣较好用。在净皮单宣上再加工,叫做特种净皮单宣,其质密软,面光平,特别好用,用来画画也顺手,既见线,又见墨色。

②熟宣。在生宣纸上刷上一层白矾水便制成熟宣。矾有固定性,墨色在纸上不洇,适合画工笔画。

③半生半熟的宣纸。是在生宣纸上加少量的矾制成。如煮硾宣,适合画半工笔半写意的画。

除宣纸外,还有高丽纸、皮纸、麻纸。皮纸产于浙江等地,物美价廉,便于出好线 条,便于晕染。若用以画云,则层层晕染易制造气氛,不留痕迹,细腻美观。选用皮纸时,可以捏住画纸一角,轻轻抖动纸面,不带声响者为佳。

质优的宣纸应具备如下特色:松而不弛,紧而不实,光而不滑,润而不燥。易见浓淡干湿层次,经揉搓而无损坏。

写意画与工笔画最明显的工具区别便是用纸,用生宣纸作画是写意画发挥艺术特色很关键的因素,因此纸本身质量的优劣直接影响作画效果。

生宣优劣的识别是从事写意画首先碰到的问题。现今的生宣生产以安徽为基地,红星牌生宣纸是安徽宣的名佳产品,红旗及六甲等安徽宣,质量不稳定,且假冒产品甚多,安徽宣的特点是白净、质纯、渗化性好,笔痕清晰,色墨明亮,因此是大多写意画家的主要用纸。区别生宣的优劣可通过听、摸、看、试进行,先听,可捏住纸角抖动,如果声音发脆则表明纸质刚,加工太紧,这类纸往往涩笔而韵味的发挥差些。如果声音发闷,一般地说纸质较柔松,加工或太松或适度,太松者笔触易烂,适度者应该不涩笔而渗留如意。摸,是用手来回触摸纸面,以手感发涩而具潮湿感者为佳。对光瞧看一番,如果纸质不匀而其纤维呈云状块者为佳,太匀或帘纹太清晰而不起云块者略次一些。有云块之纸,一般墨色更易丰富而浑厚。现今有的生宣由机器加工,这样纸浆会因此而打的太匀,且机制纸太紧、太匀,一般不如手工纸用起来舒服。因此,现在红星纸厂仍坚持以手工为主,以保持传统名纸的声誉。但纸最后优劣的鉴定还得靠试,试渗化性之大小,试笔痕是否留得住,试墨色层次是否丰富以及墨色是否明亮,试用笔是否顺畅不涩等等。

现今属生宣范围的纸,还有四川竹宣,高丽皮宣,富阳宣,衢州皮纸等。而以往的许多品种有的已不生产,如罗纹纸现在就很少见了。有的宣纸并不很理想,但是因有自己的特点,也常为一些画家所用。如皮宣型纸有渗化度大、结实耐改、笔痕不清晰但滋润等特点,很受一些山水画家爱好,也为其他一些想利用其特点的人所喜爱。四川宣与富阳宣都算不上好纸,但因价廉而有特色,因此销路也不错。

2.笔

有大、中、小、长、短、肥、瘦之分。写意人物画以用大、中型笔居多,很少用小型之笔。因为写意笔性粗松,大、中型之笔容易发挥这种特性,当然各人可按自己的画风和习惯去选定适合的笔型。

毛笔从毛毫分有软、硬、兼三种。软毫含水分多,柔和圆润,其墨色容易有浓淡干湿的变化,能挥洒自如,表现力丰富,适用于表现圆和软中带刚的线条及多变化的面。不适用于绘画方和硬的线条。这一类的笔,主要用羊毛制作。有的画家作画,专用长锋羊毫、羊毫提斗笔、羊毛板刷,画出来的画柔中寓刚,线条同样雄健,水墨淋漓,烟云满纸,水色天光,倒影迷离,墨色丰富,尽柔和之妙,呈氤氲之趣。软毫以羊毫与羊须为主,其次还有胎毫、鸡毛等等。羊毫主要产于浙江湖州,并以善制湖笔闻名于世,深得国内外画家之青睐。湖州羊毫历史悠久,制笔技术精堪,因此所产之笔,用料纯,肥瘦适度,聚散性好,写意画常以其用于色与墨的涂抹与渲染,若用于勾勒,线条枯湿变化,墨之韵味均自然而丰富。羊须毫长于羊毫,弹性也强于羊毫,用其所制之笔特别是羊须提笔,勾勒与涂抹均会感到顺手。胎毫以婴孩之胎发精制而成,胎毫柔软而凝聚性极好,运笔感觉特别好,可惜胎发不易收集,产量不高,而且民俗胎发不让养的太长,因此要制大、中型之胎毫笔较困难。鸡毛笔性极软,除勾勒特殊线条外,用途不广。硬毫含水分较少,挺拔劲健,锋芒毕露,弹性较强,适用于绘画方和硬的线条。有的画家作画,喜欢用狼毫,因为容易出好线条。作画时,以书法入画,一波三折,笔笔送到家,一树一石,都是写出来的,均见功力。于皴、擦、染、点中见奇韵,浓淡干湿中见墨彩。硬毫以狼毫为主,是黄鼠狼之尾毫制成,由于北方气温寒冷,因此毫硬而长,北京所产之狼毫明显优于南方产品,可惜近来生态平衡失调,狼毫原料来源减少。猪鬃的利用,增加了硬毫的长度,从而增加了硬毫的品类。其他如豹毫、鹿毫、石獾毫,山马毫等兽毛都是制硬毫笔的原料。其中猪鬃、山马毫、石獾毫较常见,它们比狼毫更粗硬而弹性也更大。另外,常为画家选用的还有山马笔、石獾笔。山马笔的笔尖齐整,容易添成薄片状,然后画出方硬的线条。石獾笔是采用将白毫、紫毫、黑山羊毫和香狸毛混合配制的方法制成的,适合顺、逆、滚、点等各种运笔法,用它画出的线条老辣见笔锋。硬毫一般用于皴擦与点厾,笔性易刚健有力,但变化往往不如羊毫丰富。兼毫是指软硬毫混合制成的刚柔相兼型毛笔,软硬适中,具备软毫、硬毫两方面的优点,市场上以白云笔最为常见,其他如七紫三羊、五紫五羊、大中小鹤颈笔等等。一般是狼、羊毫搭配,也有猪鬃与羊毫相混的,其实各种硬兽毫都可与羊毫结合,这种笔既用于勾勒,又能用于点染,是画家们比较喜欢的一种笔型。近年来发掘生产的鹤笔,为克服狼毫笔长度有限的缺点,而用猪鬃与羊毫制成各种长度的长锋型勾勒用笔,效果也不错。

笔的优劣以毛色纯、开锋后尖毛整齐、肥瘦得体、弹性好特别是笔之回弹聚散性好等为标准。但由于画家各人习惯与画风不相同,必然对笔之要求也不一样。一支质好之笔,也许会不如一支用惯的笔那么顺手就是这个缘故。

3.墨

墨是直接关系到绘画效果的因素,过去用墨以块墨为主。墨之起源难以考证,但从彩陶纹样中已见到黑色线的勾勒,可见中国人以黑色作画是很早的。块墨是以猪油或桐油或松脂木所熏之烟,手工研磨井和胶及香料压制而成的。块墨之形状多样,但以长条型为主。墨分油烟、松烟两类,以燃油而得之烟所制之墨是油烟,制作精良者称顶烟、蓝烟,作贡品者也称贡烟等等。因松烟易渗化,因此一般作意笔画很少用。但松烟与油烟混调使用可起类似宿墨的效果。绘画墨汁与墨膏,是现代开始大量发展起来的一种新型方便墨,原先之墨汁胶重、色灰而质粗,经过近年的改进并将原有墨汁、膏精加工成绘画之用,近年来质量在不断提高与改进。绘画墨汁的优点是方便、省力、省时,缺点是缺少最浓的层次,且胶普遍偏重,因此作大泼墨时浓墨层次易糊烂,在水的冲渗中也不如块墨所研之墨汁能保住最初的笔痕。不过这种不足如今常被人们利用来表现某些特殊感觉,如一些朦胧的,浓淡混渗的效果等。墨膏市面上多,其效果不如墨汁滋润,有时沉淀较厉害,这与广告墨色有类似之性能,也会产生特殊之水墨的肌理效果。

4.砚

砚可分观赏用砚,观赏而又实用之砚,实用之砚三种。历史上的砚不少是名砚石雕成,但重工艺之奇趣,贮墨、研墨都不甚方便,上或有名人之题记,一般艺术性较高,具有收藏价值。作为画具,最好是选后两种砚。砚之优劣,除外观外,主要是石质,安徽、广东、甘肃、山东以及其他一些地方都产名砚石,一般地说,石质坚硬而色泽大方深沉,发墨而贮水不易干者为好,如果工艺加工很上乘则更佳。作为写意人物画用砚,砚体需偏大,贮墨贮水之池也需有一定的容量,因此小型之砚不宜,以中、大型之砚为合适。现在市面上的外方内圆的大砚或者圆形平底盆状之墨海是很实用的,且价也廉,因此初学者可选用这类砚。

不过在绘画墨汁大量上市后,砚之功能大减,砚在画具中的地位也下降,一般只作贮墨器之用,虽然偶然也磨墨,但毕竟用砚时间大大减少,有的甚至干脆以瓷盘或小碟代而贮墨汁。作为砚,仍应充分利用旧功能,因为现今之墨汁一般浓度不够,如果能将墨汁略加水再用块墨研磨之,则可以使墨汁的缺点得到克服。因而有一方实用而造型大方的好砚还是非常必要的。

5.垫

作写意画一般离不开垫,现用之垫,从考究到随意,从高级的毛毯与毡子到旧报纸等品类颇多。过去对垫的重要性是很忽视的,而随着写意人物画形式的发展,垫之作用有所扩大,人们也开始重视了。如果将垫只作一般的衬垫之用,那么最好选用那些略有弹性而不过分、不吸水、色白或淡色的东西作垫。毡子是很好的材料,它完全符合衬垫之要求,市面上的毡子有厚有薄,薄型的衬垫,因为质匀而体轻,携带方便。毛毯也是常用的材料,但新毯往往毛太长,且弹性太足,作画时会妨碍笔力的发挥,因此一般旧毯比新毯更好,造纸厂用旧了的毛毯其表面纤维变短了,反而适合于作绘画衬垫之用。此外薄型泡沫塑料、植绒纸、毛边纸,旧报纸均是常用之材料。我们如果扩大垫的作用,可使它对画面影响更直接,那么如粗布等织纹明显而又吸水性弱的织物或花纹美丽的三夹板等便是理想的选料,这种物品的纹样会因在制作时从背面接触宣纸程度不一,而在正面运笔过程中时隐时现地将纹样显现于画面之上,从而产生特殊的肌理效果。这样推而广之,作者可按自己设想,衬以各种事先选定的不同的粗型之物垫以影响画面的效果。另外如果垫以极光滑之物如玻璃板、塑料板等,又会因水在宣纸与光滑衬垫物之间流动和淌洋而产生大渗大化的自然水痕,能给绘画者以启发并产生艺术的联想。垫的用处与作用尚有待进一步发掘和探索,以丰富中国画的表现手法。

