2013-03-17 09:28:31| 分类： 彩铅、素描类
素描历来被人们认为是造型艺术的基础，其重要性是不言而喻的。从西方绘画史考察，素描有其两种意义，其一是练习性素描，其二是画家的素描。
1.练习性素描 ,是学生在学习绘画时采用的一种手段。为了从本质上了解和捕捉描绘的对象（物体），磨练艺术技巧，学生抛开了物体色彩的复杂因素，对物体形体结构作单一研究，其中也自然包括对物体色度的研究。由于研究课题比较单纯，也就较容易人手。这种练习性素描往往画得比较仔细、详尽和深入，画了又改，改了又画，反复地描画。按照西画写实传统，练习性素描要求画什么像什么，不能过于强调主观作用。19世纪俄国美术教育家契斯卡柯夫讲“要忠实于对象”，就是这种练习性素描的着眼点。
2.画家的素描，法国雕塑家罗丹讲：“画家的素描是画家心灵的体现。”画家，意味着掌握了造型基础。作素描旨在探索形象和研究生活，因此这种素描感受的东西就多了。如俄国画家苏里柯夫所搜集的形象类似漫画，人物特征十分突出，而不大注意到素描的准确性。自意大利文艺复兴以来，西方画家在创作一幅油画之前，要作一系列的素描草图和对人物形象进行研究，有的画家面对对象就有创作的因素，其中包括夸张、变形或强调形象特征，主观的感受就成为画家的素描的主要特征。 从西方美术史考察素描，素描有其自身演变的过程。
西方流行这样一个寓言故事，在公元前10世纪有位制陶工人的女儿，一天，在家里冥思苦想她的一个男朋友，她一抬头时忽见这个男朋友的形影在墙壁上，她就赶忙把它勾画出来，然后将人影涂上一层黑色。据说这就是世界上第一张素描，其实后来的考古学家们在西班牙的阿塔米拉的山洞里发现的野牛图和法国加隆河上游的拉费拉西山洞里发现的壁画以及埃及岩画就有这种绘画的特征，这类作品就像剪影似的。后来发展了线描，或黑底白线，或白底黑线，这样素描的表现能力增强了。18世纪发掘的公元前1世纪的庞贝壁画，人物本身已开始使用深浅的表现方法，自然还没有投影、反光等。从艺术的角度看这些作品有厚朴的美感。14世纪下半叫至16世纪，首先在意大利开始而又遍及欧洲各地方的“文艺复兴”，美术出现了蓬勃兴旺的局面。西方的写实能力迅速发展，出现了佛罗伦萨画派的三位杰出画家，他们是达芬奇、米开朗基罗、拉斐尔。由于人文主义思潮的要求，他们都具备了惊人的写实能力，作品进一步生活化，天上的神也画成活生生的人间的人。他们的素描严整工细，人体结构准确无误。由于达+芬奇在解剖学、透视学上的贡献，绘画手段也进一步完善，他们甚至用数学的方法去计算人体结构。达芬奇认为：“绘画涉及到视觉所有的十个特质：明与暗、体积与色彩、形体与结构、距离与接近、运动与静止。”达芬奇还发现了“七一”比例和“线透视、色透视、隐没透视”三种透视规律。由于达芬奇本人是医生，故所作有关人体结构、比例的学说有着可靠的科学性，而一直被人们沿用至今。
19世纪法国古典主义大师大卫安格尔再次重复和发展了意大利文艺复兴时期的绘画风格。其中安格尔在素描教学方面有很多建树，他认为“平面加圆面”就是绘画。安格尔认为“素描——这是高度的艺术诚实”、“在研究描绘对象时，首先必须注意整体，向整体要答案，只有从整体出发，又不忽视细节。形式应当广泛，一定要宽阔些，形——这是一切的基础和条件”。
19世纪的画家们注意研究绘画艺术的美安格尔写道：“要拜倒在美的面前去研究美。”他认为：“要去伪存真，就是靠理智来支配，而理智又未免会在选择上表现出偏执，为要避免这种偏执，只有和美不断地交流。”一个对美没有研究和感觉的画家，是难画出美好的图画的。19世纪法国浪漫主义画家德拉克罗瓦说：“才能不是别的，乃是概括和选择。”罗丹讲：“素描所以美，完全是由于所表达的真实和感情”，“美是到处都有的，对于我们的眼睛，不是缺少美，而是缺少发现”。
历来的文艺家和美学家都在研究美，并把这些美的观点体现在自己的作品里。
亚里士多德认为：“美是一种善，其所以引起快感，正因为它善。”
