因为备考的原因，最近在学习张维青主编的《中外艺术史要略》，这本和大多数妖艳的艺术类图书不一样，简洁概述了文学、戏剧、美术、音乐、影视五大艺术门类，勾勒了中外艺术创作的大致景观。它的目录无比简洁粗暴：按艺术门类分篇，中、外分章，依据时间线梳理。
我新建了个文集，同步梳理书本再加上有趣的例证，一共十篇要略，和大家讨论点所谓艺术的事儿。这是第6篇。
巨大的史前巨石阵，维纳斯断臂的无数遐想，神圣的巴特农神庙······在理想主义、理性主义和人文主义的支配下，希腊艺术呈现出一种极具魅力的永恒感、稳固感和比例和谐的希腊宇宙形象，描绘的总是超然于瞬息的感觉，捕捉持久、本质和完整的东西。古希腊美术萌芽于“爱琴美术”，雕塑还在成型期时大家开始在陶瓶上进行情节性绘画，有东方风格、白底彩绘风格、彩绘背景为陶红主体为黑色的黑绘风格和与其相反的红绘风格。希腊建筑已形成了典型形制：围柱式。围柱不仅是承重的建筑结构，同时也是建筑的基本尺度和风格语言，发展到希腊文化辉煌顶峰的伯里克利时代后建筑和雕塑都取得了巨大成就：为纪念希波战争而建的雅典卫城建筑群的主建筑是巴特农神庙，这座献给雅典女神的建筑结构匀称、比例合理，富有韵律感和节奏感，符合处女座的一切要求，堪称世界上最完美的建筑典范之一；雕塑则产生了“S”型三段式，出现了米隆等雕塑家。
热衷扩张的罗马人吞并希腊后几百年间建立了一个跨越亚、欧、非的庞大帝国，罗马文化与异域文化不断交流碰撞，迅速发展起来。建筑上吸收了希腊的柱式体系并开创了拱券结构，规模宏大却设计精确，注重实用性却内部装饰豪华繁多，并且有成熟的建筑理论：维特鲁威的《建筑十书》提出了建筑的基本原则：坚固、实用，美观。科洛西姆竞技场代表了罗马公共建筑的最高成就。在人体雕塑领域，古希腊人已经达到了无法企及的高度，罗马人却在肖像雕刻上取得了瞩目的成就。最初的肖像雕刻是从死者面部翻模下来的面具，怎可能不具有自然主义的逼真，后来为歌颂统治阶级开始重视理想化，如《奥古斯都》像。罗马绘画则主要是镶嵌画和壁画，最初时埃及与希腊风格明显，色彩华丽气氛热烈，充满欢乐的现世情怀。庞贝壁画是现存罗马壁画中保存最完整最全面的一处遗迹。
我又要说“黑暗的中世纪”了，艺术在这时不可避免地沦为“神学的婢女”，因此这一时期的美术也被称为“基督教美术”，最值得提起的便是源于法国地方风格的哥特式美术，屋顶和窗框的高耸尖顶和无处不在的彩色玻璃画是哥特式的标志，这时期教堂成为城市的主要标志，伫立于塞纳河畔、位于整个巴黎中心的巴黎圣母院就是哥特式建筑的代表。
漫长的黑夜过后就是说不完的文艺复兴了。13世纪后期造型艺术领域出现了一种新的倾向——对古典艺术的兴趣，真正成为文艺复兴拓荒者的是佛罗伦萨画派，乔托是其创始人，被称为“近代绘画之父”。1420年左右，建筑师布鲁涅列斯基、雕塑家多纳太罗和画家马萨乔三位艺术大师的出现标志着早起文艺复兴的来临，代表作分别为佛罗伦萨大教堂、《加塔梅拉塔骑马像》和《出乐园》。另外，小学美术课本里《维纳斯的诞生》和《春》的作者波提切利也是佛罗伦萨画派的代表之一。
随着意大利政治、经济、文化中心转移到罗马，文艺复兴艺术中心也随之而改变，达`芬奇、米开朗琪罗、拉斐尔等艺术巨匠就是在15世纪末到16世纪中叶，也就是文艺复兴的全盛时期出现的。这一时期描绘对象虽然依旧以宗教为主，但充满了人文主义和对古典传统的继承与发展，艺术与解剖、透视等科学的结合促成了现实主义创作方法的成熟。不论《蒙娜丽莎》的微笑有多少未解之谜，达芬奇确实地树立了人性崛起的旗帜，艺术描绘的不再是神明，而是普通人，是当地银行家的妻子。米开朗琪罗的雕塑《哀悼基督》将圣母表现为一位母亲圣洁怜爱的形象。拉斐尔的《椅中圣母》是其众多圣母像中的巅峰之作，他优美典雅的绘画语言“成为所有后代画家的样板”。
威尼斯画派为意大利文艺演奏了一曲华丽的终曲。尼德兰画派的扬·凡·埃克，德国的丢勒，西班牙的样式主义，法国的枫丹白露画派···都取得了突出的成就。
17到18世纪是一个“列强时代”，封建贵族与新兴资产阶级在文艺复兴开辟的现世天地中追求舒适和满足，此时的欧洲美术在西方美术史上是一个承前启后的时期。卡拉瓦乔是17世纪现实主义的开创者，他将目光对准下层，对自己所处的社会抱有批判和怀疑的态度，不加粉饰地表现社会现实，当时鲁本斯、伦勃朗等人的艺术也不同程度受了他的影响。
面对 着日益增长的科学唯物主义，基督教要重新确认其精神和道德价值，听过艺术使基督教的神秘主义世界观重新得到肯定，在艺术中势必强调以感官体验来激发宗教情感，巴洛克艺术应运而生，法国路易十五上台后发展成了洛可可艺术。巴洛克大师贝尼尼的雕刻顶峰之作《圣德列萨祭坛》就满足了巴洛克的豪华感、激情感和运动感。