中国画的画具还有水盂,调墨、调色之盘,镇纸,也可包括印章与印泥等,但因为这些不直接影响作画产生的艺术效果,便不——详述了。
 
写意花卉的几种表现形式
1.白描

白描也叫浅描,原是一种工笔技法,也可用来作写意画,放清笔墨,可单以不同墨线构成形象,也可用一种淡彩烘托,突出形象,或给主要物象局部加彩。

2.水墨

元人张退公《墨竹记》说:“夫墨竹者,肇自明皇,后传肖悦,因观竹影而得意”。也有说始于五代李夫人描窗月影而来。虽然这些说法都无画迹可证,但水墨画这个艺术形式是受竹影启示而来是可信的。宋元以来文人画的兴起,水墨画已成为国画的一种主要形式了。单以水墨点画,不施丹青是其特点。排除色相,洗尽铅华,只从笔情墨趣中创造出美的境界也确乎不易,难怪士大夫文人把水墨画推为上品。工笔画中也有单以墨染的,也是水墨画的一种。

3.水墨赋彩

宋代《宣和画谱》中说:“画花者往往以色晕淡而成,独熙(徐熙)落墨以写其枝叶蕊萼,然后傅色,故骨气风神为古今之绝笔。”可见水墨赋彩之法始于五代。特点是把物象形体、质感和色彩的表现分而治之,易于掌握,具有清丽、俊雅之感。

4.勾花点叶

此法传为明代画家周之冕的创造,是以上三法的综合。徐悲鸿先生作花卉、湖石有先点后勾的方法,可以说是勾点画法的发展。

5.没骨与勾勒

宋代沈括在《梦溪笔谈)中说:“江南布衣徐熙、伪蜀翰林侍诏黄荃,皆善画著名,尤长于画花竹。蜀平,黄荃并二子居宝、居实,弟惟亮皆隶翰林图画院,擅名一时。其后江南平,涂熙至京师,运图画院,品其画格。诸黄画花、妙在赋色、用笔板新细,殆不见墨迹,但以轻色染成,谓之写生。徐熙以墨笔画之,殊草草,略施丹粉而已,神气迥出,别有生动之意。荃恶其轧已,言其恶不入格,罢之。照之子(应为孙徐崇嗣),乃效诸黄之格,更不用墨笔、直以彩色图之,谓之没骨图,工与诸黄不相下,荃遂不复能瑕疵,遂得齿院品,然其气韵皆不及熙远甚。”后称黄家法为勾勒,徐崇嗣法为没骨,原是工笔画的技法,明代陈老莲承勾勒法而拘形似。晚清三熊等继其后,恣意放笔,发展为写意技法。或勾而后染、或纯以彩色写成,各异其趣。

6.点垛

晚清兴金石学,一些画家从中得到启示,熔金石、书画于一炉,参酌水墨、没骨诸法创大写意的新形式,后人称为点垛,赵之谦、吴昌硕为其代表。

7.墨叶彩花

这是近代画家齐白石先生吸取民间艺术的创造。齐老还创造了大写意花卉、工笔草虫结合的一新形式,也是前无古人的。
 
写意山水画着色方法
山水画写生中以纯墨色来画的,就是水墨写生,亦可在水墨的基础上,待墨稿干后,根据画面需要着色。

最简便的着色方法是使用浅绛着色法。绛为红色,浅绛山水原是指以淡赭色为主调的传统山水画,后泛指在水墨的基础上浅着色的一种画法。当写生画墨稿完成以后,感到意犹不足,即可在其上着色来丰富画面的效果。写生画对色彩的要求,不强调景物条件色的变化,而以大面积平涂的装饰色为主,注重景物固有色,如树干用赭色,树叶用汁绿,石根用淡赭,石面即涂上墨青或汁绿、花青等。所使用的原料不外乎赭石、花青、藤黄、朱磦、曙红等,且以前三种色最为常用,一般若备上三四种色就够了。

着色的方法是,首先要根据画面意境主题表达的需要确定主调,如以赭色为主的则是暖调子,以汁绿、花青为主的是冷调子。在一个主调的统摄下辅以其他色相与之对比呼应,使达到既有对比又统一和谐的艺术效果。切忌在设色中没有一个调子,一块绿一块红,繁琐拼凑,反而把画面效果破坏了。

画面色调起决定作用的是墨色,着色的目的是补充墨色的不足,所以着上去的色一般宜薄,水分宜多,掌握好着色的先后顺序。如画树木,先用赭色着树干,再用汁绿着叶子。画峰峦山石,先用赭色着峰、石的阴面,再用汁绿或墨青着阳面,也可根据处理色调的需要,用其他不同的设色方法。着好第二遍色以后,由于着上去的色降低了墨稿中黑白的对比效果,干了后,画面可能会在明度对比上减弱,色调会变灰,这时就需要用笔墨再局部进行皴擦,把精神提出来,接着用颜色局部再加,使层次更深厚。这样反复递加,遍数不拘,直到把画中意境充分表现出来为止。

山水画写生的设色方法是很多的,上述的一种是传统设色方法,也可在写生时直接用墨调着色来作画,丰富画面色调的变化。此时色即是墨,墨也是色,色墨混合,其画出来的效果也有异趣。也可在写生中用西洋画的工具材料和方法,如水彩、水粉的颜料与国画颜料结合使用,与其他画种的技法特点融合在一起,这些方法,都可以在写生实践中去大胆地尝试,在写生中探素出一套中国画用色的新方法。
 
写意山水画法步骤
对景写生,先从何处下笔,从何入手,有关这一作画步骤,往往因各人习惯而定,原无定法。但也有规律,这就是从整体着眼,大处落笔,由前及后,层层穿插的办法。初学写生,如无把握,落墨前可先用炭条或铅笔打轮廓,把画中各部分景物的主次位置先定下一个大体的部位,然后再用笔墨来画,特别是画以建筑物为主体的山水画,因建筑物的结构透视的准确性要求较高,画前先打好一个轮廓,显得较为必要。在不断的写生实践中,我们要逐步学会不打轮廓直接用笔墨在纸上造型的能力。后一种方法较为前一种灵活,这里介绍两例,以供参考。

第一种:从重点部位画起,笔笔生发的方法。面对景物,审度在画面上安排各部位景物主次位置,思忖考虑如何用笔墨去概括的基础上,看准部位,先从景物的主体部位画起。画时,要大胆落墨,用笔要有节奏地从右边中景的树木着手,点子由湿到干,由浓到淡疏疏密密地联成一片,注意整体造型变化要美。大体画好后,用同样的方法连接到左边的树叶,同时再用淡湿墨在浓墨点子上进行局部点厾,造成破墨效果,然后把两旁的树干穿插画上。在画的过程中,不断进行整体调节,使中景两旁的树木层次逐步深入完整。在调整过程中,破墨、积墨要反复运用,点子、线条的结构、分布要按疏密、聚散、呼应、穿插等形式美规律来进行。接着用勾皴结合的方法。画出溪流两旁的坡石,并不断向四方生发。随着作画的不断深入,随时调整树木与石的整体关系,使各部位景物、笔墨之间气势得以连接,主次轻重的关系不断得以完善。

当树右深入到一定的程度再把中间亭子从两旁树木中穿插画入。待稍干,用淡墨渲染层次。作画时,要不断看画面的整体效果进一步作调整,用笔不够严谨处,可以补笔,层次不足处再用浓墨积、破,淡墨渲染遍数不拘,直到认为已把画意充分表达出来为止,到这一步墨稿就完成了。

这是一种笔笔生发的方法,即是从画中的某一部分画起,根据表现景物的需要和笔墨构图的形式美组织规律,由局部向整体不断生发、调整,逐步构成完整构图和意境的一种比较灵活的作画方法。

第二种方法用带有笔意和笔势的极虚灵的侧锋飞白用笔,以较快速度画出树干的整体气势和形态,定下位置。

结合树干的结构,顺着飞白笔势,以中锋线条为主,理出树干的组织结构,飞白笔势成为树干的皴笔,与中锋的勾斫线条互相要有机结合,共同完成对树干形体的刻画。
 
写意山水画技法简介
1.笔墨的形态

笔法指各种点、线、面的画法,而以线为主。用笔有中锋、侧锋、顺锋、逆锋等变化,又以笔着纸以提按运腕动作的变化,可出现轻重、虚实、粗细、转折等用笔形态。中锋用笔是用途比较广泛的一种笔法,这种线条,运笔时笔尖始终在线的中间运行,具有圆润、厚实、壮健、沉着的特点,无偏枯纤弱之病。画以这种线条为主,易得醇厚、凝重的效果。侧锋是用笔横卧,笔尖在线的一侧运行,线条易得飘逸虚灵的效果。又以笔横卧直拖或逆拖,令笔尖在线的中间运行,又称为卧笔中锋,画出来又是另一种效果。再如逆锋线条比顺锋线条又更能达到涩重的感觉。总之,各种用笔方法,千变万化,在作画中,又往往随机应变,错综复杂交叉在一起,很难说清什么景物应该用什么笔法去表现。作画中,笔着纸上,横拖竖抹,瞬息万变,神幻莫测,有时一根线条兼有中侧锋的变化,顺逆虚实,中锋侧锋都要按写景的需要不断变化。要做到恰到好处,须靠平时的实践积累,用娴熟的技巧去灵活应用。

点和面是用笔的另一种形态,也是山水画中不可缺少的用笔方法。如点多用来表现树木叶子,树干和石面上的青苔,远山上的一点往往即代表一棵树,有时画长满丛木的峰峦,也用成片的点画出。因此,点的形态也千变万化,举其要者有尖笔点、圆头点、横笔点、直笔点、破笔点、个字点、介字点、松针点等等,被广泛地用来表现画中的景物。点的放大即是面,在画中有时需要用大块墨色在用笔时富有节奏地连续点厾,联成一片,就成了面。有时用点和面相间相叠,画出一座山峰的形态,或一片树木蓊郁茂盛的状貌,也是使用面和点结合的用笔方法。

