现在来谈一下关于观念摄影和其他艺术摄影在网络和数码技术出现之后的情况。首先，需要指出，当代艺术摄影深受1960年代意大利出现的“新现实主义”和法国的“新浪潮”电影影响。这两个电影流派，不强调传统电影注重情节、动作和对话，而是强调心里分析、电影语言和技巧，传统的电影都是对话很多，包括国内的很多电影都是通过对话才能把故事讲清楚，通过动作才能把剧情交代清楚，大家比较习惯于观看这种方式拍的电影。
上世纪60年代，意大利和法国出现了利用长镜头和空镜头手法拍摄的电影。长镜头不是指我们使用的长焦距镜头，长镜头是摄影镜头对准一个画面，然后就不动停留一分钟甚至更长时间，就让画面里面的人物表演，比如对准一个脸部，让表情的变化来反映这个人物的内心状态。日本电影导演小津安二郎，意大利的安东尼奥尼，法国的让·吕克·戈达尔，台湾的侯孝贤《悲情城市》，蔡明亮《爱情万岁》，以及中国的贾樟柯都采用过这种手法。这种拍摄手法出现以后，就对摄影产生了影响。
传统摄影是135相机出现以后，去抓拍街头摄影，因此出现了快照美学；到了70年代时，快照美学和街头摄影已经十分成熟，中间有布列松的“决定性瞬间“，罗伯特·弗兰克的 “非决定性瞬间”，一直到1967年美国现代艺术博物馆的“新纪实”摄影展两个主要人物李·弗里德兰德和格里·威诺戈兰德，都是用135相机去抓拍街头摄影。
但是到70年代，艺术摄影，包括新闻报道摄影，用135相机和快照美学这种方式去拍摄已经达到了极致，当时所面临的状况是，大家不知道怎么往下拍，有点彷徨，就出现了一批由文学出身的摄影家，他们受欧洲电影的影响，就开始拿8×10大画幅相机开始慢拍。他们的作品不是瞬间抓拍的，而是一个有持续观看后拍摄的影像，这种照片是观察之后找到最佳的地点和视角用大画幅相机把它拍摄下来，这种拍摄方法的美学和传统的快照美学是不一样的。
因此，在1970年代就出现了加拿大著名摄影艺术家杰夫·沃尔，他自称是采用 “近实摄影”（near documentary)方法拍摄。杰夫·沃尔不带相机上街的，他是在街上边走边观察，比如他看到路边有三个年轻人，坐在树下聊天喝饮料，这些年轻人身上有刺青，他路过的时候觉得这个画面是一幅很好的作品，就记在脑子里面，之后他专门去找了三个模特，到他所选定的一个场景，根据他的记忆重新建构了一个场景，然后摆拍了一张很像他所看到那个画面的作品。
这种像拍摄电影的导演手法，是靠记忆重构一个场景来拍摄的，所以杰夫·沃尔认为他所拍摄的作品也是纪实的，只不过他是接近于现实的。杰夫·沃尔受电影的影响，他的作品是用灯箱来展示，所以他在探讨电影与摄影之间的关系。美国女摄影艺术家辛迪·舍曼也是受电影的影响，她根据好莱坞电影和美国电视里的典型女性角色的画面，自己扮演这些人物，来反映娱乐文化对妇女的陈规定见，以及大众对现实生活中角色的虚拟幻想。她是美国“图片一代”（Picture Generation)运动的代表人物。
杰夫·沃尔和辛迪·舍曼都是在70年代的杰出人物，他们都是用摆拍来重构现场。美国有一位评论家叫麦克·弗里德（Michael Fried ） ，他在评论杰夫·沃尔的作品时认为，杰夫·沃尔是在模仿十八世纪和十九世纪法国许多画家的作品手法，他发现法国画家在这个时期画人物时，这些人物都没有看观众，画里的人物都沉静在自己的世界里，或者是在思考事情，他称这种画法为 “反戏剧化”。
所谓的“戏剧化”是画面里的人物跟观众中间有一种交流，就是观众在看作品的时候，画面中人物的眼睛也在看观众，就像舞台上演员和观众是有交流。“反戏剧化”正好相反：画面里的人物沉静在自己所做的事情和他思考的内容里，他跟观众中间没有交流。麦克·弗里德认为杰夫·沃尔是采用了法国画家的这种手法在进行创作的。
