摄影是主观的？摄影是客观的？时至今日仍有人在争论。对这个问题的认识与否，恰恰是摄影师的一个门槛。认识了，我们就走进了摄影之门；不认识，就永远不知道摄影是什么。（摄影的分类一直很混乱。为了叙述方便，我们把它笼统的分为两大类：商业摄影和艺术摄影。我们这里主要谈的是艺术摄影。）
摄影只是客观的再现吗？
在全民拍照的数码时代，每一天，世界上各个旅游景点的照片都以数亿记的规模在网上传播；微博、微信上的照片也是铺天盖地、汹涌而来，但是好的照片寥寥无几。因为照相不等于摄影；照片不等于作品。就像照相机已经发明近200年了，而且早就普及到了各家各户，但是，200年来可以被称为摄影师的还是极少数人。科技的发展使得用手机、数码相机拍照变得越来越简单了，拍照的门槛越来越低了，但是照相器材的好坏并不是摄影的决定因素，成为摄影师的门槛反而越来越高了。因为，当技术变得越来越简单的时候，摄影作品的价值就更加体现在社会性、思想性、审美性、创造性上；因为，摄影自始至终、从头到尾都是主观的事儿。
摄影师对相机的设置是主观的。大部分人用手机和相机拍照时设置的是自动程序（像胶片时代使用的傻瓜相机），拍出来是什么样就是什么样，他们把决定权完全交给了相机，失去了自己的主观控制。而摄影师在拍照前会有一系列的主观设置，比如：色彩空间会选择Adobe RGB，以确保最大的色域范围；拍摄格式会选择原始数据RAW，以确保影像的品质和生成后期可以任意调整的数码底片；拍摄模式通常会选择手动模式M档，为了自己调整曝光三要素：光圈、快门、感光度从而实现主观地控制影调、景深、虚实、画质等目的。
拍摄时的主观控制。摄影师在按动快门前脑子里都会思考这些问题：我的主题是什么？主体是什么，陪体是什么，怎样构图才是最强烈的观看方式？使用什么焦距，全景、中景、远景、还是特写？是平视、是俯视，还是仰视，机位在哪里？要大景深还是小景深，哪里实哪里虚？是顺光、逆光、还是侧光，现在是最佳光线吗，用什么方式测光，怎样实现我要的影调？画面的点线面构成、色彩构成有审美价值吗？预想的画面是什么样，后期还可以做什么？这一系列的观察与思考、判断与选择决定了是否按动快门。这个过程逐渐会变成摄影师的下意识行为，是在一瞬间完成的。显而易见，这个思维的全过程都是摄影师的“我”在主观的控制着。
拍什么？更是由摄影师的主观意志确定的。拍什么？我的摄影定位是什么？这是我想做的事情吗，是我自己的生命感悟吗？这是我的创意还是在重复别人的语言？这事情对我、对社会有什么意义？拍什么的问题实质上是对摄影对生命不断审视、不断追问的过程。当你拍摄风景时，是什么让你在延绵不断的时空里把“这一块”裁剪出来，是什么让你触景生情，你是想表达一种情绪，还是想呈现一种审美？当你拍摄纪实时，是什么让你把镜头对准了这群人？你想表达什么，你将用什么方式呈现你的作品？它的社会意义是什么，它的审美意义又是什么？只要你想到“拍什么”的时候，这些问题就会一直在你的脑海中碰撞，这整个的思维过程都是主观的。
当你从客观的时空中“断章取义”的凝固某一瞬间的时候，已经是在“自说自话了”，因为你给别人看到的只是一个瞬间的影像，没有前因后果。那不过是你想凝固的瞬间；那是你自己主观的意像；那不是事物的真相。就像那张著名的新闻照片：画面是一个美国士兵在给俘虏喂水，观者的感受是善待俘虏。其实没有被放进画面的是另一个美国士兵，正用一把枪顶在这个俘虏的脑后，他们在强行给俘虏灌水。所以，即使是纪实摄影、新闻摄影，观者看到的也是摄影师想给你看到的“主观的真实”而非现场的“客观的真实”。所以摄影不是客观的再现，摄影从来就是主观的表现。
摄影要不要做后期？
在胶片时代，照片的后期处理是在黑暗的屋子里进行的，那个时候我们把它叫“暗房”。今天，摄影早已进入了数字时代，照片的后期处理是在电脑上通过图像处理软件完成的，我们称其为“数码暗房”。Photoshop是最强大图像处理软件，Ps是Photoshop的简称。我们常说的这张照片Ps过了，意思就是用Photoshop软件处理过了。
月升