与笔法密切相关的是墨法。一张好的画,墨色虽然深厚,但可达到黑而发亮,神采闪烁;有的画,调子虽然淡逸,但使人感到淡而见神,韵味醇厚。这些虽然在墨色效果上表现出来,但关键还是在用笔上。如上所述,如没有以力为基质的只用笔画成的墨块或墨线,只能是没有骨力的墨痕或墨团而已。用笔不当,用墨就容易发腻,浮烟涨墨充塞画面,用来表现景物,则黯然失神。所以,好的墨法,包含有色彩的观念。古人说“墨分五色”,即是比喻墨色与水混合后,运用高度的用笔技巧,在宣纸上产生干、湿、浓、淡的复杂而又微妙的墨色变化,这种变化,足以充分画出大自然丰富变幻的情状,蓊勃氤氲之气息,反映出山石林麓,云水浮动等各种自然现象的生动的神韵。中国画中以这种纯墨色来表现景物的形式就是水墨画,写生中,应充分利用这一水墨变化的特点来表现种种复杂变化的景物。

墨法分浓、淡、焦、湿、破、积、泼等诸种变化。各种墨法,在画中要综合运用,浓、淡、干、湿要形成对比。特别是破墨与积墨,更是山水画中的两种重要墨法,因为山水画要表现出景物的复杂层次,使人感到深厚,必须通过笔墨相叠、相间的对比互相识、破,造成笔中有笔,墨中有墨的效果。一般是先破后积,在作画过程中,根据表现景物的需要,或先用浓墨画,再用淡湿墨破,干后,视具体效果再在上面积,如此,不断反复积、破,直至感到已充分地把画意表达出来为止。在重叠笔墨进行积、破时,用笔要有骨力而肯定,笔路要清晰,笔墨要叉开,在反复积、破中,后一遍的笔路要顺着前一遍的笔路加,复加的线条要灵活松动,讲究笔意,努力做到笔与墨浑然一体,层次多而不乱,墨色有对比而不平。

2.笔墨与造型

笔墨本身,如一条线、一个点、一团墨块是不能说明它表现了什么东西,只有用它作为造型的手段,才能在画中化为具体的形象。所以各种变化的线条、墨块都要在作画时调动起来,为表现景物服务,做到构成景物和各个局部的笔墨都妥贴地、统一和谐地和形态、结构紧密结合在一起。如果笔墨不是很妥贴地依附在具体形象之中,再好的笔墨也要从画面中跳出来,破坏了画中形象和意境的塑造,这样的笔墨便成了败笔。

笔墨为表现景物眼务,首先反映在各种线条的刚、柔、挺、直、圆、曲、转、折等各种形态变化要适应景物形体的塑造需要。如画树干,其质感坚硬挺拔,形态曲折多变,树皮毛糙多疤,用笔时线条皴控就要松毛凝重,笔的转折处要直中带曲、柔中见刚,如果用状如游丝,软弱无力或者用剑拔弩张、平铺直拖的笔墨就画不出真实树木的质地感觉。画树木是这样,其他景物也是如此,如画云,其形态是轻盈飘荡,用笔就不能太粗重坚硬。反之,如画石,其质地厚重粗糙,笔墨就不宜太纤细柔软。总之,笔墨线条的运用,必须要根据表现景物的需要来灵活掌握。其次,笔墨的各种变化,如虚、实、轻、重、浓、淡、干、湿、粗、细、中锋、侧锋等在构形过程中要做到恰到好处。使画在每一部分结构上的线条都和谐地妥贴而有变化地和景物形体密切结合。画山石,各种笔墨变化,通过勾、皴、擦、染的方法组织在一起,按造型的需要,灵活运用,山石面的凹凸起伏、前后空间距离,转折处,都须用不同的笔墨变化去构成。山石如此,其他景物也一样,画树,构成树干的各部分线条都是按这样的原则组织在一起,使笔墨在组织中达到变化中求统一,更好地为表现对象服务的目的。其间,勾与皴要密切结合好,勾是景物的外轮廓,往往也是面的转折处,用皴来表现景物内部的质,与外部的勾相联系,勾皴互相结合,可充分地画出物体的结构和体积感。皴笔线条画得较粗重、较浓、勾勒线条较虚、较淡,这样笔墨较实的部分就凸出来,而较虚的部分就转了过去。这些笔墨构形的规律,我们应该在作画中好好去体会,不断积累经验。用笔要为表现景物服务,用墨也是如此。墨色的各种变化与用笔结合在一起,可表现眼前景物复杂状貌。如画烟云蒸蔚、草木丛生的感觉,则宜多使用湿墨、破墨、积墨,造成“元气淋漓嶂犹湿”的感觉。《大别山天堂寨》写生,为表现晚春季节山上草木滋生、岚气浮动、山色蓊郁的感受,就使用了破墨画法。先用干笔皴擦,接着趁湿再用水分饱满的淡湿墨大面积点虱,任其自然渗化,再视具体情况用浓墨破,加强层次,干后再在其上用积墨法进行整理,这样通过反复积、破,直到作品中景物形象被充分地表现出来为止。再如画中墨色浓淡的总体色调,对形成画面情调、意境也有很大的关系。色调淡,则易得淡雅清和的画面效果,色调深就给人一种深沉、幽邃的感觉。这些都需要在写生中为了表达对景物的感受而决定的。目的也是为了更充分地表现景物和画中的意境,因而它也是意匠经营的一个方面。还有一种焦墨山水,是纯以干笔焦墨来画的。墨的浓淡干湿变化虽然较少,但是利用笔法上虚实轻重的变化和笔法本身的情趣画出来,也可以达到有对比而不平,可表现出画面的一种特有的韵味和效果。  在写生中,笔墨表现一般不拘于纯客观地模仿对象的光与色,而要着眼于捕捉它的形态、神韵和结构。首先,在总体气氛感觉上要与对象保持一致,尊重自己对景物的感受,接着努力设想用具体的笔墨去加以表现。用笔墨自身的变化规律,对眼前景物作能动的调节,即是用各种虚实、轻重、浓淡等笔墨,借助疏密、轻重、穿插、参差等构图上的形式美规律,按景物的结构特点来画。

3.笔意和笔势

虚、实、粗、细、浓、淡、干、湿等是笔墨本身的表现形态;疏密、聚、散、穿插、参差等是笔墨在构形过程中的组织规律,它们都和景物的形态与结构紧密结合,为造型服务。

作画时,笔触到纸上,在塑造艺术形象、抒发意境的过程中,笔下线条和墨点的盘旋、往复、曲折、顿挫,以及疏荡、绵密、断续、聚散、交错等等变化,都紧扣着对景物产生的刹那间的心境活动,在构形的同时,在笔墨线条的变化中,也流露了人的感情。因此,在画中,情、境、形、意、笔是一个统一体。  笔墨传情,是通过用笔的节奏、顿挫、迅速和各种笔墨形态的相互联结和呼应来体现,而笔的运动又是受作画时内心情感驱使命进行的。对景写生时,画者感情的来源即产生于现实景物对人的心的刺激,人因外界自然美的作用,有了作画的激情,在用笔墨去塑造具体景物形象的时候,笔下的各种笔墨变化必然糅和着画者对景物的主观感情,用这种富有感情色彩的笔墨去造型,人的感情也必然与画中的景物糅和在一起了。这种笔墨的特点,原是中国画优良的技法传统,中国画素有“一笔画”之称,在意念和情感控制下的用笔,就是要求笔墨之间点划传情。只有在写生中做到人的感情、意念与客观景物真正沉浸在一起,并以同样专注的感情来运用手中的笔,使情、景、笔、意达到高度统一的时候,笔墨的这种写景传情的作用才能被充分地发挥出来。作画时,根据造型的需要,在人的情感、意念指挥下,各种笔墨线条之间,通过呼应联系,相就相让,疏密穿插、变化平衡等形式美规律组织在一起,来表现景物的形态和结构,共同为塑造画面意境眼务。这种在人的情感控制下的用笔形态,即是笔墨中的笔意和笔势。笔有“意”与“势”,它赋予和倾注了笔墨中人的精神与情感。用这种富有情感的笔墨去造型,景物的形与神就得到了充分的表现。

笔墨的“意”、“势”迹化为画中的艺术形象,就表现为景物的形态气势的相互联结和呼应;反言之,即是要求画者面对景物,在充分感受到对象的动态气势、节奏韵律的基础上,用相应的笔意、笔势去进行表现,并努力把感受到的东西通过它传递出来。为峡江石壁的写生,面对景物时感受到石壁气势线条上的一种节奏律动,运笔时,则就按照对象给予的这种节奏感进行,努力把对象给予的这种节奏意蕴通过笔墨体现出来。

对景写生时掌握好这点,笔墨在造型中就取得了能动的地位,不会在写生中看一眼,画一笔,被动地追求模拟景物而造成笔死气断的状况。这要求画者在对景物作全面观察理解,尊重客观对象和画者自身真实感受的基础上,紧紧抓住景物的形、神、势,借助形象记忆,发挥笔墨特点,大胆落墨。笔落纸以后,再按笔墨出现在画面上的实际效果,根据造型的需要和笔墨组织的自身规律,不断作随机应变的调整。落笔时要心有定力,先后有序,笔笔生发,控制好笔墨的快慢节奏,画好一个局部再生发到另一个局部地逐层铺开,使画中的景物与笔墨一气呵成,浑然一体,这样气脉疏通,气韵也自然生动。其间,眼、脑、手三者要互相配合默契,构图、笔墨、造型、造境要紧密地联系在一起,尽量把眼前之景和在脑中蕴酿成熟的意象通过笔墨表现出来,使笔与景、笔与意达到高度的统一。