例如，杰夫·沃尔的这幅作品名叫“为女人拍照”，他是受马奈作品的影响，杰夫·沃尔在拍他的作品时候都是有一定的根据，不仅是根据他在街上所看到的一些场景，更多是通过传统的名画得到灵感。马奈这幅画里，前面这个吧台侍女背后有一面镜子，这个镜子里能看出来最右边有一个男子，正在看这个吧台侍女，这个吧台的女人可能也注意到有一个男人在看她，所以她不好意思；她的眼神跟观众并没有交集，她实际上是沉静在自己的思想里面。
沃尔看到这幅画得到了灵感，他就拍了这么一幅“为女人拍照”的作品，这幅作品同样找了一个模特站在台前面，背后也是有一面镜子，通过镜子的倒映我们能看出来中间有一个中画幅相机，这个女人的眼神跟观众没有对接，她实际上是在看相机的镜头，边上有个摄影师是在看这个女人，这三者之间的关系，实际上跟马奈那幅画的关系很像，中间有两个架子，实际上又把这幅作品分成三个部分，就像许多艺术摄影要把画面并置在一块。这幅作品是杰夫·沃尔一幅非常有名的作品。
接下来介绍杰夫·沃尔另外一幅作品，这幅作品他花了将近一年时间才完成，他首先给了这幅作品画面中间这位女士一笔钱，请她到加拿大一个港口城市去租了一个公寓房，然后让这个女士去买一些家具在这个房间里住下来，适应这个地方的生活，之后杰夫·沃尔就回到这个房间来观察不同季节和不同时段的光效，这幅作品中窗户本身就是一幅画，从窗户外面能看到港口的景色。
他发现最好的效果是太阳快下山的时候，他就让这个女人在房间里不断走动，不要看照相机，沉静在自己的思想里面，好像她刚洗完衣服，正在折叠衣服这么一个场景，看上去是日常生活抓拍来的瞬间，但他又是用大画幅相机摆拍出来的，由此可见杰夫·沃尔做一个作品要花费多少的资金、时间、精力才能把它创作出来，这个作品叫做近实摄影，这个跟135相机抓拍的手法完全是反其道而行之的。
这幅作品属于辛迪·舍曼所拍摄最早一组作品，叫“无题电影剧照”，她是扮演电视或者电影中的一个人物，这个人物在现实中、电视中其实不存在，可是你又觉得她好像在电影里面看到过，而且她都是自编、自演、自导。
现在这幅作品也是辛迪·舍曼拍摄自己的一幅照片，这幅作品在一个月以前纽约克利斯蒂拍卖行春拍卖出389万美元，成为最贵的摄影作品之一。可以看出照片现在可以拍卖出跟绘画相当的价值，说明照片的地位实际上已经提高了非常多，已经可以跟其它媒介，包括雕塑、绘画、装置艺术开始比拼。
接下来介绍另外一位摄影家叫菲力普·罗卡·迪科西亚，他也是受电影的影响，通常是在街道上拍摄，他其中一系列作品是在世界各大城市中的主要街道，比如纽约时报广场附近的42街上，预先把灯光安置在街道的某一个地方，然后用长镜头来拍摄街上的行人，他将街道变成了像剧场一样的工作室。他的相机与灯光是连动的，他按下快门来后，灯光就能闪下来。他的作品观念是预先就想好的，菲力普·罗卡·迪科西亚、杰夫·沃尔、 辛迪·舍曼这些人是观念艺术家，他们是先想到怎么拍，然后再去实现它。
这幅作品是迪科西亚到美国西部，洛杉矶、拉斯维加斯这些地方去找街上无家可归的一些人，然后请他们来做他的模特，甚至付钱给他们，比如说这张照片他在图片说明中写着30美元，就是当时请模特拍的时候给了他30美元拍摄。但是你在看这个画面时候，感觉这张照片好像是抓拍的，其实完全是摆拍下来的。
观念先行和摆拍已经成为现代摄影一个大的趋势，彩色摄影和大画幅也是趋势。黑白摄影现在反而不流行。在国内黑白摄影仍然是一个趋势，很多摄影师在彩色摄影拍完之后还要把它变成黑白摄影，才认为是艺术的。这个其实跟整个国际上的趋势是脱轨的，国际上现在很少用黑白摄影，基本上全都是用彩色摄影。
彩色摄影的色彩还原，色彩的把握其实某种意义上比黑白摄影的难度更大。有人认为你要从黑白摄影毕业到彩色摄影，彩色摄影难度更大，我觉得国内的摄影师应该尝试用彩色摄影，如何能够不把彩色摄影的饱和度拉到中间度才能显示自己是艺术的， 换句话说，就用彩色摄影本身的颜色看你能不能拍出来非常好的作品，这是一个挑战。
