中国美术的辉煌，要说到一千年前的宋朝。
那个时候的中国创造了地球上最巅峰的文化①，当时省长，市长，搞国防的，乃至总理、总统，都能提笔写一手好书法，你无法想象那是一帮写起歌词来，都强于今天林夕、方文山十倍、一百倍的人，来统治领导的中国。所以宋朝开创了一个文化、审美很高品位的时代。
（图：宋徽宗 赵佶 瘦金体书法 《秾芳诗》 局部）
先来了解其中一位国家领导人——宋徽宗。
在当时国家有个部门叫画院，专门养一批画家帮皇家宫廷画画，这帮画画的人呢是通过考试来选拔录取，就跟咱们今天的考公务员差不多。
（图：宋朝画院 跟今天考试一样 考取为宫廷画画的画家）
说到考试自然会有很多应付考试的问题，跟我们今天美术高考一样，考石膏，考人头像，然后报个补习班苦画这几个东西一段时间，应付完考试，就金榜题名了，这种人对石膏、人头像以外的知识、审美了解不多。
（图：今天美术高考 人头像写生）
这种情况在宋朝也是，画院考试一般就考画个亭台楼阁啊、孔雀啊，画得像的就录取了。宋徽宗当皇帝后，就改革了这种方式。
（图：宋朝画院考试 也考写生 比如画孔雀一类）
说考试那一天，很多考生等着考官抱孔雀来，准备把自己补习班练习的孔雀画完，好交卷，等了老半天，考官发下来一张纸，上面写的考题是：“野渡无人舟自横”，说，今儿就画这个！
那些背了几年画孔雀的同学瞬间石化！弱爆了！有木有？
“野渡无人舟自横”，大概讲的就是在郊外的河边渡口，只有一条小船停在那里，一个人都没有，很安静的感觉。
很多人画了一条河，河边上再画了条船就交卷了。
（图：很多考生卷子 示例 本座乱涂的 随便看个意思 嗯 ）
其中有一张卷子很得宋徽宗表扬，他在船边上画了一只休憩的鸟，因为鸟怕人，一只鸟停在船上，说明已经很长时间都没有人了，考题里那种安静的情形，一下就被描述得很生动，也很有意境。
（图：河边一条船+一只鸟=100分）
注意人家原作是很有意境的，不要被本座的Q版说明图 误导！！！
在比如有一年题目是“山中藏古寺”，
很多人画大山树林里露出一座寺庙的屋檐。
（图：很多考生卷子 示例 ）
第一名的卷子是并没有画寺庙，而是画了在树林中，走来一个要去挑水的小和尚。
有和尚，这个深山必然有古寺嘛！！
（图：树林+小和尚=100分）
宋徽宗的这种方式叫“诗题取士”，用一句诗来作为公务员考试的题目。
这种改革，让画家们深刻领悟到了“没文化真可怕“这个道理，
让他们不再是去死描死背的去画画，而要去读诗，读书，从中去锻炼诗意的想象空间，从更高的层次去理解绘画。
SO宋徽宗这招高明极！
好现在我们来讲宋朝的画
宋朝画画的人有一个追求叫——“格物”，这个是宋朝人画画的一种精神。
比如画鸟，你要去研究鸟身上的羽毛哪些粗，哪些细，哪些硬，哪些软，如何用毛笔去表现出来， 去研究画画对象的道理，这个叫“格物”。
比如宋徽宗就曾经要求画院那帮公务员，让他们连孔雀要飞起来的时候，先抬左脚还是右脚，这个都要搞清楚。
（图：格物 表现在细致入微去观察细节）
这种格物精神，出现很多写实的画。
好现在我们现在来看宋徽宗的《山禽腊梅图》
（图：宋徽宗 《山禽腊梅图》）
这张画是迄今最早一张，自己作的诗，自己创作的书法，写在自己画上的作品。
这种方式直接影响了后来对到传统绘画的理解，一说到中国画，就必须是“诗、书、画”的元素。
这种在画上去写书法，写诗歌，从中去表现画面形式之外的人文情感，去提升画的精神追求，是世界上其他美术形式都没有的。
山禽腊梅图中画的是两只白头翁，蹲在一直刚开的腊梅花上。傍边用宋徽宗原创的“瘦金体”书法题的诗：“山禽矜逸态，梅粉弄轻柔。已有丹青约，千秋指白头”。
（图：宋徽宗 《山禽腊梅图》题诗 ）
头两句写画里的内容，两只白头翁的姿态，腊梅花初初开放，淡淡的颜色比较轻柔。
后两句头写画外的感情，也是宋徽宗的一个心里诉求。
说自己前世今生就跟画画是有约定的，就像画里的白头翁一样，到头发白了都不会改变，即使是一千年一万年，我也是这种形象。
可见这位国家领导人对美术的那种虔诚。
好我们来看一张他的另外一张《桃鸠图》
（图：宋徽宗 《桃鸠图》 及其 局部 ）