4.笔墨的构成形式与形式的创造

山水画写生通过笔墨来完成对景物形象的塑造,还表现在笔墨构成形式的探索创造上。笔墨构形原无定式,虽然景物客观存在,但可以根据各人不同的感受和理解。用不同的笔墨技法去进行表现,使画出来的效果更符合画者主观上的审美要求。同一景物可以用双勾法来画,也可用没骨法;可以用粗笔写意法,也可以用细笔工写法,作画中笔墨既可以这样组织,也可以那样组织,使画出来的作品既尊重客观存在,更尊重画者内心的主观感受。因为写生不是临摹,现实景物中没有现成的笔墨可资借鉴参考,在考虑如何用笔墨去表现时,自身失去了技法上的参照系。必须通过画者在写生时自己去思索,不断地在实践中进行探索、尝试,并从中不断积累经验、总结、提高。对初学写生者来说,在写生时可以借鉴平时通过临摹学习所得的技法,与客观景物进行对照,创造性地运用,但要避免机械被动地照搬他人所创的方法来硬套。作画时应有自己的想法,逐步学会在写生中融汇贯通地灵活运用既有的成法,进行改造、变通,技法在写生中经过这样一番消化以后,使它能更好地表达自己对景物的真实感受,从中不断总结出新的表现技法。这样,我们在不断的写生实践中才能逐步积累、不断发现属于自己的绘画语言,这也正是通过对景写生要达到的主要目的。

近代有很多画家通过写生,在推动山水画创新方面取得很大成功的实例,值得我们好好借鉴、学习的。如李可染、傅抱石等人在50年代画的外国风光写生,对国外特有的山川风貌、现代建筑的表现技法作了有效的探索。他们运用传统笔墨,汲取了西洋画中表现光、色、立体、空间的特点,画前人从未画过的景物,创造了新的表现时代特点,个人风貌的笔墨意境。李可染有些山水画吸收了西洋画中侧光表现的技法,用凝重老辣的笔墨画出山间林麓的光感,也是通过观察写生创造出来的。再如石鲁画黄土高原的景色,尝试用破墨法进行皴、擦、点厾,在苍茫润泽中画出了画家对黄土高原的自然、淳朴、浑厚的感受。又如陆俨少80年代在井冈山写生,面对茫茫一林海、满山遍野的修竹丛篁,根据自己独特的感受,创造了点厾结合画山的技法。他画远景中的丛篁,用一种画弧圈圈的方法,真实地表现了客观景物给人的感觉。这些新的方法,前人都没有画过,不到生活中去写生,关在室内苦思冥想是画不出来的。所以在写生中,不断研究新的笔墨表现形式、也可以说是新的程式和符号来联结心与物、情与景,通过写生逐步积累艺术表现语言,正是写生较高阶段所要苦苦求索的东西,我们可以在这些成功画家的艺术实践经验中去悟出个中道理。在写生中,我们要有意识地进行笔墨构成形式上的创造性的探索,不断创造出新的程式技法,为山水画创作服务。
 
写意画笔力运用中的平、圆、留、重、活“五笔”是指什么?
所谓平,是在平稳中求奇峻之力,求力度均衡,如“如锥画沙”。笔力的平,是使力藏在点划之内,自然而然,不见起止之迹的一种内在力量。
所谓圆,就是要中锋运笔,尤其在线的转折处要如“折钗股”,如“金之柔”,这是一种有韧劲、有弹性的柔力,笔圆气乃厚,笔力柔中有刚,不松脆。
所谓留,是使笔迹运动中用力均匀而自然,在凝炼中求畅快,如“屋漏痕”,如“虫蚀木”。漏屋墙上缓慢淌流的水渍,积点成线,用以比喻用笔蕴含的力感。要做到留,行笔要慢,力求不急不躁,不飘不滑,自始至终用意志、气劲把力度控制住。
所谓重,是一种突发力的运用,如“高山坠石”,产生一种气吞山河的气势。下笔之势要肯定、大胆,切忌犹疑不决,拖泥带水。
所谓活,是用笔要灵动不滞。笔的转折、疾徐、轻重、顿挫等动作要运转自如,如“飞鸟出林”、“惊蛇入草”。意到笔随,意到笔不到,正是为求笔之活脱。笔之活脱,全在心腕配合如一,腕能随心所欲,心活腕自活,腕活笔自活。
写意画用墨的五个特性是什么
(1)墨彩
墨本来是一种单色,但由于中国画把墨当作色彩来运用,所以有墨彩之说,意思即是墨色美在单纯中蕴含了万物的光彩。黑与白是亮度的对比,黑白对比适当,画面就生出亮彩。浓与淡是墨色阶梯的对比,于与湿是水分多少的对比。对比适当,墨即有色彩的光辉。
(2)墨阶
墨色由浓到淡的层次变化叫墨阶。与色阶、音阶相似。墨阶大体可分为:焦、浓、重、淡、清五个阶梯。浓的、不掺水的墨为焦墨;掺少量水分,浓度仅次于焦墨者,为浓墨;掺三分之一的水,为重墨;水分超过墨者,为淡墨;水中掺极少量墨者,为清墨。在实际作画时,可以把墨分成更细的层次。墨阶的作用,关系到画面色彩层次和调子,层次少,对比强,称之为高调;层次多,画面柔和丰富称为低调。调子的运用,要按画面的具体需要加以调整。
(3)墨质
对墨的处理办法不同,产生不同质的变化叫墨质。可分:新、焦、宿、退、埃五种。新磨的浓墨,立即使用叫新墨。磨好的浓墨,放在砚台中半天以后,水分有一定的挥发,叫做焦墨。把墨放置一天以上,使水分有较多的挥发,叫做宿墨。宿墨由于部分脱胶,故运笔畅快、墨色浑厚,但光泽较差。放置多天的墨,墨中的胶力大部分脱去,炭粉沉淀严重,颗粒粗糙,光泽更差,但墨色厚重,笔痕清楚。埃墨是墨汁在砚台中长期放干之后,再用水泡起,墨质粗糙,一般不好使用,但在一些特殊效果中也可使用。
(4)墨性
对于墨色的不同处理,产生色性的变化,叫做墨性。分枯、干、润、湿、漓五种。不同的墨性可以表现不同的形象和表情。如干燥和湿润,粗糙与光洁,苍老与稚嫩等。枯墨一般用宿墨,枯墨适宜表现老年人干枯的皮肤及粗糙的衣物等。干墨可以分浓干和淡干,无论浓淡,把笔中水分尽量吸干,用笔时会出现飞白,适宜表现人物的须发、山石、树干等。润墨干湿相宜,这种不干不湿之墨,用笔时略有水晕之感,使用范围最广。湿墨指笔中饱含水分,行笔时,水分在纸上自然渗化,墨痕之处,有明显的墨晕,适合表现比较光洁的物体。漓墨为水气淋漓之墨,适合大面积渲染,表现烟雾、水气等。墨的干湿、枯润如果运用不当,就会破坏画面效果,太枯则无气韵;太湿则无骨气;太干则枯燥无味;太润则柔弱而无纹理。
(5)墨法
用墨之法,前人有很多经验,总结起来主要有七法:浓墨法、淡墨法、焦墨法、宿墨法、破墨法、积墨法、泼墨法。黄宾虹先生说:“画案之上,一钵水,一砚墨,两者互用,是为墨法。”又说:“古人墨法,妙于用水。”所以墨法离不开水的运用。用墨七法,实际上是墨与水不同的调和与使用而变化出来的。
 
写意画的用笔方法是怎样的?
写意画的用笔方法,历代画家总结了很多宝贵的经验,其中比较重要的是:“意、力、韵、趣”的用笔“四要”。
(1)笔意
就是要意在笔先,画家下笔时要心使腕运,以一种特定的情感、意念去驱使笔墨,才能因意成象,以象达意。笔意是用笔之总要,无意之笔是死笔。历代画家创造的艺术,所以能激动人心,主要是画家在笔墨技巧中融进了激情和意趣。
(2)笔力
就是运笔的力度感,是形式美感的重要因素。笔的力度感有两种内涵:
第一是功力的力。所谓“力透纸背”、“笔能扛鼎”就是一种运笔功力的表现。表现运笔功力的程度有“老”与“嫩”之说。功力的老到,要有一个长时间的锤炼过程才能做到,所谓“学力到,心手相应;火候到,自无板、刻、结三病矣”。功力老到的画家,即使柔细的线条,也能做到柔中有刚,棉里藏针,有内在的力度。而初学者,无论使多大的劲,笔痕还是稚嫩无力,所以,笔力是一个长期的功夫。
第二是气力的力。属于用笔技巧,只要掌握用笔的方法和规律,就能做到。运气使力的方法,首先是下笔前的用意要有力,要全神贯注,凝神静气,然后以意领气,以气导力把全身的气劲由臂至腕,由腕至指,再由指把力注于笔端,使劲力自然透出笔端。切忌表面的剑拔弩张、火气十足。
(3)笔韵
所谓笔韵,有韵味和韵律二种含意。韵味,就是要求通过用笔的轻重、虚实、刚柔、方圆、徐疾、顿挫等变化,求得画面的统一与和谐。如同音乐一样,有一个基调、一个主旋律。韵律是用笔要有运动感和节奏感。和书法一样,讲究线节奏,“侧法如飞鸟翻然而下”,“勒法如勒奔马之缰”,“轻如行云流水之变动”,“重如高山坠石之势”。
(4)笔趣
笔趣有意趣和天趣两种含意。用笔有趣,才能使观者赏心悦目,获得美的享受,故笔趣乃是使画产生形式美感的关键。用笔的意趣,在于巧妙地处理笔的生熟、巧拙、老嫩等关系。用笔熟而生巧,美则美矣,但会流于匠气、市井气。所以笔贵在熟而后生,由熟返生,“画到生时是熟时”,才生意趣。用笔灵巧、奇妙,固然不易,但要警惕流于甜俗。所以用笔贵在古拙,由巧而到拙,纯朴而磊落大方,乃生机趣。
用笔的天趣,发于无意之笔,所谓“好笔、好墨偶然得”,是一种顿悟,灵感突发。求笔的天趣,固然与画家的才能有关,更重要的是需依靠平时的学识、修养和长期的苦功。
 