格雷戈里·克鲁森是美国的另外一位摆拍摄影家，他是开着车先去找场景，找到场景后他找整个摄影团队来制作道具、布景、灯光等等，就像拍电影一样来拍摄一幅作品。
最近有个年轻摄影师叫亚历克斯·普拉格，她从小在洛杉矶长大，她受希区柯克悬念电影的影响，也是借用电影的手法，但是她跟前面提到的其他几位摄影家都是一样，都是拍摄单幅作品。普拉格的作品像电影中的一个剧照，没有故事的开头和结尾，她的作品是开放性的画面，大家可以去想象这个女人到底出了什么事情？她到底在想什么？
所以，单幅照片的魅力与动态影像之间的不同在于它能够让大家去阅读，动态影像太快，当然也可以把它倒过来反复看，可是它仍然跟单幅照片是不一样的。我想跟大家提出一个问题，这种挪用电影的手法，但是没有与动态影像结合，只是挪用电影的手法创作出来的作品，专门供在博物馆或艺廊墙上展出，叫“墙上摄影作品”，是否才是摄影能够跟其它类型媒介竞争和独立存在的有效办法？
我个人认为，如果静态影像跟多媒体在一块，跟动态影像在一块，而且是按照电影而非摄影的美学去制作，很可能就像当年摄影在模仿绘画一样，会丧失摄影本身的个性和本质。而像观念艺术摄影这种挪用电影的方法，但是它做出来以后是在博物馆或者画册里面展示，而且是用大画幅来展示，这种效果已经可以跟绘画并置展出，来进行比拼，这是否才是使摄影更有效地继续生存下去，并跟其它媒介进行竞争的一种手段？
从2000年开始，瑞士洛桑爱丽舍博物馆每五年做一个展览，是征集世界各国艺术院校学生的作品，展览的标题叫“继往开来”，这个展览已经做了两届，这两届摄影展作品都在平遥国际摄影节展出。从这个展览征集到的作品发现，世界各地艺术院校的学生现在基本上都不用街头摄影进行创作，因此街头摄影现在的确是比较少用的一种方式。
但是城市摄影肯定主要是要在街头上拍摄，所以城市摄影如果不用135相机在街头摄影抓拍的确是很难。像上海这种城市怎么去拍摄它，的确是一个很大的挑战。我个人认为在中国当下城市化巨变的时候，城市摄影是非常重要，怎么去拍城市摄影，是摆在大家面前尤其是上海摄影家面前的重大挑战，大家应该好好思考一下。
因为数码技术的出现，纪实摄影其实已经变得越来越主观，包括新闻报道摄影也变得越来越主观。最近纽约摄影节上展出一个爱尔兰裔摄影家理查德·摩斯（Richard Mosse）作品，他最近拍了一个项目，专门跑到美国与墨西哥边界去拍摄偷渡移民的生活状态，他刚开始去拍的时候，发现边境上偷渡客留下的一些垃圾，或者他们曾经睡过的地方，后来发现这些东西很难找到，有些垃圾没有办法确定是不是这些偷渡客留下的。
之后，他就索性来摆拍，自己去建构场景，带上一些道具到边境去营造一些遗迹，然后去拍摄了一组作品，这组作品很难界定是属于什么类型的摄影，他是在反映偷渡客这些人的生存状态，他们的恐惧和愿望等。所以摄影已经不仅是观看的结果，更多的是观念的结果，这种情况下该怎么办呢？
我个人认为，除了新闻摄影必须要保留它的底线不能去修改以外，其他的摄影因为有了这么多的技术，实际上给我们提供了更多的可能性，在这个越来越虚拟的世界中，摄影已经不是单纯地再现现实世界，摄影其实已经到了利用各种手段来模仿现实世界，来探讨虚拟与真实之间的关系，以便更加深入理解真实的阶段，当代摄影已经不仅是用来发现世界，而更多是用来诠释世界和理解这个世界。
廖健行（Jeff Liao）是台湾摄影家，他是用大画幅相机沿美国纽约7号地铁拍摄，这个地铁是经过皇后区，从华人社区法拉盛一直到曼哈顿的时报广场，沿途每一站他都找一个地点，然后用8×10相机来拍摄，他在一个场景通常会拍10幅甚至更多，之后花大量时间把大画幅照片中的不同元素组合成一幅作品，他每一个场景画面里面的每一个人物，每一个东西都是真实的，但最后的作品是虚构出来的，所以你也不能说这个作品是假的，它的确也是一个虚拟的纪实摄影作品，叫“7号生活圈”。
