大家好，我是KAI
我是Kailivehouse的本体
我无处不在
2月25日
来自重庆的独立摇滚Coin乐队
方言摇滚拾柒門乐队
将巡演到贵阳了
嘉宾是CMC
也就是贵阳器乐摇滚
沉睡卧车
总有一些问题需要回答
我亲爱的朋友
今天我们先来了解一下
什么是独立摇滚
也顺便了解一下Coin乐队
音乐永远公平
音乐是love是live是life
我永远爱每一位爱音乐的你
1
独立摇滚乐漫谈
撰文 / 卢艺璇
自从《乐队的夏天》播出之后，许多乐队从小众走向更加主流的视野中来，摇滚乐也因此受到了大量关注。
这些扫着吉他，甩着头发的人们究竟在唱着什么样的音乐？livehouse里究竟有什么样的神奇魔力？在每个夜晚，那些在聚光灯前挥舞着的双手，音响里的失真音效，人们究竟在独立音乐中追寻着什么？
让我们一起来走进他们的世界吧！
感受现场的魅力
livehouse的前世今生；看live指南
乐队最经典的三大件就是吉他、贝斯和鼓。吉他负责音乐中的中高频部分，大家在一首曲子中听到的最突出的旋律，往往就是吉他所奏。贝斯则负责音乐的中低频部分，在大部分歌曲中，它的声音较难听辨出来，但若没有它整体音乐效果会单薄不少。而鼓则负责稳定一首曲子的整体速度。有了这“三大件”，一支乐队就诞生啦！在此基础上，可以根据需求增加其他元素或进行不同的组合，例如人声（主唱）、键盘、更多吉他，甚至提琴、笛子、古筝等等……节奏吉他一般负责和弦的伴奏，对于弹奏技巧要求较低，所以节奏吉他和主唱也常常是同一个人。主音吉他，一首歌的旋律部分由他负责，大家常听到的酷炫的solo就是由主音吉他手弹奏。而键盘则可以通过更多样化的音色丰富旋律部分。为什么要有这么多乐器？这些乐器对于整体听觉体验的影响都是什么？前文已经提到吉他贝斯鼓的作用。用更形象的比喻来说，如果把一首歌比作人的身体，那么鼓是骨架，旋律（键盘主唱吉他）是皮肤，贝斯是肌肉。看这个人是高是矮，是瘸子还是佝偻，听鼓，旋律决定这个人长得好不好看，而他的胖瘦，看上去是否健硕，听贝斯。在技术发展之前，要想达成丰富的音乐效果，单独一个乐器是基本不可能的。即使钢琴这种能创造丰富层次感听觉体验的乐器，它的音色其实也是单一的，它不可能发出吉他那种燥的声音，也不能发出贝斯那么低沉厚重的声音。即使现在技术发展迅速，很多乐器都可以用电子合成，但乐队的存在更多时候是一种追逐艺术创作理想的形态。有的人认为，乐手好像就是工具人，这其实是不了解乐队文化的常见误区。
首先，在乐队里，主唱不是主角，创作、编曲不是为了服务主唱，而主唱其实本质上也是一种“乐器”。在前文提到的乐队三大件就可以看出主唱并不是一支乐队的最最基本的元素（当然，这取决于你想做什么音乐）。其次，乐队文化其实可以类比于球队文化。当一支球队进球之后，其中每个人的内心都充满了激动和欢喜，即使是并没有真正冲在前锋的守门员，他也是享受此刻胜利的成员。在每个人都抱持着同样的目标前进时，这其中的乐趣和感动不言而喻。而乐队也是如此，大家组到一起，肯定是因为有着对音乐风格、艺术价值有着相似的理解，说的抽象一点就是有着共同的音乐理想。尽管很多人认为只有主唱光鲜亮丽，但没有人听到节奏吉他的衬托，贝斯与鼓的默契，他们之间的美妙的共鸣，也没有人看到在排练房里尝试100遍的副歌旋律，蹲在鼓的旁边一起吃盒饭，为了达到心目中理想的音乐效果争执不断，一起嘲笑弹错的吉他手打打闹闹……这些对于一支乐队来说，才是最重要的。从20世纪50年代起，人们在广播和唱片中认识了一种新的流行音乐，这种音乐每一拍节奏都非常强烈，歌词写的也十分新鲜，一下子征服了许多美国人的心。1951年，美国克利夫兰电台首次播放这类音乐时，为了使听众感到新鲜，一位名叫艾伦·弗里德的播音员在播放前介绍时，给这种音乐命名为“摇滚乐”（Rock & Roll）。有人认为摇滚是一种反叛精神的符号，有人认为摇滚只是一种以失真的吉他音效与强劲的节奏为特色的音乐风格，有人认为摇滚就是长头发皮夹克与帅气的电吉他……但无论用什么主义、精神、音色、服装外形去定义摇滚，你总会发现不对劲，总会有一些在做摇滚乐的人与你的定义背道而驰。