画以人传的写意画
传统写意画在当前艺术品市场上的出品名头,人们所熟知的有吴昌硕、齐白石、潘天寿等大名头;如王个、来楚生、李苦禅等中名头,行情已经平平。至于活跃于清末民初的一些小名头,从各种人名辞典上可以查得到他们资料的,如杨子雄、沈墨仙、沈益斋等等,则几乎等于没有名头,无市场行情之可言。这一现象,值得收藏界的思索。
写意画多为文人画,文人写意画家本为“利家”,其义有二:一指画家的身份是业余的而不是专业的,二指所使用的画法是翰墨游戏的而不是正规的。明清以来,写意画家的身份由业余变为专业,但所使用的画法却依然是业余的墨戏而不是专业的正规技法。专业画家、业余技法,这是一个悖论,它之所以能够成立,便是因为“宁可画以人传,不可人以画传。”用陈师曾在《论文人画的价值》中的说法:“文人画尊重精神,不贵形式,故形式有所欠缺,而精神优美者,仍不失为文人画。”所谓“形式欠缺”,即指画法的业余性而非专业性,就画论画,当然是不足以传世的。所谓“精神优美”,即指人品、学问、才情、思想,所以就人论画,人品、思想的境界高旷,学问、才情的修养博洽,虽画不足以传,但却可以赖人而传世。
所以,对于写意画家来说,所谓名头的大小,主要的并不是基于其绘画水平的高低,而是基于其人品、才情的高旷、博洽与否。我们看吴昌硕与王一亭的情况,二者的绘画水平固然有高低之分,但实在相差不大,例如,有不少吴的作品便是由王代笔的,而二人作品的市场价格却相距甚远。原因何在?便是因为王的人品、才情远远不如吴。由此可知,购藏写意画,与其说是在买“画”,不如说是在买“人”。这也是当前许多写意画家不是把功夫投注于提高“画”艺,而是更多地投注于“画外”以提高知名度的原因。
然而,对于买家来说,既然他是在买画,理所当然地应该看“画”本身的质量。所谓“一分价钱一分货”,对于画家来说,也就是“一分功夫一分货”。那种不求形似、逸笔草草、一挥而就、胡涂乱抹的托名“写意”,作为对“形式欠缺”的进一步夸大,又失去了“精神优美”的支持,对于中国画市场的健康发展,实在是起到了误导的作用。
今天,即使如吴昌硕、齐白石这样大名头的写意画作品,其市场的价格,相比于90年代初已经大大回落,正说明买家已开始认识到这种导向的错误性。

写意画——中国画发展的高级阶段
纵现中、西绘画史,无论东方或西方的绘画艺术,大体上都经历了三个阶段:原始的“不似”——精细的“形似”——高一级的“不似”。

原始时期的绘画,例如:我国新石器时代彩陶上出现的鱼、鹿、蛙、人形图象,远古时代的岩画,欧洲远古洞窟壁画等等。那时的绘画尚处在幼稚阶段,对物象的刻画是粗糙的、简略的,可以说还画不准物象,正如儿童画一样,表现原始人纯朴天真的意念。这是原始时期的“不似”阶段。

随着时代的发展,技术的进步,人类逐渐能够真实地再现物象,并且达到十分精细的程度。中国绘画发展到唐、宋时期,无论人物、山水、花鸟画,都可达到精细地刻画物象的程度。西方绘画发展到十五至十六世纪文艺复兴时期,运用科学手段(透视学,解剖学,色彩学)更能十分逼真地再现物象,使写实的绘画发展到高峰。人类绘画从原始的“不似”,发展到精细的“形似”,这标志着绘画的巨大飞跃。

然而,逼真的再现物象,并不是绘画的最高目的。绘画和其它艺术一样,都是人的精神产物。人要充分、自由地抒发自己的性灵,表达情感,就必须突破刻意模仿物象的阶段。因为刻意模仿物象,必须束缚着人的性灵的高度发挥。只有摆脱了“形似”的束缚,从“形似”中解放出来,绘画才能取得更大的自由。

中国写意绘画的形成与发展,正是逐渐摆脱“形似”束缚的结果。当中国的写实绘画(中国的写实绘画于西方的写实绘画有很大的不同,前者的写实是相对的,后者则更接近物象真实)在唐、宋之际发展高峰之时,人们开始不再满足写实的东西,而探索一种新的绘画形式,不再追求精细的“形似”,而是追求“意似”,于是逐渐形成了写意绘画。

早在魏晋六朝时期,中国文化史上呈现新的变革,文化思想领域十分活跃,强调人的自觉,追求人的内在精神以及个性的表现。文学方面,文论、诗论的发展;书法艺术的成熟;在绘画上,顾恺之的“以形写神”,谢赫的“气韵生动”,王异的“画乃吾自画,书乃吾自书”,这种强调神韵,强调自我的观点对以后写意画的产生有着积极的影响。

公元九世纪中叶,唐代理论家张彦远在《历代名画记》中提出:“以气韵求其画”,“以形似之外求其画”,反对刻画物象“形貌彩章,历历俱足,甚谨甚细,而外露巧密”。提倡“自然者为上品之上”的观点,对写意画的发展起着进一步的推动作用。

到公元十一世纪,北宋文学家兼书画家苏轼更提出“论画以形似,见与儿童邻”,“诗画本一律,天工与清新”的观点,旗帜鲜明地向单纯追求“形似”的绘画提出挑战。单纯地追求“形似”,只是绘画的低级阶段,绘画不应以“形似”为满足,而应在“形似”之外另有追求,向更高的精神境界——“意”的追求。北宋文学家欧阳修也说:“古画画意不画形”,“忘形得意知者”(《盘车图诗》)。重“意”而不重“形”,成为写意绘画的基本原则。苏轼以后,历代写意画家,无不遵循这一原则进行着实践。

写意画经文人画家的提倡,得到迅速的发展(写意画又有“文人画”之称),到了元代已然蔚大观,“元人尚意”,“不求形似”已成为时代风气。沿至明、清又有所发展。明代徐渭、清初八大山人写意绘画已经成熟,近代吴昌硕,齐白石又将大写意绘画推向新的阶段。写意绘画从注重形似的工细绘画脱化而出,开始是半工半写,发展到小写意,进而到大写意。形由繁到简。而且愈来愈简,抽象概括性越来越强。不似的成份越来越多,八大山人晚期的作品就是突出的代表。

在西方,自十五世纪文艺复兴以来,写实主义的绘画发展到高峰,以十九世纪印象主义的出现为转机,到二十世纪开始,西方现代派绘画冲破“形似”的束缚,以强大之势迅猛发展,出现了各种各样的画派(野兽派,立体派,达达派,表现派,抽象派等等)。西方现代绘画不再受透视、解剖、光的约束,不再刻意模仿物象,而追求个性的解放,强调主观精神。西方现代绘画向着更自由的方向发展着。

当绘画摆脱刻意模仿物象的阶段,冲破“形似”的束缚,转向精神内涵的追求之时,就进入了高一级的“不似”阶段。这种“不似”与原始时期的“不似”有着质的不同,它是在极似的基础上的突破,是人类掌握了精细地刻画物象的技巧后梦想着更的精神领域的迈进。这无疑是人类绘画的又一次飞跃。由原始的“不似”,到追求“形似”。进而追求“不似”。这大概就是人类绘画发展的自然规律吧!

中国的写意绘画不重形似,但也非完全不要形似,而是“不似之似”。明代画家王绂说:“古人所云不求形似者,不似之似也”(《书画传习录论画》)。清代石涛也说“不似之似,似之”(《石涛题画诗集》)。现代齐白石进而发挥说:“妙在似与不似之间”。总之,中国的写意绘画既保留了一定的形似成份,又具有很大的抽象概括性;它既非物象的单纯模似,又不是完全抽去物象的点、线、面、色彩的纯粹组合;它既能便於人们的理解。又不使人局限于具象之中,为欣赏者提供广阔的想象力空间。尤其大写意绘画。更具有“迹简意繁”的特点。如果谈艺术的“空筐”结构的话,那么大写意绘画的“筐”则是很空的,它容纳 的想象力空间可以是无限的。

写意画追求“象外之意”。“意”者,当然是指人的思想、情感、意趣、意兴、情绪等等,它是人的主观精神,是人的心灵的显现。“意”不是凭空产生出来的,它来自人对自然、社会、人生的真实体验。凡是从真诚的体验中产生的“意”,总能在人们的心中引起共鸣,也最能打动人心。然而“意”的表达,总要借助于形象,“借物抒情”。没有形象,“意”无从寄托。尽管大写意绘画的“形”极其简略,它的“空筐”结构极空,但是仍有“筐”的存在,仍有“形”的存在。 西方现代抽象主义绘画,完全不要物象,纯以点、线、面、色彩的组合,来表现精神内涵,但客观效果总难让人们接受,因而也难以引起人们的共鸣。抽象主义绘画实际上已经把绘画引向极端。

中国的写意绘画,乃至大写意,虽然很富有抽象因素,但还没有走向完全的抽象。所谓“妙在似与不似之间”,正是表明要恰到好处为止,而不超越极限。因此,中国的写意绘画既不是单纯模仿物象的“具象”,也不是完全舍去物象的“抽象”,而是一种“意象”艺术。它是“意”与“象”的有机结合,主观与客观的统一。“意”与“象”不是平均对待,“意”起着支配作用,“象”从属於“意”。以神写形,以“意”造象,一切以“意”为之。

“意象”,不只写意绘画独有,中国的书法、篆刻、诗词、戏曲、园林等等艺术,都具有“意象”的特点。

诗并不拘泥物象的模似,最讲摄取事物的神理,讲求“离形得似”,追求“韵外之致”,“味外味”。以淡远清空、含蓄朦胧的意境美,给人以深刻的感染。为人们提供光落的想象力空间,使人愈体会愈有味,达到“言有尽而意无穷”,明代胡应麟在《诗薮》中写道:“古诗之妙,专求意象”。这正是中国诗的魅力所在。

苏轼说“诗画本一律,天工与清新”。写意画与诗都在追求意象美,虽然表现形式不同,但规律是一致的。苏轼特别推崇王维,“诗中有画、画中有诗”。诗与画有着内在的联系,诗与画的紧密结合,已成为历代写意画家追求的方向。宋代邓椿说:“画者,文之极也”(《画继》),这更强调了文学修养对画家的重要意义。

中国的书法艺术,特别是草书,更是“得意忘象”。所谓“惊蛇入草”,“飞鸟出林”,“云鹤游天”,“龙跳天门”等等说法,在书法中那里还有蛇、鸟、鹤、龙等物象的实形呢?人们只能从字形的变化,线条的流动中体会到蛇惊、鸟飞、龙跳、鹤翔之意太罢了。元代陶宗仪《书法会要》中写道:“夫兵无常势,字无常体:若坐、若行、若飞、若住、若来、若卧、若起、若日月垂象、若水火成形,倘悟其机,则纵横成意象矣”。因此,中国书法则更是带有抽象性的意象艺术。

其实,中国书法也经历了由工致到写意的转变过程。真行书还受着中国方块字形的束缚,而发展到行草,特别是狂草,则完全冲破方块字形的束缚,“形”有了最大的自由,线条纵横弛骋,奔放腾跃,更是一中激情的自动表现,最能抒发人的情怀与性灵。对于草书正是“唯观神采,不见字形”(唐,张怀瓘语)