很工整，有木有？很秀气，有木有？细节刻画很精致，有木有？颜色很淡雅，有木有？
好我们来看下其他宋时期“格物”精神下的花鸟画：
（图：宋 林椿 《果熟来禽图》 ）
原作在北京故宫有展过，颜色比这个要暗。
（图：宋 林椿 《局部》 ）
这个时候的花鸟画已经很成熟，我们看画中那些细节，果子熟后那种微微泛红的感觉，叶子被虫吃后的刻画，还有小鸟的神态，好像马上就要一蹬腿儿，扑翅膀飞起来的样子，活灵活现的。
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好简单说完花鸟，我们来看下宋朝的山水画：
山水画也是在宋朝走向成熟开始发扬光大的。
先来看一张巨然的《秋山问道》图。巨然是北宋初的画家，他的画对后世影响很大。
以前古代人，画山水岩石，都喜欢用比较干的毛笔，去刻画出石头的纹理，这种纹理像皮肤干燥时裂纹的“皴”一样，这个画法在山水画中也叫“皴法”
（图：宋 巨然 《秋山问道图》 ）
巨然这张画用的叫“披麻皴法”，就像一条一条的麻线披在石头上。用比较干的毛笔一条一条的去拖、去勾出来的纹理，表现那种圆圆的石头质感。
（图：披麻皴 ）
再来看一张被后人表扬为““宋画第一”的大画家——范宽，画的《溪山行旅图》。
后人总结看宋画的方法要“远观其势，近观其质”，站远处去看画总体的气势，近处看画中细节石头、杂树的质感。
我们先远看这张画：
（图：宋 范宽 《溪山行旅图》 ）
这张画差不多两米多高，原作在台湾，很珍贵的缘故，已经很少展出，我在北京看过一张二玄社②原比例复制品，这张画跟我们平时意义上的山水画构图很不一样，一般的都喜欢做什么S型啊什么，去布局什么的，这张不玩这些，就是正中间立一座大山，堂堂正正的感觉，派头十足啊有木有？气场强大啊有木有？
然后我们走进看这张画的细节，这是山顶上岩石的局部，范宽用毛笔，细细的小点小点的，点出岩石坚硬的质感，因为这种密密麻麻的点很像下雨样子，所以这种画法就叫“雨点皴”。
（图：雨点皴》 ）
然后我们来看另一张，宋朝大山水画家 郭熙画的《秋山行旅图》。
这张画09年在首博展过，我专程跑去看，据说这张画是在一个美国人家的地下室里翻出来的，诧异！
（图：宋 郭熙《秋山行旅图》 ）
这张画画的是一幅秋天的山的情景，我们看郭熙画秋天的山，跟前面巨然画的秋天的山，很不一样吧，郭熙这张画的岩石有种流动的感觉，像一朵一朵的云一样，这个技法就叫“卷云皴“。
（图：卷云皴）
郭熙不但是个大画家，他还总结了好多画画的方法，让后人学习。他写了一本书叫《林泉高致》，
书里总结了三种，中国山水画取景构图的方法。
一、平远法：左右拉长的视线，去画出平铺的山。
（图：平远法 郭熙《窠石平远图》）
二、高远法：上下抬头的视线看山、画出耸立的高山。（前面，范宽画《溪山行旅》就是）
三、深远法：用纵深的视线，表现山的前后、里外的层次画法。（前面，巨然《《秋山问道》就是）
这三种方法相当于我们今天说的：X 、Y 、Z，三维立体空间。
书里面说画家去画山水，要画出山的“远近浅深四时朝暮、风雨明晦之不同”，意思是说画家要去大山里观察，写生，从画中画出山的远、近、早上、晚上、刮风、下雨时候等等，各种情况下的不同。
这个比西方印象派画家们把画架搬出去写生，研究大自然光的变化早了900多年。
900年后的法国的莫奈，就专门研究了一座教堂不同时间段光色的变化，用很快的油画笔记录了下来。
（图：法国 莫奈 油画《鲁昂大教堂》 写生教堂在不同时间 光色的变化）
西方的印象派是从科学的光学角度去画。画的是事物表象的东西。
郭熙提出的“ 春山淡冶如笑，夏山苍翠如滴，秋山明净如妆，冬山惨淡如睡”，则是把山拟人化，春天的山像笑着一样，秋天的山像画过妆一样端庄，用理解美女的方法去理解画山水画，去把山水画活，画感人，去追求画的气质和韵味，这种人文的方法是跟西方印象派的科学研究大不一样的，也正是中国画讲神韵可贵的地方。
（图： 春山如笑 中国画讲求神韵气质 友情出演 广末凉子）
再来看一张北宋末期的画家 李唐的一张《万壑松风图》
（图： 宋 李唐《万壑松风图》 ）
