巴尼特·纽曼《Vir Heroicus Sublimisf》，布面油画，242.2×541.7cm，1950-1951年
上世纪50年代中期，美国流行的硬边艺术是强迫症的最爱，因为每一条没有偏差的线条都是对完美的诠释。
如果你对几何和直线毫无抵抗力，那硬边艺术正是你的首选。硬边艺术（Hard-edge painting）虽然从抽象表现艺术中衍生出来，但它更倾向以直线为主，使用大量色块且画面平滑。
艾德·莱茵哈特《Blue Painting》，布面油画，152.4×203.2cm，1953年
整幅绘画作为一个整体，展现出一种简明的感觉。硬边艺术的每条直线与曲线都反映着当时美国艺术审美的改变，它同波普主义和光学艺术共同改变着美国的艺术命运。
正方形里的颜色错觉
艾伯斯《向正方形致敬：幻影》，纤维板油画，120.6×120.6cm，1959年
约瑟夫·艾伯斯（Josef Albers）的作品多是122×122厘米的正方形，让观者感受到不同色调之间的关系。从1950年开始，艾伯斯不断创作正方形这系列的作品长达25年。每个正方形中没有前后背景之分，更多探讨的是色彩之间产生的微妙变化。
由于眼睛的分辨能力可以不断在三种颜色的影响中改变，他实验性的系列作品《向正方形致敬》会产生奇妙的视错觉，在创作这个系列的过程中，他刻意运用最少的工具和颜料——通常用调色刀直接上颜色。
艾伯斯先后在包豪斯和黑山学院教学，成为学生认为最重要的老师之一。在耶鲁大学的教学中，艾伯斯的课程甚至被很多非艺术专业的学生选修。在实践和教学中，他影响了很多杰出艺术家，比如劳森伯格（Robert Rauschenberg）。
艾伯斯的教学奠定了在空间、颜色和形状上，视觉效果的理论研究，他曾说：“任何预测颜色效果的人都证明他们对颜色没有经验。”
在《色彩构成》这本经典颜色教学书中，艾伯斯探讨了关于心理和视觉上颜色的作用。颜色具有多面性是因为人眼在辨别颜色时会产生视错觉。上图中的颜色就证实了左右两个小正方形虽然是同样的颜色，但是正常人眼却无法辨别出是相同颜色，因为周围的颜色会互相影响。
几何图形更完美
当纽约正在盛行抽象表现主义的时候，埃斯沃兹·凯利(Ellsworth Kelly）在巴黎找到了自己独特的绘画方法。他运用大胆的单色画板来强调颜色的可塑性。他的作品改变了我们对颜色和形状的认识，让大众感受到这些作品是如何冲击我们的视觉并且改变对周围空间的美学理解。
1959年，凯利的作品和同为硬边艺术家的弗兰克·斯特拉（Frank Stella）入选纽约现代艺术博物馆（MoMA）著名的展览“十六个美国人”（Sixteen Americans), 他曾说过：“我的作品是为了给人带来愉悦的，那些颜色和不同形状间的关联会让人惬意”。
埃斯沃兹·凯利《Island II》，1968年
艺术评论家尤金·戈森（Eugene Goossen）对凯利在“十六个美国人”的评价：“凯利的颜色是在一种无空间感的表面，虽然颜色在感觉上起到重要的作用，但是使我们感官兴奋是由轮廓来承担的。这种简明的边缘让我们能用眼睛感受它们，就像手能感受到柔软的肉一样。”
埃斯沃兹·凯利《Spectrum V》，1969年
凯利不懈地沉浸在抽象中去创造色彩谱和面板绘画，例如只有一个巨大的矩形，或者绘制一个叶子的简单轮廓。他是最后一个重复自己的艺术家，而且总是能回到他的基本初衷：表面、尺寸、颜色、图像。凯利认为最有意思的不是作品的平面，而是你和作品之间的空间，正如“光谱”系列作品就诠释了他作品空间产生的完美。
谁说徒手画不成直线
弗兰克·斯特拉（Frank Stella）运用大量的直线、几何图形进行创作，因为他更想强调客观的画作，而不是任何东西的诠释。虽然斯特拉早期刚到纽约时候被杰克逊·波洛克(Jackson Pollock) 的画作影响，但是他没有跟随抽象表现主义的风格，他认为自己的作品仅仅是“颜料在一个平面上而已”。
斯特拉《Hyena Stomp》，布面醇酸，19.56×19.56cm, 1962年（Courtesy of Tate）
斯特拉利用鲜艳的色调来创造视错觉，使相邻的色条产生弯曲和收缩。理论上，颜色的强调会分散思维并迷惑感官。然而，线条的精确度却是思维能力的一种表达方式。斯特拉不用美纹胶带创作直线，而是徒手画出来。
斯特拉认为艺术作品不是表现任何事物，而是艺术家情感的世界。他曾说：“你所看到的就是你看到的”。
黑暗画系列是特斯拉早期极简主义作品的代表。这一系列作品由黑色线条充满了画布。他认为抽象艺术没有界限，因为形状可以通过延伸到环境中来暗示抽象艺术的内在。在创作的过程中，斯特拉强调了画布的平面性，颠覆了传统文艺复兴的立体透视法所展现出的三维，希望让大家感受颜料在画布上的平面感。
坚持硬边艺术的百岁老人
在肯尼斯·诺兰德和埃斯沃兹·凯利先后去世之后，剩下斯特拉孤身一人延续着硬边艺术。但没想到是，曾经和巴尼特·纽曼夫妇每周日吃早餐的卡门 · 海莱娜（Carmen Herrera）终于被纽约利森画廊发现。这位古巴的女性艺术家最终没有因为女性、移民这类标签限制住走向硬边艺术的道路。
卡门 · 海莱娜，布面丙烯，2015年（Courtesy of Lisson Gallery, New York）
即便你可以在卡门 · 海莱娜的作品中能看出她相信“少便是多”，但是她更相信当你走近作品时也能感受到“多才是多”。每幅作品都是海莱娜用尺子精确测量而绘制的图形，通常一到三个颜色让作品整体产生简明的感觉。颜色和几何图形都是其在创作中不可缺少的重要因素。
让颜色铺满整个空间
如果你觉得硬边艺术只是被画布所局限的几何图形，那么史蒂芬·韦斯特福尔（Stephen Westfall）的作品让你不仅能感受到硬边艺术的魅力所在，还能体验到颜色在空间中产生的错觉。他认为创作出这种色彩和几何感作品的原因来自于未确诊的多动症和阅读困难症。
史蒂芬·韦斯特福尔《Argus》，壁画，2015年 （Courtesy of the artist）
颜色的交错和空间感的冲击力带给我们的不仅是简单的视错觉，同时能让身处在作品空间的我们体验到作品大小不同所带来的魅力。
史蒂芬·韦斯特福尔《Stars and Candywrappers》，壁画，2015年（Courtesy of the artist）
硬边艺术虽然看似简单，像是一群患有重度强迫症患者创作的作品，但是在每一次对形状、颜色、线条的抉择中，艺术家付出的不是五分钟的时间，而是日积月累的对颜色的研究。他们经常因为形状的不同就改变上一秒所有的想法，不断对颜色和形状进行搭配，最终才呈现给大众一个看似完美的“简单”假象。
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[编辑、文/张小鱼]
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