写意画以“写”为表现手段。历代写意无不强调书法用笔。唐代张彦远在《历代名画记》中已明确肯定“书画用笔同矣”。元代赵孟俯说“石如飞白木如篇,写竹还应八法通。若也有人能会此,须知书画本来同”(《中国画论类编》《松雪论画》)。清代石涛也说:“画法关通书法津,苍苍茫茫率天真”(《石涛题画集》)。书法的用笔:疾而徐、按而提、走而留、顺而逆、重而轻,圆与侧,柔与刚,拙与巧,干与温,“屋漏痕”,“折”等等,无不体现在写意绘画之中。当写意绘画摆脱“形似”的束缚,“写”的成份就更加突出。虽然笔墨仍和物象的形相结合,但笔墨本身又有相对的独立性。形愈简,笔线愈自由,如同书法的线条一样,表现着动的韵律,流露着作者的性灵。写意画采用书写的形式,也正是为了最自由地抒发人的情感。明代徐渭说:“迨草书盛行,乃始有写意画,又一变也”(《青藤书屋文集》),这正说明草书与写意画的密切关系。

写意画虽与书法用笔同法,但由於笔墨的广泛开,点、线、面以及墨色浓、谈、干、温、焦的多种变化,形成丰富多彩的笔墨韵味又为书法提供了新的表现力。书、画的紧密结合,促进了书、画艺术的发展,以至有“书之极则为画,画之极则为书”之说。

写意画融诗、书、画以及篆刻为一体,成为综合性的意象艺术,大大丰富了写意绘画的内涵,使其在有限的笔墨中蕴藏着无限的精神含量。写意绘画追求自然。以与自然(宇宙)浑然一体,身心俱遗,物我两忘为最高境界。它深刻体现了中国哲学的“天人合一”思想,泯化小我,回复大我,同宇宙融合为一。

意象的内涵隐藏着一种神秘的东西——“道”。“一阴一阳谓道”(《易·系辞》)。 “道”即宇宙精神,字宙秩序,永恒的宇宙规律它是人对大自然的观察、体验中“悟”出来的。“道法自然(老子)。“道”客观地存在于无限的自然之中,运行无穷。人通过天地物取法于“道”人作为大自然的一部分永远也不能超越自然,只能遵循自然。诗、书、画艺术都是人的精神产物,它们本质必然应和宇宙精神相一致。写意绘画所要表现的不只是具体事物,它既融合了作者的“个性”,又同时通于无限的宇宙。正如明代董其昌所说:“画之道,所谓宇宙在乎手者”(《画禅室随笔》)

当人的精神同宇宙精神融为一体,“物我交融”、“神遇而迹化”,落笔之际不知我之为物,还是物之为我,亦不知我之为笔墨,笔墨之为我,身与心俱化,这是一个高度自由的境界。 “无法而法”,纯任性精的驱使纵情挥洒,不期合于由然而合于自然。

一切源于自然,又归于自然。“返朴归真”。

写意绘画是一个人造的世界,人造的精神自然。一切都按人意去创造,一切都是随心所欲,然而它不是凭空的臆造,它顺乎自然而不越矩。这就是中国写意绘画精神之所在。

写意绘画是中国绘画发展的高级阶段,也是人类绘画发展的高级阶段。它已经有千余年的发展历史,经过长期的锤炼已经成熟。而西方的现代绘画则只有百余年的历史,它仍处在探索之中。 中国写意绘画精神。至今仍有着强大的生命力。我们应当继承这一优秀传统,而不应该妄自菲薄。写意绘画产生于中国封建社会。传统的写意画必然体现着封建时代人的观念,带有封建时代的烙印。长期的封建专治制度,极大地限制了人的个性的发挥,因而也局限着写意画的高度发展。

时代不同了,社会的发展,科学技术的进步,为人们提供了更加广阔的视野,时间和空间的观念大大改变了。现代人在这新的世界里生活着、体验着、思考着。现代人的“意象”决不会同于千百年前的古人。现代人应该以新的生活体验,新的观念,来创造新时代的“意象”。

中国的现代写意绘画,必然会有一个更大的飞跃。

写意葡萄的画法
1.紫葡萄
紫色是用红色和蓝色调配成的。曙红、胭脂与花青、酞青蓝可以调成不同的紫色。由于画面的需要,所画葡萄的紫颜色要有所差别,因此可以用不同的红色和蓝色以及它们的比例多少来控制。曙红和花青可以调出偏暖的紫颜色,胭脂和酞青蓝可以调出偏冷的紫颜色,胭脂和花青可以调出较深的紫颜色,牡丹红与曙红相近与蓝相调可以呈现出比较艳丽的紫色。这样调配出的紫色可以有多种,从而使画出来的葡萄颜色丰富多彩。画紫葡萄至少需要调出深浅两种不同的紫颜色来(画深颜色紫葡萄,也可以先用毛笔蘸墨,再用笔尖蘸紫色来表现)。
汁绿色是用藤黄、花青加少许二绿、朱瞟调成,似葱心黄绿色,此色正是紫葡萄本身含有的绿颜色(在画绿葡萄时也需要用汁绿色)。其中各色的调配要适量,藤黄太多偏黄无绿感,花青太多偏蓝绿。汁绿加朱瞟是为了使汁绿颜色稳而不燥,但是多则会使绿色发黑、发暗。加石质颜色的二绿可以使画面的葡萄有霜感。总之,调配颜色的方法有多种,需要灵活掌握,使画面既有变化又趋于统一。
画法:
画面上的一整串葡萄可以分为若干小组。一般分为三、五组,每组六、七枚葡萄。每一枚葡萄的画法,是将大白云笔在笔洗中蘸湿,笔中的水挤干,然后用笔尖蘸紫色在色盘中调至毛笔中部,此时毛笔上的紫色为笔尖深、笔根浅。再用笔尖蘸汁绿色少许,在色盘中调至汁绿与紫有过渡。此时毛笔上的颜色变化应为:绿——绿紫——紫——淡紫。最后将调好色的毛笔用笔尖蘸吸清水,在色盘中微调,使笔尖的水吸入毛笔,但是不可破坏毛笔上已调好颜色的顺序。如果觉得笔尖清水不够,可以再次用笔尖蘸清水。这一调色过程是画出葡萄立体感和丰富色彩的关键,比实际画葡萄的过程更为重要。
作画时用左右两笔画成一枚完整的葡萄。左一笔细短,用笔锋画,右一笔宽长,用笔锋和笔腹画,画成半圆形。由于笔尖有清水而且含有汁绿,画出的葡萄应该是左上部明亮泛绿色,右下部灰暗呈紫色,彼此形成了极强的明暗立体感和微妙的色彩变化。葡萄的形状可以画圆形,也可以画成长圆形,每枚的大小要有些变化。用此方法画的葡萄亮部已含有高光,所以不必留出或再点高光。高光太强则像玻璃球,反而会破坏葡萄应有的质感。
葡萄生有果脐。果脐位置长在葡萄下方的正中,在写生观察时,果脐并不明显,画时有所夸张。画果脐可用深紫色在已画的葡萄七成干时点圆点。为了表现透视关系,一串葡萄中靠左的葡萄果脐点在左侧,靠右则点在右侧,下方的点在下面。背面的葡萄只见枝不见脐,画时用调有深浅颜色的笔一笔画出。

葡萄的小枝用调有深浅的绿色,用书法中的起笔、收笔的方法,以中锋写出。在枝与枝相交处用笔要粗壮,要笔笔送到。葡萄串上的小枝虽然不多,但是最见笔,要注意画好。葡萄的小枝较软,果实较重,所以葡萄在生长成熟时下垂着。小枝左右两侧葡萄的多少,重心要考虑周到。
一串葡萄中的一组有两三枚浅的,画时笔中水分要多些,各枚葡萄之间的位置要有错落,避免形成直线。可在浅葡萄的一侧,画中间色和深颜色。虽深色葡萄的用色量大,但笔中仍然需要含有一定的水分。每枚葡萄之间的空隙要用比葡萄稍重的颜色充填。葡萄珠相临或空隙间要填上色,颜色相接而渗化是正常的,要有浑然一体的感觉。如此完成一串葡萄中的一组,这样的三、五组合在一起便组成一串。在一幅画中要注意葡萄的虚实,要近实远虚。虚的葡萄颜色浅淡而且不需要有很强的立体感。葡萄小枝、果脐不可画得太清楚。有时在半干时罩染一遍淡石青(石绿)水,既可画虚推远又可将颜色统一。
整串葡萄中,特别是边缘,一定有被遮挡而只能看到半个的葡萄,也应该画出来。整串葡萄的外形应有错落,有变化,有密集,也有松散。要避免形成左右对称,或有规则的几何形。用浓重颜色画的葡萄托裱时颜色容易脱落,可以在重颜色葡萄周围画一些浅色葡萄,即使托裱落色也对画面影响不大。
2.绿葡萄
生活中常见的绿葡萄品种很多,绿中泛黄,晶莹可爱。画绿葡萄要调配两种绿色。在紫葡萄调色中所调的汁绿,可作为其中的一种浅绿使用。另外再调一种深绿色(即用藤黄、花青、朱瞟、头绿,以花青为主调配成的绿色,调配绿色详见紫葡萄中调配汁绿的方法),用小碟将朱瞟加水调匀后备用。然后参照画紫葡萄的方法画出深、浅绿色的葡萄来。
画法:绿葡萄的画法是用大白云笔蘸绿色在色盘中调色,使笔中有深浅变化,笔尖再蘸少量的朱瞟在色盘中调色,使笔中有绿——绿中含红的过渡色——淡红。因为绿色是由黄和蓝调出的,如果调入红即为红、黄、蓝三原色相加,成为黑色。因此在调配绿葡萄颜色时不可将红与绿全部调匀,调匀则变黑发暗。在笔上有绿中含红的颜色调出后,笔尖蘸清水(调色的方法、画法及分组成串的方法与画紫葡萄相同),在浅绿葡萄一侧的深绿色葡萄,用已调好的深绿色表现,也可以用笔先蘸墨后,笔尖蘸绿色再蘸朱瞟、清水来画深颜色绿葡萄。葡萄珠上的果脐用朱瞟或深绿色点出。点果脐的“点”用狼毫笔,笔在纸上要稍稍揉动,使之成为圆点。点的颜色要统一,深浅可以有变化。小枝用绿色笔尖蘸曙红或墨不必调均写出。