普洛丁认为：“真实就是美，与真实对立的东西就是丑。”
狄德罗认为：“真、善、美是十分相近的品质，在前面的两种品质上加以一些难得而出色的情状，真就是显得美，善也显得美。”
1820年从希腊弥罗岛上一座倒塌的庙堂发掘中，发现了爱神维纳斯雕像，维纳斯的断臂传说很多。后来的画家、雕塑家试图重新恢复维纳斯的手臂，但均未成功。于是有美学家研究认为这是一种“残缺美”，若完整了反而是不美的。
关于美，历史上不同时期不同流派的画家都持有自己的观点，也因民族、地区、阶层的不同而异，所谓“完整美”、“真善美”、“朴素美”、“原始美”、“华丽美”，“自然美”、“均衡美”、“单纯美”、“对称美”、“强悍美”、“纤弱美”、“残缺美”等。
浪漫主义绘画以动对抗静，以气氛对抗工整，以主观性对抗客观性，以空气对抗严密，以光线变化效果对抗僵化的完美。
西班牙浪漫派画家戈雅认为：“老是只要线，而从来不要体!可是，这些人在自然中哪里找得到线呢?我们看见的，只有一些暗的体和亮的体，由远而近的面和由近而远的面，起伏和空白。我们的眼睛从来都既看不见线，也看不见细部，我的画笔不应当比我的眼力更好。”浪漫主义绘画一反过去古典主义的工整画风，使画面所表现的环境气氛、物体、人物真实可信。古典主义重理性而浪漫主义重感觉。使用明暗块面表现虚实，成了浪漫主义绘画的一个突出的手段。
西方美术史上有拉菲尔的线条、伦勃朗的明暗的说法。明暗虚实手法在伦勃朗的作品中的运用已达到娴熟的境地。伦勃朗并不受自然的明暗所约束，而是根据刻画人物的需要，将光集中于头部或手部或其他着意要刻画的部分。运用自如，神奇莫测，大有中国画大泼墨的意向和韵味。伦勃朗是一位纯粹的画家，他以他的作品向人们展示出他的素描功底之雄厚，乃画坛之巨匠也，以致离开了素描，好像伦勃朗的艺术并不存在似的。伦勃朗这位绘画史上罕有的大师一生坎坷，晚年孤贫潦倒，终年时为人们留下了珍贵的文化遗产，其中就有他的不朽的素描。
自意大利文艺复兴到19世纪欧洲的绘画，写实手段已臻于完善。我们这里还要提到17世纪西班牙绘画大师委拉斯贵支所作《教皇英诺森十世像》，挂在教堂的中央，以致教徒在经过大厅时说：“轻声点，教皇坐在里面哩。”
由于科学的发展和社会思潮的变革，19世纪法国出现了印象派，这给西方绘画带来了新的生机。他们冲出画室，走向大自然。印象派的素描除继承了古典素描的传统外，自身也有了新的发展。由于在色彩学方面的新的研究，人们开始用点来作画。修拉算是一位用点作画的代表。19世纪是欧洲画坛最活跃的年代，新秀辈出，群星荟萃，绘画流派五花八门。本世纪30年代初现代派充斥了西方画坛，但西方正统的美术学院仍十分注意严格的素描教学，如法国素描教学十分注意对体的表现，罗马尼亚十分注重形体结构解剖的研究，美国十分强调培养锻炼学生的造型能力。据说西方现代派画家举办展览，其中必须有一两幅写实作品方能被人承认为画家。
毕加索早期也是一位自然主义画家，有很好的写实功底，这说明要成为一个有名的画家，必须经过严格的素描训练。
19世纪以来西方画坛上的艺术家们常有“天才是不用教的”、“不用拜师学画”和“抛弃腐朽的学院派法则”，甚至“不用学素描”等议论，但他们实际上在怎样“教”和怎样“学”的问题上持有自己的观点。
德拉克罗瓦是一位主张“采用虚构手法”的浪漫主义画家，他说：“素描画家和油画家的任务：第一是从正确地勾出线条开始工作，第二是以有层次的色调结束工作。简单地说，首先应该训练学生的眼睛，而不是头脑。”
画法是多种多样的，学画的方法和途径也是多种多样的。卡芙夫人有一段很有教益的论述，她写到“要研究这些伟大的天才的不同之点，他们之中的一些人站在第一位，其他人站在第二位，但是他们全都创造出很好的作品，每个人都有值得我们学习的地方，因此我劝大家不要有片面性。许多艺术家的失败，仅仅由于他们只接受某一种画法，而指责所有其他的画法。必须研究一切画法，而且要不偏不倚地研究。”
