4月3日，“作为画家的王中军——王中军个展”亮相保利艺术博物馆。这个娱乐圈老大为啥突然要当画家？
王中军这个娱乐圈老大做展览，激起了商业圈朵朵浪花，但艺术圈静悄悄。先看看这位自称“爱艺术爱到死”的艺术家的作品。话放在前面：如果不是王有限的艺术细胞，我们还无法这样草草用图片作比较呢。感谢他的低水平！
这张作品的蓝色和红色树干明显借用马蒂斯的色彩风格，而涂抹的方式又是梵高早期的方式。
两张图的最大区别是构图。这种构图是梵高有序地安排了风景的重点和次重点，并通过水平线的延展用远景中的桥完成了意境的追求。所以用眼睛观看的话会从前景的草丛移到水池、再从水池的人物到桥、桥上经过的马车。这种场景的叙事是非常完整而且有序的，梵高的笔触在当时还追求一种和谐，所以显得谨慎。王在画面的底部和顶部安排了繁琐的线条，破坏了整个画面的秩序。至于那粗黑的轮廓线让画面的空间变得零碎、失去整体性。
这张画全靠那搔首弄姿的裸女和仿佛被晒红的肌肤。当年莫迪利亚尼给他的情人画了许多张这种风格的画。
如果仅仅是风格的学习、甚至抄袭，那都是可以原谅的。问题在于王中军不愿抛弃人体比例和谐的同时又忽略了透视，结果整个人物变得扭曲而奇怪。而那白色的毛巾/毯子和书又因为大面积的暖色而过分突出；如果从图像学的角度探讨，这张画将被解读为：明明都脱光衣服爬上床了，却忽然掏出本书说“我们看看书吧”……再看看莫迪利亚尼的人体，他花了多少心思在明暗度上才让人体有了那种像浅浮雕一般的视觉效果。
这张画的构图抄袭了梵高绘画静物常用的布置方法，但整体效果却是从常玉的作品中模仿得到。
这是王展出画作中最好的一张，因为他通过模仿无意中获得了一定的“整体感”。深色勾勒出轮廓，而绿色和白色则穿插其中，在突出静物形态的同时又能够丰富画面。但常玉可不仅仅是“整体感”这种低层次的追求。植物的枝叶和花朵形成对比的同时又互相呼应——主体的“灵动”消除了呆板的构图，而四平八稳的构图又将那份“灵性”固定在画框之内。
我们再看看王中军到底多爱艺术。
在保利大厦六楼举办的个展一共展出作品不过30余件。数量不是重点，问题出在王自己的“自相矛盾”。照说整个展览是作为艺术人身份的王的首个个展，他一定急于向人展现自己的成就。可这位从小就爱绘画的有钱人至今怎么只有寥寥几十张画？我们当然可以理解为王只想展出精品。但王自称自己作画从来“一气呵成”一张画不过两三小时就能成。
他对媒体的原话是“我现在画画的速度很快，很少有创作时间超过两三小时的绘画，超过那个时间可能就画坏了”。更重要地是，他对媒体展示了自己的办公大楼里的私人画室。如果他真能“下笔如有神”，那么他一个月怎么也能出十张八张吧？按20岁开始作画计算，至今怎么也有个上百张的“心头好”吧？当然我们也可以说他是上市公司总裁，日理万机，自然没那么多时间画画。
那他又何必在办公区域特别开辟个私人画室呢？在家里辟个角落当画室不更怡然自得些？回头再看看展览本身。看展览本身是个技术活，但有些数据却是浅显易懂的。一是看展期。展期越长，展览的质量一般越被看高。原因很简单：策展人和艺术家付出了精力，自然不希望展期只是短短几天。事实是，展期不超过一周的多是空间为了填补自己空间的“空档期”。
回看这个展览不过短短5天。二是看展览档期。在国内，黄金档期大概有两个，基本集中在黄金周——即国庆和新年。其他次好的档期则是暑期前后了。有几个假期反倒是很尴尬的，譬如清明和中秋。由于这些假日的目的性很明确，观众会选择进入美术馆或画廊的几率将会降低。三是展品的数量。这个数据对于大型展览或群展都不太具有参考意义，但对个展却颇为重要，尤其是首个个人展。
个展的意义何在？就在于展现个人的艺术发展道路和艺术理念。所以一个专业作画超过5年的青年艺术家的作品起码能达到25张以上，而超过10年的则需要有50张。这是一种死板但必需的操作。以上的数据参考都有例外，但这些例外是以实力为基础的。譬如王宾虹的回顾展就在清明前举办，但展期仍做到近两个月（这背后还有一个原因是展品可能涉及其他机构，因此展出时间又会受到限制）。
去掉其“金主”的外衣，王作为一个“画者”举办这样一场个展实在是可笑。有趣的是，这么“蹩脚”的作品居然请了国内数一数二的专业人士策展、并选在国内最具影响力的拍卖公司的博物馆里作展。吕彭是搁不下“人情”才接了这活，但他估计乘着清明躲家里了。至于保利，人家是商业机构，能找个有话题的人物做次活动，没啥不好的。其他知名画廊如佩斯、今日之流自然也不会接这活——不怕砸自家牌子吗？
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