由于绿葡萄的深浅变化小,不如紫葡萄的紫色深浅反差大,所以绿葡萄效果的处理难于紫葡萄。但是如果认真研究,掌握其特点及表现规律也一定能画出妙趣来(见图)。
水墨葡萄的画法是用墨加水来表现的。画墨葡萄时要充分发挥墨色的浓淡干湿变化,这里的关键在于怎样用水。水量的多少与墨和色的结合会产生无穷的变化。由于水墨在生宣纸上易渗化,因此要区别出葡萄及枝、叶的墨色,要比画紫、绿葡萄更有难度。所以,除了注重用水之外,同时还要注重用水墨来造型,只有二者兼顾,才能较好地表现水墨葡萄的韵味。
画水墨葡萄用大白云笔蘸墨色,先在色盘中调成笔尖深、笔腹浅的过渡色,再用笔尖吸少量清水,在色盘中调出笔上已有墨色的过渡色:浅——深——浅的墨色效果。在生宣纸上水墨比颜色更易渗化,因此在调配墨色的整个过程中,应注意控制笔中的水分。调配墨色的过程,是画出具有立体感效果的至关重要的步骤,所以不但要注意在宣纸上用笔、用墨的练习,更要注意在调色盘上的调色练习。
用调好墨色的笔分左右两笔画出一枚葡萄。第一笔色浅,第二笔色重,如此一笔墨色可连续画三、五枚葡萄。后面葡萄的墨色深于前面葡萄,画至笔上墨水用干再调新墨。一组中最亮几枚的一侧画较深的,如此几组连成一串。葡萄的小枝用有深浅的墨以中锋写出。待画出的葡萄八成干时,按着透视关系用墨或左或右、或上或下点葡萄的果脐,并将葡萄之间的空隙用稍重墨色填满。应注意尽量不要使后填的墨色渗到葡萄上,以免影响造型。
用墨汁画墨葡萄易渗化,难以控制,影响造型而且墨色灰暗,效果欠佳,最好还是磨墨作画(见图)。
4.勾线葡萄
勾线葡萄的画法:简单地说就是在葡萄的轮廓上采用勾线的造型方法予以表现,按照葡萄的结构用淡墨两笔勾出葡萄轮廓。整串葡萄要大小错落,用笔松动,然后用小枝串起,等墨色干后着淡绿或淡紫色。着色时,不要将葡萄颜色填满,或有意将颜色溢出轮廓线外,这样能使画成的葡萄用笔用色活泼随意。另外也可以按照紫、绿葡萄的画法画出葡萄,其颜色要浓重,而后在葡萄珠的外轮廓上勾金线,金线用白描勾线方法勾出,线要勾得严谨、见笔。枝叶画成重彩,整幅作品满构图,呈现出色彩艳丽的重彩画的浓郁装饰效果。勾线葡萄或松动飘逸,或浓重艳丽,是很受人们喜爰的。
5.用胶矾水画葡萄
用胶矾水作画,在生宣纸上墨色更易渗化,参入胶矾的色、墨会外展,画出的物体如冰似玉(一些冰雪山水的作品就是用胶矾水画的)。
画法:在色、墨中直接调入胶矾水画叶子,在蘸有色、墨的笔上再蘸胶矾水画葡萄。笔上水分不要过多,因为水分太多,葡萄的造型难以把握。使用胶矾水画葡萄,有不死不僵、水墨淋漓的韵味(图二)。
 
中国画的造型训练
美术学院的中国画的造型训练,在吸收传统的教学训练基础上,也融合了西方的教学方法,注意写生的训练,这样较易于入手。中国人物写生并不只是对着模特如实描画的过程,更重要的是一 个造型思维的过程。首先要全面仔细地观察对象,体会对象的神气情态,而脑中相应的产生一种形式,于是手脑相应落实在纸上。说起来似乎很简单,真正画好可并不那么容易,对象的神气、情态的特征,然后加以强调。因为人的形体结构是一样的,面貌也相差无几。如果事无俱细,平均对待地一一画来,很可能是千人一面,没有什么感人之处。所以说,写生前的观察感受是十分重要的,不然,你就不知你要的是画什么。这也是因为,中国画在作画时须笔笔生发,所以不可能是看一眼画一笔的被动描绘,而是对描绘的对象达到能够默识于心,加上对一般人物结构的理解和描绘的程式,强调其特征。一块一块地画下来,把人物分成头、颈、胸、腰、四肢、手脚等几个主要体积结构,每个体积做为一个体块去勾勒。注意每个体块的外形轮廓所形成的基本形,并强调这个基本形的特征。另外注意分析这些基本形所形成的不同对比关系,及这种关系所形成关系所形成的节奏与韵律。具体到头部,以五官为单位,分得更细一些,这样就能够主动地掌握形体,大胆地进行处理,达到简练,概括地塑造形体。所以说熟悉和掌握人的结构是十分重要的,这样人的形体和衣纹就能随手而生。反之,即使面前坐着人让你写生,也不知线条放在哪里,更不要说加工变化了。
中国画在造型能力上还有一个特殊的要求,即必须使造型能力达到高度的熟练。如果画家对所描写的形体不是达到随心所欲的熟练程度,要在笔墨上达到高充成就是不可能的。一个学画的人,如果造型能力差,他在创作中,写生中,必然会把全副精力集中到像不像的问题上,结果越画越不像,就越是反反复复地涂涂改改,自然什么笔墨也谈不上了。但是,我们现在也看到另一种情况,那就是既能在造型上做到非常准确而又能顾得过来笔墨,这就是那些在人物造型上默背能力很强的人。
形体背默能力的训练,一般先是研究被背默对象的形体结构,然后通过大量的同一物象的速写、默画,在脑里不断地大量地重复此物象的形体规律,而后逐步取得成效。所研究的不是每一物象不同的面,而是研究某一物象的共同规律,就是它的形体规律;不是着重在临时观察分析出体面,而是在研究其一物象规律基础的同时着重记忆,默背。
作为艺术概括,我们不需要把每个人身上所有的细节都陈列出来,而是拣其中重要的细节特征,鲜明地加以突出就可以了。形体记忆可以帮助我们选择重点细节,因为一般无关大局的形体,按一般规律表现就可以了。一个能够背默形体的人,在写生中比不能背默的容易掌握住其特征,就是因为他把一般形体,在很短的时间中随手解决了,重点部分在描写,由于默背能力的支持,也不必看一眼画一笔,而可以把精力集中在对象的意志、表情、性格的一些感觉上。
中国画的笔墨关系
有了熟练的造型能力,还需要学习和掌握中国画的形式技法。笔墨技法是其中重要的一环。
笔和墨其实是一个问题的两个方面,体现在纸上就是墨,而在纸上的墨迹又可看出笔的运动变化。从用笔上来讲有中锋、侧锋、顺锋、逆锋和顿、挫、转折及轻重缓急等不同的变化。笔锋的中、侧、顺、逆是指笔锋的变化;顿、挫、转、折是指运笔的变化;而轻、重、缓、急是指笔的力量与速度的变化。
墨有浓、淡、干、湿种种不同的变化,常说的“墨分五色”就是讲利用墨色的变化丰富的感觉。
笔的运用除了用上述种种变化进行勾勒外,还可以利用笔的皴、擦、点、染等技法来丰富表现力。皴就是根据物象外表的不同纹理用相似的笔触来表现,一般用在表现物象质感、体积上。像山水画中的种种皴法。现代人物写生中也有用皴来表现人的体面关系,使形象更加充分、丰满。擦,实际上就是没有笔触的。它的作用就是使皴法不致于过于孤立。皴后再加上擦就会使它表现的更加浑厚,更加有层次。点,这里指一般的落墨着色的方法,与蘸墨和运笔有关。一笔下去既可以是对象的形也是浓淡不同的笔触。几笔相接连,即可形成一个体面,大到大面积的着色,小至山水花鸟画中的苔点,均可用此法。具体方法可在读画和作画实践中慢慢体会。染和点所不同的是,墨和色在纸上不形成笔触,可以反复渲染成渐变的效果。
墨有泼墨、破墨、积墨、宿墨等不同方法,从而使墨的干湿浓淡变化更加丰富。泼墨,即是一遍下去而形成的水墨淋漓的效果,笔触较大,一气呵成。破墨有浓破淡、淡破浓之分,即是在浓墨或淡墨落上去以后,以相反的另一种墨趁其未干之际画上去,形成相互渗化的效果。积墨就是在第一遍墨干后,再上第二遍、第三遍,墨色笔触层层相叠,形成 浑厚结实的效果。宿墨即是用放久了的脱胶之墨,它的特点是有渗化效果,还能保持落笔的笔触。
中国画所运用的笔墨技巧,不像素描、油画那样追求直接的效果,它像图案中的变化那样,必须把自然状态的物象按图画的艺术要求进行加工,才能出现具有线、点、笔墨技巧的艺术形象。画中线的长短、粗细、浓淡的对比和谐,在生活中是不可能直接找到的。要把客观物象轮廓上无形的几何线变成有粗有细的笔线,把有明暗规律变化的服装变成按结构落笔的平光形象。生活中直觉的那种明暗对比的生动鲜明的效果,在这里不能直接运用,必须将从生活中得来的形象按国画的特殊要求另行组织出水墨的效果,才能使画面的艺术形象通过水墨技巧中的线、点的韵律节奏得到艺术的再现。
作为中国画,写实不是其所长,写意才是它的灵魂所在。所在,不能用自然的直观现象来解释绘车,用绘画的形式因素来表达自己对物象的认识。若在画面上形成一种韵味,主观的成分越多,表现性也就越强,画的是对象,也是在画自己。从根本上来讲,还是表现个人独特的认识。