下面我给大家介绍一下其他一些艺术家用数码技术创作的作品，这个作品是德国一个女艺术家洛雷塔·勒克斯（Loretta Lux），她原来是学绘画的，后来她用摄影来拍摄一些儿童，利用数码技术把这些儿童并置到她所画的画里面，这个眼睛是做过手脚，非常大。她的这组作品是比较成功的一组利用绘画和数码技术来进行创作的作品。
西蒙·约翰（Simen Johan）是在挪威出生，从纽约视觉艺术学院毕业，而且长期住在纽约的一个摄影家，他的作品探讨真实与虚构的主题。比如这张照片看上去又像虚构的，但又像真实的，这个动物实际上是真的，但是他在这个动物不动的瞬间把它拍下来，你刚第一眼看是真的，后来你又觉得这个很像动物标本，再一看眼睛其实还是真的，让你感觉是真实和虚假之间。
德国艺术家弗洛里安·梅尔-埃臣（Florian Maier-Aichen）是与德国的 “杜塞尔多夫学派”相反，大家知道该学派是在贝歇尔夫妇的教育下，采用非常客观的类型学手法来拍摄。梅尔-埃臣是在美国加州大学毕业，他采用的是主观的方法，在一个很高的地方就像航拍的方式，用俯瞰的角度在拍摄一个景观，拍摄完之后他用数码技术把它做了手脚，例如这幅拍摄洛杉矶城市的照片，你感觉这个城市没有人气，像一个大的灾难过后的场景，非常让人可怕，是经过数码技术处理过的。
克雷格·卡尔帕克简（Craig Kalpakjian）完全利用建筑业的软件来虚构一个场景，这个场景像星期天的办公室，下班以后没有人气的一个走道，这个不是真实的场景，完全是用三维软件虚构出来的。
杰夫·韦斯（Jeff Weiss）也是用软件做出来这幅作品，所以现在完全可以不用相机拍摄，你通过因特网或者软件可以把图像合成、并置，重新再建构出新的一个场景，艺术摄影以后甚至连相机都不需要了，也可以来创作。
安妮·利博维茨是美国著名的环境肖像摄影家，她在拍摄英国女王伊利莎白二世的时候，被告知伊丽莎白女王不会到花园去拍摄，她只能在室内拍摄。安妮·利博维茨去拍摄女王之前，发现她后院的天气乌云密布，就像一幅油画一样，所以她当时就把这个场景拍下来，之后在室内用背景布拍了女王的一幅肖像照片，事后用数码技术把两张照片合成一幅作品，现在肖像摄影也有用数码技术在合成。
麦克·汤普森是已故著名美国时尚摄影家欧文·佩恩（Irving Penn）的助手，他摄的这幅作品是美国胡佛大坝，这个模特并不是真的站在这个非常危险的地方，他也是拍两个场景然后用数码技术把它们并置在一块，所以时尚摄影用数码技术合成是一种常见的情况。
这幅作品是纽约视觉艺术学院的一位教授佩内洛普·昂布里科（Penelope Umbrico）创作的。这幅作品两年前在平遥国际摄影节展出。2006年起，她从Flickr网站上下载每天上载的落日照片，从中截取太阳把它拼接成一幅作品 ，她一直不断在创作这组作品。现在她又从eBay上去下载人们传到上面卖的电视照片，然而并置成一幅作品，另外她发现很多人拍电视的照片是在自己的卧室里拍摄，有人甚至是裸体的，因此，就变成一个自拍像。这种完全是从因特网上下载现成的照片去创作的例子，可以称作因特网艺术。
我们现在这个时代已经到了不用相机，照样能够创作出艺术作品的时代，艺术摄影如何能够利用数码技术和因特网以及摄影本体的语言来不断进行创作，并能产生有力量的作品，是当代艺术家所面临的重要使命，因此如何能够寻找到各种崭新的观念和方法来重新确定摄影与现实之间的关系，从而重新界定摄影的含义，我认为，这才是摄影仍然有力量的关键，谢谢大家!
选自：瑞象视点
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