中国画家认为学画者“必先攻其一家，然后博览众长”，也是十分有教益的。
我国正式接受西方绘画并作为国人之画种是在本世纪之初。先驱者李叔同从日本学得西方绘画的素描及油画制作方法，回国后任教于浙江两级师范学校教授西画，教学方法采用室内写生和野外写生并开始上人体课。后有徐悲鸿、唐一禾等人留学法国学习了法国之素描和油画，回国后徐悲鸿先后执教于杭州艺专、国立艺专和中大艺术系。唐一禾创办了武昌艺专，与此同时也有刘海粟等人创办了上海美专。由于西方绘画的科学性强，因此对解剖学、透视学、观察分析、理解和表现一系列的课题要进行一系列的研究和学习。
徐悲鸿致力于素描教学，1932年他写了一篇《新七法》，摘要如下：一、位置得宜；二、比例正确；三、黑白分明；四、动态天然；五、轻重和谐；六、性格毕现；七、传神阿睹。徐悲鸿对如何处理黑白层次有独到 的提法，他说一幅画有十个层次就不错，假定高光是一，最暗处是十，其他调子顺次安排，关键在于层次分明。他反对光鲜，粉饰画面。他主张“宁方勿圆，宁拙勿巧，宁脏勿净”。
中华人民共和国成立后，我国于20世纪50年代主要是向前苏联学习，还请来了前苏联专家马克西莫夫和罗马尼亚专家博巴分别在中央美术学院和浙江美术学院进行教学。他们的教学各具特色，如马克西莫夫主要沿用俄国19世纪美术教育家契斯卡柯夫的教学法，另外强调深入生活多画速写。博巴在素描教学中十分强调结构解剖和形，主张画人体要先打开后合拢，先里后外，一丝不苟。
前苏联在19世纪的俄国时期已形成自己的教学体系。这是以契斯卡柯夫为主导的契氏教学法。其核心是科学性和思考问题的周密性，他主张由浅入深，循序渐进。教学先经过石膏几何模型、静物的训练，然后进入石膏人像。头像和人体，每阶段的作业也是由简到繁。契斯卡柯夫认为“作画必须要有顺序”，必须从整体出发，逐步深入局部，然后从局部回到整体上来。必须研究画者、环境、光源和物体四方面的关系。还要深入研究解剖学和透视学，契氏教学法对我国美术教学影响巨大。这就好像表演艺术受斯坦尼斯拉夫斯基的影响一样，俄国在这种教学法的指导下出现了像列宾、苏里柯夫、谢罗夫一代巡回派的画家，以及后来的格拉西莫夫、约干松等。
认为契氏教学法是一种单纯的明暗法还不十分确切，如果与博巴教学法对照看，契氏是一种由表及里的方法，而博巴则是由里及表的方法。笔者认为每一种理论都不是万能的，都会有其自身的长处和短处，如何吸取一种理论之长而避其之短，这是十分重要的。
所谓明暗画法、结构画法、体块画法以及其他诸种方法，都要因时因地因人的不同加以选择。要善于吸取各流派的优点，并认真研究它们的共同点和不同点，譬如说所有画法都希望克服作画的被动局面，都非常重视“形”。即使在变形时，更要注重“形”，不认识“形”又如何变“形”呢？
笔要使素描学习有成果，应注意两点
（一）尊重科学，重视基础，把握住学生脑、眼、手的实际训练，由浅入深，循序渐进。
（二）尊重各流派的经验，作各种试探性的教学和研究，吸取精华，为我所用。
爱因斯坦曾断言：“成功=正确的方法+艰苦的劳动+少说空话”，这大概也适用于学习绘画吧。
素描的根本任务是要解决认识和表现物体的形体结构问题，但其中还要解决一系列的课题，如构图、基本形体、明暗调子、块面分析、特征的表现、表现手法、解剖、透视、比例等。课题甚多，但课题只能一个一个地解决。笔者认为可以根据作画的顺序、程序、步骤，分阶段地进行练习。也就是每一阶段应有每一个阶段的明确要求，每一张作业有每一张作业的要求。一个阶段只要能有效地解决一两个课题，那最终就可以完善地解决素描中的一系列问题。
素描练习是练脑、练眼、练手的过程，要积极地思考问题，要运用正确的观察方法和处理方法，要多想、多看、多画，要研究观察、理解、表现这三个方面的问题，要不断克服作画的被动性，方能达到良好的训练效果。
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