作画的过程是作者和物象在纸上进行交流的过程。具体到画面上,就是形体结构、点、线面色等诸种绘画因素的布置与安排。这种布置与安排,来自作者对物象的整体感受和对笔墨形式的联想。一是对物象外在形象的观察,其气势、性格、神态是粗犷的、文静的,还是雄壮的、秀丽的等等;二是作者对物象的感受以及当时的心境,和在此感受的基础上所产生的一种相应的形式感的联想:线是粗的还是细的,流动的还是稚拙的,天真平淡的还是深沉稳重的;墨 是重的还是淡的,干的还是湿的;色彩是艳丽还是淡雅等等。把相应的形式感受与自己对物象的认识结合起来,这也就是立意的过程,也是一个观察、分析、想像综合的过程。
中国画在山水画中讲求“势”,在人物画中也有“势”,这个“势”就是前面讲的人的各部分基本形相互对比而产生的一种韵律感。如人的各种不同的姿态,几条大的动态线就构成人的动势的趋向,这决定着整幅画的构图与安排,所以应当对此有个鲜明的认识。
在“势”的基础上,以对象的结构为线索,用自己感受相应的笔墨形式去表现,不仅要求形的比例、结构的准确,更主要的还要合乎性格与美感。“势”的构成在于“气”。“气”是指笔画间运动的联系,是“势”的呼吸。我的经验是根据自己的感受,对物象的“势”的特征进行强调甚至夸张。这有些像演员的化妆,只有强调,才能表现出来。形象刻画尽量单纯,在单纯中表现出在丰富的内涵,这就要靠用笔的变化了。
用笔的轻重缓急、提按顿挫,表现出的强弱、方圆、长短、虚实等多种变化不同的线,不仅表现了对象的筋骨血肉、形神体质,同时也因为线的节奏与韵律产生了刚劲、妩媚、雄健、飘逸等种种不同的美感,这种节奏与韵律,就是我们所说的“气”。如同音乐中的音符,虽说简单,但可以构成许多各自不同的美妙乐章。
在用笔中,我体会最重要的是“提”与“按”。用笔中的提和按的结合与控制,要做到提中有按,按中有提,如“锥画沙”、“屋漏痕”说的就是这个意思。
行笔还要注意“气”的贯通,行笔的线,不但表现本身的节奏与韵律,还必须通过这节奏与韵律表现出笔的“气”,这就是通过提按体现在笔上的力以及笔与笔之间的呼应。所以在行笔上尽量要慢一些,稳一些,注意笔与笔之间的起承转合的关系。不要只顺着一个方向行笔,画时最好是上下左右跳着画,这样的好处是能够时时照顾整体形象,不致于陷到局中去。
由于笔的种种不同的运动而产生的各不相同的韵律节奏,形成了一幅画的骨架。这还需要墨和色的进一步充实。而线之间形成的“画”,如何上色或落墨,方法与西画的光影画法不同。一种是平涂,一种是染高不染低(颜色点在结构突起处),再有就是结合光影晕染,这种方法以前曾盛行过一时,但弊病较多,主要是妨碍了用笔的自由。

中国画的墨与色也讲究“气”,这“气”指的是什么呢?
自然之气、如光气、水气、空气,是朦胧的还是清淡的,是对比强烈的还是浑然一体的,这在表现上,以墨或色的浓淡、干湿、深浅、黑白的表现。
精神之气,指神气,表现对象的精神状态与气质。在表现上注意韵律的变化, 韵律有节奏而生“气”,韵格高低而生“神”,韵味的厚薄而生“趣”。
作者本身的气,指气质、神、力,笔的力量与自身的感受能力以及素养与对象的结合。
对象之气为源泉,作者之气为寄托,作者借对象来表现自己,而这些又归结于笔墨之气。具体表现在纸上,则是掌握水和纸性的效果,形成“动”的效果。“气韵生动”实际就是这个意思。“气韵”是作者与对象精神上的共鸣,是源。“生动”是表现的结果。人的修养素质若高,精神的感受也就深刻,“气韵”定不一般,“生动”也就随之而来了。节奏、
韵律来自想像改造的力量。所以说画到一定程度,功夫应下在画外,要努力加强自身的修养。
造型的过程很复杂,也很简单,实际是个物我交融的过程。具体的练习方法有:写生、默写、小品练习等等。造型能力的锻炼,须要大量的默写练习与临摹。画小品也是练习造型能力和笔墨处理的好方法,更能够锻炼自己观察生活的感受能力与想像力。有的小品画甚至能发展成单幅画的创作。主要是能使画家在作画的过程中走进物我两忘的境界。好的画总是能在不知不觉中画出来的,最后连自己也不知是怎么画出来的。最高的技法就是不讲技法,也就是画论上讲的“无法之法为至法”。
中国绘画艺术的道理很深奥,但表现出来却是简明通晓的。深奥在于重视“觉悟”,简明通晓也在于“觉悟”。这“觉悟”是随着画家自身的学习修养和作画实践得来的。如果两者没有到那个程度,是悟不出的。
“学无止境”,画到一定的程度,技法并不是最主要的,最主要的是你对生活、艺术、绘画的理解和认识。所以在这里我并没有讲这里该怎么勾,那里该如何画;作画的步骤一是什么,二是什么,而 是阐述了作画中的观察思考过程,应该怎样去看、去想、去画。
学习的目的不在于懂得了多少名词、技法,而在于鉴赏能力的提高。懂得什么是真,什么是假,什么是好,什么是坏,对艺术有自己的理解。学习在于道理的明晓,而不是记名词。如解剖我学过了,但具体的肌肉名称我记不清了,珂人的组织结构我理解了,并形成了概念。这会对造型很有帮助,“书越读越薄”也就是这个道理。
有了鉴别力,我们的画也就有了标准,学习、作画也就有了方向。
识和胆是相联的,有了识(独立的判断力)才能有胆,以己之识评判古今,有了识才不会盲从,不会去赶时髦。
重彩写意画论
中国绘画由周秦汉唐至宋元明清,其实一直是重视色彩的。有证可考的秦汉时期,作品大多是色彩斑斓的,唐代更有青绿山水的创立,宋人小品的色彩也令人折服,只是到了元代以后,忽视色彩的观点逐渐占了上风,这主要是因为文人画的兴起。崇拜文人文化是中国封建社会的传统,中国的文人传统常常影响宫廷、文学艺术界乃至民间。以水墨画为代表的文人画遂成画界主流,水墨形式逸笔草草的绘画被标榜为上品,其他类型的绘画一般都被贬低和忽视了,这主要原因的确在于文人。文人之于绘画,第一是遣怀,第二是游戏。遣怀则不能太受拘束,游戏更要有趣味。让文人细究技法,踏踏实实地学习基本功,他们就不耐烦了。他们只能以文人最基本最简单的工具和材质——笔、墨、水、纸来完成绘画,这样随意而方便。不料文人却从中找出了独特的审美情趣,再加以诗、书、印的结合,文人画便确立和成熟起来,成为中国绘画的主流。文人画之于中国绘画史的贡献是创立了写意画的审美原则。这种写意的原则正是中国传统造型艺术的本质特点,不过文人画更发扬光大之。细究中国传统艺术的写实观,其实还是意写的现实,文人画发扬了这种写意的传统,更加注重画家的主观表现,更加发挥技法的独立的审美价值,使中国画达到了更高层次的审美境界。写意观念的确立的确可以说是中国绘画的精髓和灵魂。
但文人画的负面影响却是破坏了中国绘画重视色彩的优秀传统,特别是到了近代,中国画可以说是黯然失色。晚清以后,西方艺术直接影响到中国,中国的一些画家觉悟到这一点,例如以任伯年为首的海派画家,已经开始注重色彩的表现。即使如吴昌硕这样很文人化的大写意画家,也已经注重了色彩的成分,但此后却无继人。直至今日,在大写意画中色彩仍然不被重视,对色彩的运用仍然是许多写意画画家的弱点和软肋。更为遗憾的是这些画家仍然举着“水墨至上”的大旗,轻视写意画中色彩的表现,以致陈陈相因,故步自封,使大部分写意画看上去至少像五十至一百年前的作品。我们的许多画家大部分时间是在学习古人和前人的技法,他们很少想一想学习了古人和前人之后,自己该做些什么。对于每一个画家来说,继承古人和前人是肯定的。因为如果没有这个觉悟和决心,不但画家本人是没出息的,整个中国画也将会停滞不前。所以我们想到了恢复中国画的色彩传统,并且以现代的色彩学观念创新中国画的色彩,使中国画的色彩丰富起来,现代起来。
综上所述,我们提出一个重彩写意的概念,即以丰富多彩的现代人的色彩观,以写意的造型表现概念,创造一种新样式的中国画,即重彩写意画。当然这只是许多中国画流派中的一流一派,它区别于其他流派并且有自己独特的艺术风貌。
水墨大写意画的确立——青藤白阳
中国明代(公元1368——公元1644年)有很多画家追求宋代(公元960——公元1279年)画风,明代中期文人画重新在南方苏州复兴,后来文人画更是向抒发情感发展。在“吴门画派”风潮的影响下,明代中期的绘画变得更有生气,在技法上也有许多突破,表现在花鸟画创作上,水墨写意的名家出现很多,他们就是号白阳山的陈淳和号青藤的徐渭,人称“青藤白阳”。
陈淳(公元1483年——公元1544年)少年时学习作画,常学习元代(公元1279——公元1368年)人作画风格,深受水墨写意画的影响。他的花鸟画,淡墨运用有一种特殊效果。他的有些作品,可以看出深受沈周画法的影响。他画山水,学习米友仁、高克恭,水墨淋漓。近代画家蒲华、吴昌硕、齐白石等,在诗文题画中,都对陈淳作出了极高的评价。陈淳泼墨大写意花鸟画很出名,他不讲究外表的形象而是追求画面的生动。他的人物画也很精彩,简单几笔,令人回味。
徐渭(公元1521——公元1593年)初字文清,改字文长,号天池山人、青藤道士,山阴(今浙江绍兴)人,是明代著名的文学家,书画家。他小时候就以“神童”闻名家乡,年轻时多次考试失败,曾当过官兵的他,后来精神发狂,因为杀死妻子入狱七年。他在作品中把情感和个性的表现,放在首要地位。在文学批评方面他强调独创性,反对抄袭,对公安派很有影响。徐渭一生擅长写诗,写书法自认为天下第一。他的著作有《徐文长三集》、《徐文长逸稿》、《徐文长佚草》、《南词叙录》、《四声猿》等。徐渭一生贫穷,他的写意花鸟注重人格内心情绪的抒发,他所独创的花鸟样式,对后来产生了极大的影响。现存作品有《杂花图》、《墨葡萄图》等。《墨葡萄图》,现在收藏在中国北京故宫博物院,画面藤条错落,葡萄晶莹透亮,真实生动的体现了文人水墨大写意花卉震撼人心的魅力。难怪朱耷、石涛、郑板桥等名家对他也十分佩服,影响意义深远。
“青藤白阳”二人在中国古代美术史上的地位是大家有目共睹的,对于今天的文人画创作起到精神榜样的作用。

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