如果非要给摇滚下一个定义，那么它更像是一个地名，是一座自由而包容性十分强的城市。在最初，这个地方资源丰富，吸引了五湖四海的人们来到这里繁衍生息，一步步建设、壮大。有一天，大家都觉得这个地方得有个名字，于是艾伦·弗里德给它取了个名字叫rock&roll。但这个名字本身可能跟这里的人、风俗与文化并没有非常强的关系。这个地方人来人往、时代更迭，移风易俗，越来越多的音乐人加入到这个地方，带来新的生命发展，但是它的名字始终没有变过，始终被称为摇滚。因此，摇滚从没有一个精准而明确的定义，它是由人们不断地创造、颠覆而来，反传统是它的底色，音乐是它的生命形态。它拥有蓬勃的生命力，并不断前进发展，带来更具先锋性的思想启发。下面让我们一起简单了解一下摇滚乐的常见风格流派以及独立摇滚乐是如何诞生的。在上个世纪60年代，披头士乐队的成功改变了整个世界的音乐格局，他们把摇滚乐做的更加精致和艺术化。并且加上偶像的包装，让摇滚乐开始成为世界的主流音乐。他们的音乐风格多样，涉及主流摇滚、民谣摇滚、先锋摇滚与迷幻摇滚。而另一支活跃于60-70s的乐队——平克弗洛伊德 Pink Floyd，也是迷幻摇滚的代表乐队之一。他们于1973年发行的专辑月之暗面the dark side of the moon，是迷幻摇滚中的经典作代表作品。迷幻摇滚风格听起来有种如梦似幻的感觉，有种奇异的美感。 Dark Side Of The Moon 音乐： Pink Floyd - Dark Side Of The Moon (2015 Remastered) 进入70年代，更多创作者投身，音乐更具丰富性、实验性。人们开始喜欢更重型的音乐。硬摇滚的风格由此流行，代表乐队有AC/DC，枪炮与玫瑰。这种音乐分割特征特别明显，具有强烈的吉他失真效果，节奏鼓点强筋，吉他编的一般都很复杂很华丽。 Sweet Candy 音乐： AC/DC - Rock or Bust 随着70年代末英国经济进入停滞性通货膨胀，大量青年失业走上街头，怀着对政府深深的不满，开始了轰轰烈烈的朋克文化。时间进入八十年代，摇滚乐经过十几年的发展，人们对于复杂的音乐审美疲劳，更加简单凶猛的朋克音乐风格很快受到大众喜爱。
著名的朋克乐队有雷蒙斯、性手枪等。这种音乐听起来非常的简单、粗暴，充满着原始的愤怒、叛逆、混乱和无序，歌词往往是简单而粗鲁的重复。 God Save The Queen 音乐： Sex Pistols - Punk Night Playlist vol. 1 (Explicit) 性手枪这个乐队，成立时间仅仅两年多，其中一名成员sid因吸毒过量去世，可以说是非常“朋克式精神”的死亡了。随着音乐风格的多元化发展以及流行文化的盛行，人们不再局限于听摇滚、雷鬼、爵士等等，电子乐、流行舞曲、数字摇滚等也随之诞生。同时，受朋克影响，另类摇滚开始生长。1991年涅槃乐队大热，从此开启了另类摇滚时代。
另类摇滚，就是区别于主流摇滚之外的风格。“很脏”的吉他，强烈的反复演奏段落和重型鼓声，有着抗议华丽的主流袍子下都是虱子的意味。 Smells Like Teen Spirits 音乐： Nirvana - 摇滚殿堂 I 而涅槃乐队的主唱科特·柯本也被很多人奉为反叛精神的代表，受到无数歌迷的崇拜。他在27岁时，因为忍受不了胃痛、药物和商业化运作，一味受到粉丝追捧，觉得他们不理解自己的音乐，1994年的时候就自杀了。受到涅槃乐队的影响，90年代掀起了一股另类运动浪潮，由此衍生出许多新的音乐流派，独立摇滚乐就诞生于此。与摇滚一样，独立摇滚乐也是一个难以定义的类型。它起初是一群推崇地下文化的人们，为了区别于主流所打上的标签。如今也有许多人用是否签约主流厂牌来区分是否为独立音乐。但这些定义和标准都不足以让大家对独立摇滚乐有更立体的认知。