宋朝画山水的，因为格物的精神，都跑去大山里研究石头，琢磨出自己石头的画法。李唐的《万壑松风》图，画山石的方法，就像斧头劈过的一样，这种方法就叫“斧劈皴”。
（图： 斧劈皴 ）
北宋的四个大家都用自己的毛笔，去研究不同岩石，表现出各自的“皴法”，也各自显了各自的气势，这些都是北宋山水画伟大的成就。
好我们看完北宋，现在来看南宋的两位画家。——马远和夏珪（音：规）
还记得刚才说过他们那时候的广告语就是“格物！无处不在！”
马远就高高兴兴的跑去研究水去了，《水图》，这个系列是马远专门去观察大江、大河、大风大浪、还有风平浪静时候等等水的不同，描绘记录下来的，这个系列在北京故宫也有展过。
（图：宋 马远 《水图》系列 部分选 原作共十二张）
然后来看马远和另外一个画家夏珪的山水画。
（图：宋 马远 山水扇面）
（图：马远 《松涧梵香图》）
(图：宋 马远 《江亭望雁图》）
(图：宋 马远 《寒江独钓图》）
(图：宋 夏珪《云峰远眺图》）
(图：宋 夏珪《烟岫林居图）
(图：宋 夏珪松岩静课图 ）
我们之前看了北宋几位大师的山水画，都是画得满满的，给人很强大震撼气势的感觉，南宋的马远和夏珪，就不画这种大满幅了，他们的画面留出了很多空白的地方。
马远、夏珪，最大化把画面留白 而给人以茫茫江水，悠悠天空，云山雾海的想象。
这种大面积的留白，是一种视觉上的放松，和一种无边无际、空远的想象的山水意境。就像音乐里说的“无声胜有声”。
北宋的画给你提供眼睛可看的地方很多，满满实实，南宋就给你提供心理感悟的更多。
北宋的画家们讲技法、讲气势，是一种视觉空间的铺呈，南宋的就讲意境，讲空灵，是一种心灵空间的拓展。③
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宋代还兴盛了一种画，叫文人画，
一帮文人，或者是做官的，前面说宋朝当官的诗、词、歌、赋和书法什么的都相当厉害的人，画画成为他们一种业余的兴趣。
所以他们不可能去像前面的“范宽”、“李唐”这类职业画家一样画出很高的技巧，他们发挥自己的优势，文化很好，书读的多，用画画更去表达更多的精神价值，画面之外的灵魂和内涵。
大才子苏东坡，还有个叫文与可的是文人画的代表。
（图：宋 苏东坡《潇湘竹石图》）
（图：宋 文与可《墨竹图》）
他们喜欢画竹子、兰花、梅花，有象征意义的东西。
一节一节的竹子，象征文人的节气。
兰花，长在深谷里，默默的开，淡淡的香。
梅花在大雪天的时候，也能顶着严寒独自开花，象征不怕恶劣条件，有种傲骨。
文人们觉得这些东西代表自己的品格。
后来的清代的画家 石涛 在自己画的一张竹子上题了首诗，其中有句是：
“未出土时先有节，到凌云处总无心”，
意思说：
还未长成竹子的竹笋，在地里的时候也是一节节的，象征我们天生就是有“节气”的孩子。
等到我们长成很高很高的大竹子，跟天上云一样高（比喻）的时候，却不是那种急功近利的，满是心机的去抢、去夺得的这个高位置，因为竹子是空心的，也象征文人“无心去争”的态度。
（清 石涛 墨竹 代表文人画风格）
再说一个，
明代的徐渭，在自己画的梅花上题诗是：
“从来不看梅花谱，信手拈来自有神，不信试看千万树，东风吹着变成春。”
什么是“梅花谱”呢，就有点像今天给那些想成功的人士看的书——什么《拓展人脉速成法》、《管理的八个诀窍》这种书，“梅花谱”就是讲画梅花的“速成法”、“诀窍”，
徐渭说：哥从来不看你们写的这些，条条框框、影响本大爷发挥的破书，我随手画出的梅花，表现的是精神，你看哥画的有精神的梅花，都是活的，风一吹春天就来了。
从中可以看出，一个不去照搬条条框框的画家，对自己能理解画画的精神的一种高度自信。
（明 徐渭 《梅花》 不追求技巧 信手拈来 表现精神 ）
这些文人画上的题诗，是他们画面之外的一种精神追求，高品格表现。竹子，梅花，这些象品格的题材，也是其他国家美术形式所没有的。
好的我们看了宋朝人用“格物”的态度，去研究描绘出来的精致的花鸟画，专心琢磨大自然的山石的大幅山水，南宋追求心灵留白意境的山水小品，还有追求精神格调的文人画，那么我们看接下来的元朝是如何把这些东西继续发挥的。