照片要不要Ps ？这是一个长期困扰着摄影人的问题。有些一直玩胶片的摄影人总是爱说：“现在的照片都是Ps的,我还是喜欢胶片时代原汁原味的摄影。”其实，他们所说的原汁原味的摄影从来没有存在过，胶片时代流传至今的摄影名作都是暗房的产物。诚如胶片时代的巨匠安塞尔·亚当斯的名言：“底片是乐谱，印放是演奏”一样。亚当斯在晚年回忆起创作《月升》时说：“尽管多年来制作过无数张《月升》，但是可以肯定地说，它们没有完全一样的。”随着时间的推移，技术能力不断积累、生命感受也在不断变化，使得他每次印放《月升》的时候都会有新的想法，都会赋予作品新的面貌。所以，一张优秀的摄影作品不仅是高超技术的产物，更是摄影师此时此刻心灵的映照。
亚当斯不仅在前期拍摄时用他的“区域曝光法”控制影调，在暗房里后期制作时仍然用“区域曝光法”继续完善他的作品。“区域曝光法”本来就不是想如实的还原眼睛看到的景像，而是要实现他心里想要的影调效果。所以，即使是胶片时代的摄影巨匠，摄影的前期和后期都在他的主观的掌控之中，而绝非是客观的再现那么简单。
胶片时代的另一位大师亨利·卡蒂埃·布列松，提出了“决定性瞬间”的理论。他说：“世界上没有任何事情没有其决定性的一瞬间。在几分之一秒的时间里，在认识事件意义的同时，又给予事件本身以适当的完美的结构形式。”这是多么主观的理念啊。因为是否“决定性的瞬间”，对事件意义的认识以及是否是完美的形式，没有一个客观标准，都是摄影师主观的判断，都是摄影师赋予这个瞬间的。
有人说布列松拍摄精准，从不做后期，拒绝裁切照片，其实只是个传说。他的好作品也是在成堆的废片里选出来的；他也有自己专门的暗房师；他的照片后期也是要经过主观再创作的。
《在圣拉扎尔火车站后面》1932年 布列松
一位男子跳过水坑，和身后海报中女郎的舞姿极为相似，相映成趣，而男子身旁地上断裂的铁箍像一个“C”。这就是布列松的几何构图、决定性瞬间、现实与超现实。玛格南摄影大师菲利普·琼斯·格里菲斯认为，这张照片寓意深刻，象征着“欧洲跳向未知”。但是这幅照片，也是经过后期二次构图形成的。
未裁切的原作（左）和最终作品（右）
未裁切的原作人物较小，且画面左边混乱，近乎废片。经过裁切，拉近了人物，强调了画面的形式感。
从这两位大师的身上我们可以看到，胶片时代的摄影作品从前期到后期也是主观控制的产物。胶片时代都是如此，何况我们拥有更强大的图片处理软件的今天。其实，当代摄影是一个全程控制的过程，“数码暗房”是其中的一个重要的环节。当代摄影人不会利用图像处理软件对自己的作品进行主观的控制，那是不可想象的。后期调整照片，熟练地技术固然重要，更重要的是你要知道把照片调整成什么样。这需要你的眼光来决定，而你的眼光又是你的认识决定的，你的认识来源于你的综合素质，你的综合素质来源于你方方面面知识的积累。所以，今天的摄影师应该具备五种能力：第一，对照相机的熟练操作能力；第二，对图像处理软件的熟练运用能力；第三，对摄影语言的轻松驾驭能力；第四，对视觉艺术的审美能力。第五，对生活的感受能力。
摄影是什么
摄影是艺术家传情达意的媒介。当代优秀的观念摄影作品，都是对现实世界的深度思考，照相机只是获取素材的工具。摄影师通过前期的装置、行为；通过后期的艺术重构，创造出新的审美样式，以此表达自己的艺术理念。今天的纪实摄影更多的指向了社会问题，对某一问题进行更有深度、更有力量的系统呈现。与此同时，纪实摄影也要求具有艺术素质；有新的形式语言；准确的信息、鲜明的态度；要具有审美价值。所以，观念摄影师、纪实摄影师也可以成为艺术家。他们的摄影作品一样可以进入画廊、美术馆，一样可以进入图片市场、拍卖市场。
摄影是艺术化的真实。就像摄影师森山大道所言：“在我眼里，摄影就等于黑白。提到黑白精神，我觉得有三个特点：抽象性、象征性、梦之性格。将这三个特点融为一体，成为比人的眼睛所看见的更为强烈的印象。通常人们所目睹的，是形形色色的彩色空间，但是，若能通过黑白照片，则可以看见另一个现实。”
摄影是我们的心像。《坛经》中云：“时有风吹幡动。一僧曰风动，一僧曰幡动。议论不已。六祖惠能进曰：非风动，非幡动，仁者心动。”实质上拍摄的过程是摄影师的思绪在主客观之间相互映照、交相感应的过程。拍下的不是你眼睛看见的，而是你心里感受到的。
“摄影是什么”依然是一个永恒的问题。每位摄影师都在用作品给出自己的定义。文如其人、画如其人、摄影如是，一切艺术如是。还是用安塞尔·亚当斯说的话做结束语：“我们不只是用相机拍照，我们带到摄影中去的是所有我们读过的书、看过的电影、听过的音乐、爱过的人。”
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