在世界美术史上，印象主义到后来衍生出了“后印象主义”和“新印象主义”两个派别。后印象主义的画作我们已经在之前解读印象主义的文章中为大家有所呈现了，在这期的文章中将首先为大家带来新印象主义的画作，他将作为20世纪名画解读的起点，自此我们将看到新世纪画作发生的翻天覆地的变化。
20世纪西方美术形成的流派众多，如野兽派、立体派、表现派、抽象派、未来派、超现实主义等等，在画家们的画中我们可以明显感受到与以往的不同，对于现代主义美术不加分析地一味赞扬是不可取的，而视现代主义为洪水猛兽、拒之于门外，不让人们接触和了解更是愚蠢和可悲的。那我们该如何客观看待这些看似有些怪异的画作呢？在最后的两期的文章中，我们新先聚品就带大家去看看现代主义的名画。
1.大腕岛星期天的下午——“点彩画法”的集大成者乔治·修拉的开创性旷世之作。
《大碗岛星期天的下午》
乔治·修拉
1884～1886 年
现收藏于芝加哥美术学院
《大碗岛星期天的下午》是新印象主义典型的代表作，画面上的人们在公园里愉快游乐。在这里，巴黎人的闲情逸致被描绘得有些古怪和不真实，具有一种冰封般的效果。
画家着意把画面分成了被阳光照射的部分和处于阴凉中的两部分，使画面构成了鲜明的对比。并运用弧线，以打破垂直和水平线的枯燥感，并使人物充满了情趣，而且画中人物是有古典线条的纪念碑式形象。
与以往的绘画作品比较，这幅画最大的特点就是画面上布满了精密、细致排列的小圆点，画家刻意追求的就是把众多人物安置在精确的几何图形中，仔细观看，会觉得画中的人物在各自的位置上形成了一种超越时空的凝重，仿佛各自都必须坚守自己的位置，不能打破某种默契，让人感受到一种理性的不可违抗的井然和秩序。
这种画法使艺术过于科学化，从而失去了艺术本身感性的色彩，然而这种大胆的创新尝试，深刻地影响了近代艺术的形成，不仅影响了野兽派，也预示了近代几何抽象艺术的出现。
2.呐喊——“表现主义”绘画风格的典型代表
爱德华·蒙克
1893 年
现收藏于奥斯陆国立美术馆
从表现手法上看，这幅画是典型的表现主义风格，画面上红黑色彩强烈对比，让人头晕目眩，昏暗的黄昏，流动的血水，黑色的群山，骷髅头一样的人物，这些元素都将人对孤独与死亡的恐惧感被淋漓尽致地刻画出来。
从蒙克自己的解释来看，画中的人物就是他自己。亲故随着他的成长依次离开，恐惧感始终魔影般不离画家左右，因此他在此画中把那种常常纠缠着他的恐惧赋予概括、更含糊乃至更恐怖的表现。凄惨的尖叫在画家的描绘下变成了可见的振动，像声波一样扩散。但这不仅是他个人的情感经历，画中的人物也具有广泛的象征意义，是蒙克自己，也是你、我、他等千千万万的生命个体，是整个人类本身。这也是蒙克这幅画拥有永恒生命力的社会基础。
蒙克的艺术含有浓郁的悲观色彩，他通过自己表现主义的手法深刻地揭露出了人类心底深处的悲欢喜乐，为以后西方绘画向写意和象征的方向发展开辟了道路。
3.吻——把绘画与浓重的装饰风格结合在一起。
古斯塔夫·克里姆特
1907～1908 年
现收藏于维也纳奥地利美术馆
这幅具有明显的东方装饰风格和东方情趣的画作，图案装饰符号被大量地使用，画面笼罩在美丽的而略带不安的黄色调子中，女人那张在男人爱抚下意乱情迷的脸是画家着重塑造的。这归因于克里姆特是一位对人生有着独特体会和探索的艺术家，他的作品把生命的诞生、成长、衰老、死亡进行了深入而细致的描绘，把绘画上升到了一种对人生哲理的思考和探索的层次，把宇宙人生的生死循环进行了艺术的表现。
在欧洲的传统文化中，传统手工艺一直不登大雅之堂，随着后来的发展，一度被否定的平面装饰艺术再次引起了人们的喜爱和重视。克里姆特则是最早把传统手工艺和现代艺术相结合的艺术家。
在这幅画中，各种金银片、铜、珊瑚的装饰使这幅画艺术魅力大大提高，它不仅是一幅画，更是一件工艺性极强的工艺品。画面上的色彩主要是金黄色，点状的背景以及开满鲜花的草地把整幅画衬托得唯美而轻柔，让人不管怎样看都能得到一种新鲜而典雅的艺术享受。
4.舞蹈-——“野兽主义”画派创始人马蒂斯的经典画作。
马蒂斯
1910 年
现收藏于圣彼得堡历史遗产博物馆
《舞蹈》是马蒂斯艺术成熟期的作品。画面描绘了五个携手绕圈疯狂舞蹈的女性人体，画面朴实而具有幻想深度，仿佛让人回到了远古洪荒时代，人们带着原始的狂野和质朴，在燃烧的篝火旁，手拉手踏着节拍，无拘无束，尽情地宣泄着生命的激情和活力。
此画在绘画上厚重有力，认识上洞察秋毫。画家所采用的表现手段无论是线、点、面、块、色彩、轮廓都力求简略。始的古朴、健康的美丽，也与蓝天绿地形成了对比中的均衡和谐。不管怎样理解，在这幅画上马蒂斯把色彩搭配的简约而又巧妙，用自然的笔触，把色彩的功能发挥到了单纯、协调，赏心悦目的地步。