其实，独立音乐严格来说并不是一种音乐风格，它的主要特征可以概括为两个方面：不是为了商业目创作的，真实表达的作品。乐队能自主决定歌曲情感意向、歌词、旋律表达的走向。所以有人会用是否和主流厂牌签约来定义，但是我觉得这个区分标准也不是非常准确。有的独立乐队在通过演出积攒了名气之后，也会选择和主流厂牌签约，但如果他们的音乐依然是延续的独立创作理念，那么依然可以隶属于独立音乐。比如说，又回到nirvana涅槃乐队，他们一开始出身于小众的独立厂牌，但是成名之后签约主流厂牌，不会有人认为他们就成了主流乐队，毕竟主唱柯本一直是叛逆精神的代表。你是否属于独立音乐，和你的音乐气质有关，要让听众感觉气质脱俗，有点新的玩味儿，或者实验精神。也就是，你发出的作品，听众听了判断“你是不是我们的人”。尤其现在许多被认为是独立乐队的乐队，他们的音乐融合了非常多不同的风格，很难用一个明确的边界去定义他们的音乐。更通俗地说，这其实代表的是，音乐人与听众都具有独立自主的审美体系，有自己明确的精神追求，不会随随便便受到大众的影响。比如说阿黛尔一开始是独立音乐人，但是现在她的气质感觉和独立渐行渐远了。而陈绮贞的名气与成功大家有目共睹，但我依然觉得她的气质是独立的。说到底，是否独立的区分其实并不重要，这其实更像是独立音乐乐迷们的自我归属感，或者说对艺术和精神的共鸣、自我认同感。直到今天，各种风格的独立乐队层出不穷，独立流行、后朋克、情绪摇滚、自赏派（shoegazing）、后摇（post-rock）数字摇滚……音乐风格更加多元和丰富，所唱的主题也从爱情到死亡，从政治到自我…… 向大家推荐几首歌，一起听听现在的独立乐队都在唱些什么。 孔雀 音乐： 蛙池WaChi - 孔雀（Demo） 低贱的人 音乐： 显然乐队 - 我最讨厌摇滚乐 (Explicit) 爱人错过 音乐： 告五人 - 我肯定在几百年前就说过爱你 正义 音乐： 回春丹乐队 - 2020 YOUNG BLOOD新血计划月度歌单 Vol.8 了解了乐队文化、音乐风格，接下来当然是要去现场感受乐队演出的魅力了。我们总说，摇滚乐的灵魂在现场，而属于摇滚乐最重要的现场就是livehouse。它是以专业的音响灯光设备服务于现场演出的场地，规模较小，容纳人数在200-1000人左右。在1950年代后期，日本新浪潮运动兴起，外国文化流入瞬间获得了大量日本年轻人的追捧。那时许多年轻人也开始玩风靡欧美的摇滚乐，但苦于找不到合适的演出场所，由此创造出了这样一个新的词汇和新的演出场所类型。1973年，日本第一家livehouse 拾得coffee house jittoku 诞生。日本第一家livehouse 拾得coffee house jittoku在今天，日本的livehouse产业已经很成熟且专业，在东京大概有200多家livehouse。（中国目前只有500余家）而在欧美国家，供乐队们演出的场所被称为music club或pub。这里就不得不提到一间传奇的music club，1970年代初由Hilly Kristal成立的CBGB。这里是70-80年代期间朋克音乐的地下根据地，许多伟大的朋克乐队都在这里演出并成名，包括雷蒙斯乐队（Ramones）、传声头乐队(Talking heads)、摇滚教母patti smith等等。听上去是不是很高大上的样子？但作为朋克精神的摇篮，它的环境也是非常朋克，脏乱差甚至可以用恶劣来形容。Television乐队在一次演出的时候，直接被漏水的设备电倒在地。2006年开业的星光现场，是中国第一家具有专业意义上的livehouse。它是国内第一家采用正规票代系统以及文化公安报批系统的独立音乐场所，加上星光现场打破了当时传统固定座位观演的方式，采用更符合年轻人观演需求的站立式观演方式，也直接推动了06年之后的音乐市场繁荣，使得星光现场成为独立音乐走向大众市场的分水岭。无论是从Live House运营体系，还是演出合同模板、线上售票方式、在线直播模式乃至Live House的人员管理架构，星光现场都对之后的Live House业态产生了深远影响。
