文/贾云龙
影楼拍摄客照的基层摄影师大致可以分为两种，一是努力想要改变的，这类摄影师比较活跃，喜欢思考和交流，对摄影感兴趣，也愿意付出更多的时间与精力去学习。而更多的人会趋于墨守成规，按部就班，对于新风格、新形式不敏感。他们的从业时间往往较长，丧失了很多热情，渐渐把摄影看做一份纯粹的工作
无论哪一类摄影师，最大的问题仍然在于技术基础比较薄弱，更加欠缺的则是审美水平。这导致他们无法从实际工作中获得更多的养分，换句话说就是：缺少自我学习的能力（收集、总结、分析）。于是那些从业时间较短、抱有进步热情的摄影师最后也都慢慢地变成了影楼行业的“老法师”。
比较理想的短期基础培训，应该是理论对应拍摄，再从实践中发现问题、总结问题，然后由此反推理论，使他们可以更好地理解所学到的内容。
我个人从事摄影基础教学十多年，应该说，这类短期基础培训是地基中的地基。事实上，目前的影楼摄影师大半都经过这样的培训，最起码是作为从小白到可以求职助理的扫盲环节。
如果一定要说，“扫盲”所需的最短时间。我认为如果课程安排非常合理、紧凑，能够做到理论联系实践（可以保证较大的拍摄量），那么两个月就可以。
具体来说，短期基础培训要从技术和理念两个大方面进行。最好的课程配置应该是半天理论，半天带拍，晚上看片分析。对于扫盲式教学，一定要随讲、随拍、随指导，没有具体操作，任何知识和概念都是空谈，即便死记硬背，也无法应用于实践。
当然，人才缺失问题在培训行业中同样存在，培训模式的变化，有经验的教学人员断层，由此产生的影响可能比我们所以为的要大得多。
摄影从技术层面来讲无外乎点、线、面、光、影、色，基础打扎实了，才能构建自信，从而在拍摄上随心所欲。当然，“所欲”会因各阶段审美观的不同而有不同的层次。我们现在所谓的“有基础”，其实就是一个模式。要先学会大的“形”，然后再往里面加细节。任何创作都是这样，先大刀阔斧，再精雕细琢，反之则为本末倒置。也就是说，技术跟观念一定要同步。观念从哪里来？照片看得不够，分析思考不够，怎么可能无中生有。
这里简要列举一下我个人使用的部分教学提纲，希望能够给大家提供一些参考。
主要包括各类模式、画质、色彩空间以及白平衡的选择控制等，相机设置是摄影师的基本功之一。比如画质选择，要让学员了解RAW格式与JPEG的区别，为什么原始格式保留更多信息，有更大的后期调节空间（尤其是曝光、色调调节等方面）。
这里实际是针对于影室闪光灯的理解和使用。因为现在很多摄影师不会使用测光表测光，仅仅依靠相机显示屏判断曝光。这样就不能通过量化的数字去控制光比以及影调，而完全凭借个人经验，因此曝光控制的精准度就被大大降低了。
至于影调，我们听过太多摄影师说：白背景拍不白，黑背景拍不黑。这是典型的基础薄弱的表现。因为不了解相机的曝光宽容度，也就无法按照自己的意图去控制主体和背景之间的光比系数，所以拍不出高调、中间调或者低调的原片。
光圈：f/13，速度：1/160s，ISO：100，焦距：78mm
在摄影语言中，光线的作用不仅仅是用来对主体进行造型那么简单，很多时候，我们需要把光线的多种要素结合在一起控制，才能体现出更为直观与立体的形式。掌控光线，需要对光向、光强、光比、光质和光色的综合控制才能更好地使之为照片服务。重点在于用光造型的同时，要把人物性格体现出来。
很多摄影师掌握了一些用光套路，之后不管遇到什么情况，都会把这些套路直接罩上去。于是场景、人物变化了，但是他使用的光型都一样。这种思路完全不可取。无论什么风格样式，都不可能一光到底。时代发展，人们的审美眼光有了巨大的飞跃，死板的用光没有任何生存空间。
在色彩控制的环节中，色彩搭配是每个摄影师的必修课。除此之外，各种色彩的象征意义和色彩所体现出的性格因素却往往为大多数摄影师所忽略。对于一个用色高手来说，这才是色彩控制的关键所在。
光圈：f/1.2，速度：1/125s，ISO：100，焦距：85mm
强调光和色的结合，即光线由什么组成？光线如何影响色彩？如何通过光质、光强、色温等方面的控制，准确还原或改变固有色，达成我们需要的视觉效果。
有光才有色，光线强度会影响色彩的明度，可以使同一色彩产生不同的明暗深浅变化；光线的色温值也会直接影响色彩的还原。没有对光线的控制，就谈不上对色彩的把握。
光圈：f/10，速度：1/125s，ISO：100，焦距：95mm
我一直都在课程里强调，取景是审美，构图有方式。一个摄影师不会取景，就谈不上构图形式的选择。我会建议摄影师多看优秀的影视作品，揣摩里面的取景角度和构图形式的选择，这样可以在很大程度上避免千篇一律。
光圈：f/2.8，速度：1/800s，ISO：100，焦距：85mm
光圈：f/1.4，速度：1/1000s，ISO：100，焦距：85mm
审美是渐进的过程，如果说基础技术还可以讲，那么审美一定要靠自学，只有自己体悟才能真正有所获益。
在培训之初，我一般会先建议他们去找自己喜欢的照片。因为学员往往没有接触过摄影，这种收集是非常初级、非常杂乱的。然后我会用自己以及“库存”的好照片给他们看，分析不同类型的特点、商业价值、如何升华等。当他们有一些积累后，可以再让他们梳理自己喜欢的几种风格的汇总，了解他们的兴趣点，进而做观念上的沟通。
这里谈的就是摄影的感觉和对影像细节的把握程度。一个具备较高审美水平的摄影师，一定会有比常人更为敏锐的眼睛（眼界、视角）去捕捉生活中的种种细节，为影像所用。
多看国内、国际著名摄影师的作品，分析摄影师的表现意图，找到引起自己产生视觉共鸣的点。有机会多与优秀摄影师交流心得体会，这是在自身基础比较扎实稳固的前提下取得迅速进步的最佳途径。
所谓常规，就是某些自我圈定的规矩。在个人的提升阶段尤其会受到这些陈规滥调的影响。我会鼓励他们，尝试着走些摄影应用的极端，比如机位的高低选择，比如色彩的鲜晦搭配等。目的在于拓展眼界，放开手脚。
要有稳固与扎实的基础，照片才会随着观念的转变而产生千变万化的表现形式。“眼高”谁都会遇到，“手低”则是诸多摄影师的通病。我们要善于在拍摄中不断总结经验，不断加强有目的性的拍摄，这就是自学的能力，唯此终会有形成自我风格的那一天。
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