刺目热烈的色彩、简化的造型、旋动的粗野舞姿，画家正是在对传统的大胆突破中，张扬着自己的艺术个性和才华。正如他自己认为的那样，他不想奴隶般地去抄袭自然，他要去解释自然，让色彩发挥功能尽可能好地为表现自己的主观世界服务。
5.亚威农少女——一幅标志着毕加索“立体主义”绘画风格开始的画作。
《亚威农少女》
巴伯罗·毕加索
1907 年
现收藏于纽约现代艺术博物馆
《亚威农少女》创作于1907 年，是毕加索的第一件立体派绘画杰作。画面描绘的是一家妓院的妓女形象。因为当时有很多人在性病中死去，画家本意是要通过这幅把放纵性欲和死亡联系在一起的画作，警告人们性病的危险，以警示那些放纵性欲的人们。
在这幅画中，画家就像把零碎的砖块构筑成一个建筑物一样将女人正面的胸脯变成了侧面的扭曲，正面的脸上会出现侧面的鼻子，甚至一张脸上的五官全都错了位置。画面上呈现单一的平面性，没有一点立体透视的感觉。所有的背景和人物形象都通过色彩完成，色彩运用的夸张而怪诞，对比突出而又有节制，给人极强的视角冲击力。
毕加索在塞尚色块、几何方块构图的基础上，把绘画艺术的结构探索发展到了极端——立体主义时期。以前的绘画只是描绘事物的一个面，而立体主义则要彻底打破这种造型原理，他们要把事物所有的面都展现在画布上，再重新加以拼凑、组合，让观赏者看到事物立体的面貌，他们更注重的是事物本质的心灵化的东西，而不再是事物简单的表象。
6.格尔尼卡——一幅被称为“抗议地球上所有战争的永恒纪念碑”的旷世之作。
巴伯罗·毕加索
1937 年
现收藏于马德里普拉多美术馆
在20 世纪30 年代的西班牙内战中，毕加索坚定地站在马德里共和国这一边，反对独裁的佛朗哥政权，4月26日发生了法西斯纳粹野蛮轰炸西班牙北部巴斯克的重镇格尔尼卡、残暴杀害无辜的事件。毕加索就以这次空袭事件为题材，创作了壁画《格尔尼卡》。
此画采用了半写实的象征性手法和单纯的黑、白、灰三色营造出低沉悲凉的氛围，渲染了悲剧性色彩，表现了法西斯战争带给人类的灾难。在这幅画上毕加索综合运用了立体主义、表现主义、象征主义等多种表现手法，把战争带给人们灾难表现得淋漓尽致，最终呈现的效果不比任何一幅写实主义画作逊色。
这幅画也因特殊的表现效果，而被人们尊称为“抗议地球上所有战争的永恒纪念碑”。画中充满了画家对祖国人们感同身受的痛苦和同情，更凝聚着对侵略者极端的厌恶和鄙视。后来这幅画被长期保存在马德里普拉多美术馆，并成为了世界上仅有的两幅用防弹玻璃覆盖、保护的作品之一（另一幅是达·芬奇的《蒙娜丽莎》）。
7.我与村庄——分解立体主义的构图方式，一幅充满浓浓深情的超现实主义作品
马尔克·夏加尔
1911 年
现收藏于纽约现代艺术博物馆
《我与村庄》是一幅让人感到怪异，同时又让人感到意味深长、回味无穷的作品。画面上的一切都是夏加尔记忆中故乡的物象，画中的男子就是画家本人，他把自己对家乡虔诚和怀念的思绪化作了守望的雕像，永远看护着自己的故乡。他的颈上悬挂着的十字架，是他渗透到灵魂深处的宗教情结的见证，是一种把灵魂与故乡交融在一起了的情怀。
在画中夏加尔把立体主义的构图风格运用的十分娴熟，但他把这种分割的物象赋予了一种默默的深意和情怀，不像毕加索笔下的那样的冷冰冰，甚至充满扭曲和恐怖的影子。色彩的运用也很大胆和强烈，绿色的人脸、白色的眼睛和嘴巴以及深红色的背景，有一种很热烈和醒目的力量。很好地衬托了画中超现实主义的幻想风格。
在夏加尔漫长的创作生涯中，把对生活的独特理解，加上自己奇妙的想象，运用象征、写实、写意等多种手法，给我们创造了一个独具特色的绘画世界。他是用心、用情感去创作的，正如他自己说的那样：“如果让我用心来创作，那怎么都可以，可要我用头脑来创作，那么终将一事无成。”
8.生日——超现实的梦幻手法表现生日的一个梦境
《生日》
夏加尔
1915 年
现收藏于纽约现代艺术博物馆
在一个充满了俄罗斯情调的房间里生日，一对恋人飞腾追逐，男士回头示爱，这在现实中根本不可能的事情却被画家浪漫而富有想象地表现出来。艺术家是通过这样的处理来更全面地表达出“生日”时的喜悦和两个恋人之间的亲密情感。
画家运用超现实的梦幻手法表现生日的一个梦境，在这幅画中，夏加尔抛弃了形体分解而采用色面分割的手法，以人物黑色礼服、黑裤子与红色的地毯、桌子台布等相配造成一种热情而温暖的爱的气氛。
整幅画是相互呼应的。这幅画中夏加尔故意突破时空的限制，打破了传统的单一构图视角，采用平视与俯视两种视角，使多种形象同时出现于画面之中，但正是这两种视角的巧妙结合使得整幅画都有一种接吻时的漂浮的灵魂直飞天外的感觉。
虽然是以情爱为表现的对象，但这幅画并没有给人以情色的意味。相反，这幅画非常的含蓄浪漫，表现出深陷爱情漩涡的男女间甜蜜温馨的爱情，表达了爱情的美好与狂热。
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