2007年，日本人千叶与中国人李赤共建MAO livehouse（北京鼓楼东大街111号），将日本的专业管理模式引入中国。从此国内的livehouse运营逐渐走上更加专业化的道路，对推动live文化的发展起到了重要作用。除了livehouse之外，乐队的演出还会在一些小型剧院、音乐酒吧以及大家最熟知的音乐节。国内最大的live票务渠道是秀动，除此之外，大家也可以在其他app渠道进行购票。很多同学表示，我从没去看过live，怎么才能表现得熟练一些呢？其实完全不需要担心，只要放松融入，享受音乐就可以了。在去之前，最好预习一下演出乐队的歌曲，在现场与大家一起跟唱，能让你更加沉浸在音乐里。在演出现场，当然也有一些特殊的玩法，例如跳水、pogo、mosh等等。跳水：演出时爬上舞台然后平伸身体跃向台下，并被其他观众接住。mosh：更激烈版本的pogo，也更加危险，金属现场居多，一般位于靠近舞台的中央,参与者相互用手推或身体撞击彼此。
这些玩法的重点都在于人群之间，人与音乐之间的互动，于此释放出人们的情绪。更多有趣的玩法，这里就不赘述，复制下方视频链接详细了解~音乐节现场的八种玩法：https://www.bilibili.com/video/BV1ui4y137gB/?spm_id_from=333.788.recommend_more_video.1之前有同学问我，什么才是一个好的现场？为什么一定要去现场？独立音乐的现场和明星的演唱会有什么不同？以后摇为例，这种音乐丰富、细腻的器乐表达，只有在现场才有最好的效果，因为每一次音频的震动都包含着观众与乐队的互动。群体氛围、舞美灯光、音响效果，乐手的演奏水平、唱功、肢体动作，歌曲本身的编曲等等，现场的一切服务于乐队最大限度地向观众表达自己的音乐内涵。从音乐出发，到你接收，获得非常私人化的情绪体验，才算一次完整的live体验。Live这个词，除了现场直播之外，还有活着的意思。与冷冰冰地观赏艺术品不同，我个人以为和音乐产生最直接的情绪互动就算看了一次好现场。也有在主唱唱到“抽着烟上了天堂”，全场一边大合唱一边举起了好多支香烟……每一支乐队有着完全不一样颜色的生命力，这些个性化的声音，生于live，长于live，永远live。
“摇滚是社会根本矛盾、人类生存根本问题的诘问。它从来都是反统治的。”与文学、电影一样，音乐的本质也是一种表达形式。摇滚乐的表达内容，一直以来都具有尖锐性，新鲜性，甚至于冒犯性。但无论这些独立乐队们在唱什么，都是社会意识形态的体现。在中国的1980年代，刚经历了改革开放处于时代洪流的年轻人，对于个体的迷茫、彷徨、困惑、失落无处发泄，于是有了崔健喊出了中国摇滚乐的第一声“我曾经问个不休”。此时，摇滚乐唱的是个体意识的觉醒。1994年的香港红磡演唱会，魔岩三杰（窦唯、张楚、何勇）震撼了香港的娱乐工业，这是一次摇滚乐与商业接轨的成功节点。但是之后，商业化的不成熟的弊病开始显现，人们过于追求、神话群体情绪的高潮，忘记了需要商业运营的沉淀和反思，在这之后，消费主义、娱乐主义开始盛行，人们更加追求物质而忽略意识，摇滚乐逐渐没落，开始了漫长的地下时期。
到了今天的互联网时代，有老炮说摇滚已死，现在的年轻人垂头丧气，再也没有rock&roll的精神。但我认为这仅是因为社会在发展，时代在改变，当下的社会意识形态已经与上个世纪大相径庭。信息碎片化，社会竞争激烈的今天，独立乐队们依然在唱着他们在这个社会里看见的、关心的、思考的东西，唱着这个时代空虚的疾病，唱着人性中或善或恶的光芒。并且，音乐的商业化模式更加成熟促使表达形式更加多元，越来越多人正在加入表达的队伍中来。时代环境改变，但表达的内核不会改变，摇滚乐不应只有单一的意象，独立也并不是与世界作对，为这美妙的音乐干杯吧。2
Coin乐队专访及《DEMO》MV