荷兰共和国的独立使荷兰人充分意识到自身的价值，在艺术中将现实生活作为创作源泉，现实主义大师伦勃朗使荷兰画派的艺术达到了新的顶峰，他随着《杜普教授的解剖课》声名鹊起，却因《夜巡》让部分画面中的人不爽而被告上法庭。荷兰小画派则专注于生活细节的描绘，比如维米尔的作品《戴珍珠耳环的少女》，光线的微妙变化赋予画面静谧优雅的气氛。另外西班牙出现了现实主义画家格雅，又被看做浪漫主义的先驱；法国出现了普桑，又被称为“法国绘画之父”；荷加斯是第一个取得世界声誉的英国本土画家。
19世纪欧洲绘画的中兴仍在法国，大革命的到来成为新古典主义兴起的催化剂，它强调精神的宁静、理性的节制、均衡、明晰和秩序，反对情绪的渲染以及内容形式的过度。现在的白宫、美国国会大厦就是新古典主义的代表建筑，包括为纪念林肯解放黑奴而建的林肯纪念馆，也是亨利·培根对古希腊巴特农神庙的还原。
浪漫主义则是在与学院派古典主义的斗争中发展起来的，欧仁·德拉克罗瓦是法国浪漫主义的杰出代表，我们熟知的《希阿岛的屠杀》、《自由引导人民》分别是浪漫主义盛期和顶峰，吕德的浮雕《马赛曲》被视为是《自由引导人民》的姊妹之作。现实主义作为创作方法一直存在于文学创作中，在19世纪30年代的法国，它指某些文学艺术家发起的群体和流派，巴比松画派的卢梭、杜比尼，米勒、库尔贝等都是现实主义的大师。杜米埃擅长画政治讽刺画，米勒是农民画家，杜比尼是巴比松画派中对印象主义影响最大的画家。德国则有自己独特的巡回展览画派，倡导传播俄罗斯民族艺术，著名画作《伏尔加河上的纤夫》的作者列宾就是该画派的一员。
19世纪下半期，印象主义、新印象主义、后印象主义、象征主义相继兴起，开始了欧洲艺术从传统形态向现代形态的过渡。莫奈被称为“印象派之父”，印象派注重光影的变幻无穷，用光线和色彩表现瞬间印象，追求绘画色彩关系独立的美，而不是轮廓的具象，这一点从《日出·印象》中就能看得出来。后印象主义不满足于捕捉光线的瞬息变化，强调抒发自我感受，塞尚的很多作品在强调这一点。另外还有不得不提的凡·高。
无论是科学、哲学还是美学，在20世纪都没有普遍认同的概念来帮助人们判断激烈变化的世界，现代艺术作为社会的表现，不可避免的反映了各个领域的变革，也反映了这个时代人们极其复杂、丰富的思想感情和深刻的哲学思考，呈现出更为多样化的探索。
二战结束前的“现代主义”美术是对20世纪以来最具前卫特色，与传统美术分道扬镳的各种美术思潮和流派的统称。以高更为代表的象征主义和梵高、塞尚分别对理性和情感的重视，已经为20世纪初的各种艺术思潮打下了基础。1905年的巴黎秋季画展上，以马蒂斯为首的青年画家展出了自己的作品，画作色彩浓烈而不和谐，形象畸变，被一位评论家称为“野兽派”，野兽派因此得名，画展上最受关的作品非《绿条纹》不属，这个流派的艺术作品装饰意味很强，适合做成挂画装饰墙面。同野兽派的松散不同，表现主义出现了桥社、青骑士社两个重要的社团，以康定斯基的《点、线、面》和弗朗茨·马尔克的《蓝马》为代表。
毕加索是一个创作过几何立体、拼贴绘画、超现实主义等等繁多风格的画家，1907年的《亚威农少女》被认为是第一件立体主义倾向的作品。达达主义以杜尚为代表，追求清醒的非理性状态，《长胡须的蒙娜丽莎》、命名为《泉》的小便池都颠覆着传统上对艺术的认知。超现实主义的作品《抢夺新娘》等主张放弃逻辑而呈现人心深处的形象世界。抽象主义泛指20世纪脱离模仿自然的绘画风格的“非具象艺术”，代表作有Joan Miro（米罗）的《蓝色》。
“后现代”是二战结束以来欧美各国及现代主义之后前卫艺术的总称。波普艺术以Andy Warhol（安迪沃霍尔）的《200个坎贝尔康罐头》为代表。欧普艺术欧普艺术是精心计算的视觉的艺术，使用明亮的色彩， 造成刺眼的颤动效果，达到视觉上的亢奋。兴起于20世纪60年代中期的观念艺术认为艺术不该是一种技艺，而是作者的概念或观念的组合，比如Bruce Nouman(布鲁斯·瑙曼)的作品《Human / Need / Desire》、《一百个生命与死亡》，用霓虹灯字母组合展现着人类组基本的情绪。照相写实主义热衷于把画画的像照片一样逼真，比如艾斯特斯的《贝比道漫步》。惊骇艺术这里不做说明，上图了就。
外国美术史也就到这里啦，随着10篇梳理到中期，越来越觉得人类在兴亡交替的时代中何其渺小和孤独，此消彼长的复古和创新，兴衰浮沉的是饮食欲望与功名利禄，流传至今的艺术作品打着古老的烙印，不论它们斑驳生锈或者釉色依旧，实际都是最诚实的。
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