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马江红
我出生在新疆，新疆的风土培育了我，多元素的文化给予我学习传统艺术的宝贵资源，常莎娜老师说过一句话：“艺术不能赶时髦，要立足自我，立足自己的文化，只有这样才能根深叶茂。”随着时间的推移，我对常老师的观点越感认同，更坚定了自己的选择。
刚上大学时去敦煌，我就被那五彩斑斓的色彩所吸引，巨大画幅中的线条，最长的甚至达到两米，浑厚有力、变幻莫测，出神入化，仿佛会说话一般。之后，我又去了克孜尔，这里的壁画和敦煌差异很大，克孜尔壁画比敦煌壁画早200年，无论是从文化脉络上，还是从艺术形式上，都是首屈一指。可是这里被破坏得很厉害，整幅的壁画被剥落盗走，剩下的则被划坏或风残，有一种说不出的苍凉之感。
此后我又带着感受传统的心情去了喀什大巴扎，大巴扎里有很多手工艺品，有各式各样的小刀和手工的铜壶。当看到一位老人抱着大葫芦雕刻民俗生活时，我忽然有一种冲动，为什么不把失去和现存的壁画雕刻在新疆特有的大葫芦上呢？于是，之后的一段时间，我都在和老艺人学习雕葫芦的技法。从大二开始，我开始向新疆的版画家薛立柱老师学习，以版画的形式在葫芦上雕刻壁画图纹。实践过程中，我发现还需要更多技法来表达壁画的形式，于是又去了扬州学习雕玉，这期间我不断思考如何把面展示为线。此后，我又去北京故宫，向修复专家徐建华老师学习古字画修复和装裱。将多种艺术领域的传统技巧相融合，让我有了更多的想法，也有了新的突破。
壁画是人类用手绘制的记录文化的艺术痕迹。人类在追求美的同时也越来越关注美的内涵。研究克孜尔和敦煌壁画需要了解一些佛教史，为此我又进行了相关学习。克孜尔、敦煌、云冈、龙门石窟中不同时期的壁画，宛如五彩缤纷的壁画长廊，都间接表现了现实生活。比如，建筑学、制度礼仪、宗教学、艺术学、民俗学、人类学、服饰学、贸易学、动物学、军事学等。这些壁画内容丰富，并随不同历史时期的变化而不断发展。
在由平面的壁画转换为葫芦雕刻创作之后，我开始在葫芦上用版画的形式雕刻壁画。对于如何丰富和发展葫芦壁画这一新的艺术形式，如何在文化与记忆两方面不断深化，我认为，需要理性而严谨地去创作，每一个细节都要表达清楚，否则就无法继续。让飘带的线条立体，就要游刃有余，动中有静，静中有动，运用互补的刀法技巧，而不是堆积线条。光线的转换则要注重光与线的空间穿插。
葫芦壁画既要保留原始壁画图样的基础，还要设计现代的纹样。壁画的形式、装饰纹样以及技法、色彩等方面在不同的时期是有差异的，而这些差异是与历史文化、社会生活各方面都有着千丝万缕的联系。全面理解和准确把握这些壁画图案绝非易事，比如，讲解一个佛教故事和相关的历史环境，那个时期用什么颜色的矿物颜料，如今风化后的色彩，如何还原色彩，都要去研究。唐卡雕刻，就要研究藏传佛教，学习藏传佛教古老独特的文化艺术表现形式，内容涉及佛教、历史、文学、藏医藏药等多个领域，如何把唐卡独特的艺术魅力表达出来，更需要潜心的学习。
在雕刻上用不同的雕法展示壁画原貌，需要下功夫去学习和积累。除了随葫芦的势整体去设计，还要了解葫芦的软硬度，了解葫芦的文化史，如近代的葫芦艺术制作技法，针画葫芦、烙画葫芦、匏器葫芦、勒制葫芦等等。作品雕刻完工后，上色则更要下一番心思，葫芦与纸张、布料不同，有些部位吸水很强，有些部位光滑得无法上色，矿物颜料很不容易附着上去，对胶矾就需要比例，不停地一遍又一遍染色的同时，按照湿厚而洗色，就这样反反复复着色。一件作品就需要上色几个月，再加上雕刻，成型的作品最长5年，最短的也要一年多。
30多年间，在壁画与葫芦相结合的空间中自由地雕琢是何等的幸运。在创作中，时而回归克孜尔，时而回归敦煌，时而回归西藏，我仿佛进入了广阔的宇宙中，品味着自然的无限生机。
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