续答疑集4（注意：5并不是第5次更新的意思，在4中仍有部分新的更新，只不过因为文章篇幅的2万字限制，而把装不下的内容放在了5中。）
众所周知，很多现象都有着绝对的限制，比如真空中光的速度，电话簿里女生的数量等等。我曾经想过有没有一个人究竟能有多愚蠢的限制，但是art renewal（好像是一个艺术机构）证明了（又一次）没有。他们想骂人然后竟然骂得像个12岁的纳粹分子，好吧我也可以这样。
事实上这些工具已被证明使用了非常长的时间了。没有什么新鲜的东西。我倒是觉得这对Hockney来说新奇是件令我蛮惊讶的事。然后为什么会有人对此有疑虑？Hockney就没有，因为他是个认真思考的艺术家，并且了解创作了难以置信伟大作品的大师们是一点都不会因为他们用了这些工具的事实而减少的。一点都不会。 （这里应该是表示使用一些辅助性的工具并不会对大师们的『伟大性』有任何影响。）
并不是所有的艺术家都这样做，也不是所有的时间都这么做，程度也不尽相同。也许其他人会聪明地探索运用技术来扩展他们的表达领域的方法？想象一下吧！
去考虑这件事着实是一种侮辱，去想那些艺术之所以『伟大』是因为达到了“正确”的点——这是对那些art renewal声明去尊重的艺术的侮辱。我真切希望有一天能更好地表达自己，但绘画较此还要深得多。这比眼手同步还要更重要。你不是一台照相机！并且使用照相机和绘画设备不会掩盖一点你的艺术水平。但这也会以某种方式在巨大的安慰中显示出你的缺点。除非你知道你在做什么，并且大师们是怎么做的。
如果学生过多地使用这种东西的话，是的，这可能是灾难性的。但再次重申，这完全取决于他们之后想成为什么。我们并不是都想成为七个宇宙中的绘画大师！！！
过去我会玩玩这些东西，我甚至也拥有过一台（文中确实一直没提到这个工具是啥……），然后我摆脱了它，因为这些东西对于我要成为的人并没有帮助。如果它们有，我会马上开始用它们。
我只在深思熟虑并且认识到『它不能对你的工作有帮助的情况下』抛弃一个工具，而不是出于什么艺术家的气概。
写生，然后再从记忆里精炼你在写生中得到的印象。我感觉我这图画得有些粗陋。油画颜料用的不好，至少很受其限制吧。
我有个想法，然而我没有资格去说，所以你们可以随意地无视它——你也许可以再考虑下你一直循着最初草稿的做法。我以前不觉得这是不好的，而且现在我的画也很少在隐含的概念之类的东西上下功夫。我觉得如果你这么做并且花上些时间思考这样能带来些什么，结果可能更好。如果你只是执着于描画精确的作品，这样不错，但你也就没有提高的余地了！我发现画得好的作品上使用一些漫画式手法、隐喻、夸张比我以前以为的超写实手法的多得多。我想如果你画得已经非常非常好了，比如比我现在好上一千倍，那你也许抓住最初想法不变也能成功。Rockwell和Drew Struzan（两位画家，洛克威尔和德鲁·斯特赞）就是这个境界的。当你拿到一个项目的时候，了解其形式，仔细思考，做些取舍，夸张，然后用你自己的形式把它重新表达出来，那结果会更干净漂亮，更有趣味性，更不机械化。然后随着时间，这样的工作方式能让你成为一个有着更强控制力的更好的艺术家，因为你的感觉和思想都被精炼过了。
我知道我表达得不太好，我甚至花上了好些年才明白我还不会绘画的哪些东西，所以试着表达这个想法真是很难。请不要觉得这是某些关于灵魂的玄学，这是非常实际的。
我在绘画中也确实是这么感觉到的。我这么画了一会就让我精疲力竭了，所以我逃避了。但就像大部分事情一样，当你的理解和能力增强之后过程也就变得更加有趣了。我得到了知识然后这种方式慢慢变得更容易更有趣了。但我的说的绘画不是关于运用线条和明暗，好的作品都有着好的绘画表现，但我说的并不是指那些线条。绘画对我来说是整体的。Thurber和Sliverstein（詹姆斯·瑟伯和西尔弗斯坦）都是伟大的画家。他们做什么都蕴含着深厚的基础。我觉得他们凭着直觉（天赋）就能了解的要素对于我们来说就得绞尽脑汁才能明白了。有时候我觉得动画师才是最好的画家。啊，不胡说了。
对，就是这些之类的事，如果你想用些传统的方式来画的话。我发觉这对于我要做的事来说是很重要的。但不一定对所有人来说都对。
我对Church和他的生平故事是很了解，他从很久以前就给了我很大的鼓舞和激励。
Lunatique，Schmids的作品我看起来就好像是用颜料画出来的。我喜欢这种形式的作品，而且他的作品也是完美无瑕的。
尽管对于技巧来说我挺满足，对，我认为对于数字绘画工具我已经熟悉到可以运用得自由自在了。倒是油画颜料，我大概还得再用上几千遍吧。还得我的大脑完全投入的状态下。这意味着分析然后吸收每一个知识点，直到完全OK : ) 没问题，我会一直关注你发表的作品并给你的建议的。
Matthew，你说的是关于区分主次的技巧，这确实能帮上很多的忙。特别是对于数字绘画这也是很好的一种方式。我好奇Bouguereau作品中的蓝点是不是人能做到的技法。昏暗的博物馆和手持相机。我也调亮了图片来观察。但我知道他画的皮肤调子中含着微妙的暖灰和冷灰。我了解到他不用急促或者搅合的笔触。他是如何做到的已经超出我的理解范围了。
Q：嗨，你好Mullins先生。谢谢你的指导。很多内容我之前想都想不到，太有用了。
我的问题是这样：我的图总是太“静止”或者太“匠气”。尽管我开始比较灵活地画，使用大量夸张，做得不那么写实，但结果还是很实在、很僵硬，就像这些人物是被摆在那个位置。不是抓到一个自然的瞬间。这让我最近害怕把画画完，因为它会失去自然感。你对此有什么建议吗？
我在街头写生，快速作画能让我练习到概括捕捉形状的能力，但是细化之后，画总会变得僵硬。可能是我细化过头，但我不知道在什么时候停下来它才会看起来不像是“结束了”。
这几张画能说明我的意思，也许你可以告诉我我缺了什么，或者什么地方可以改进。
一些我觉得已经比较灵活了的例子:
暂时就这么多，想起来什么会再来问的，谢谢你的时间！Peter
A：考虑到你不会觉得需要消除掉每个笔触，你应该更注意你的调子。如果正在画的东西表现得不好，多数人的第一反应总是继续完善细节——有时候这样是奏效的，但是大多数情况下，其实是更基础的部分错了。这幅画（图在后面）的调子被涂得四处都是，每个小块都包括了从黑到白的整个跨度，我在上面涂了一层，在这层里，我定好了最亮的亮部和最暗的暗部。这一决定基于对实际光线和形状的表现，以及我希望观众的目光看向哪。你目前设定光线下，画里的女性角色只受环境光和反射光。她膝盖上白色材料的面大概是最亮的亮部。你可以移动周围的光源来更好地表现主体，但我现在想说的不是这种做法。就比如说我不会选择一个完全对称的构图，但这是你的选择。
说回调子，我觉得这是你真正的问题所在。我从背景的褐色开始，小心地把它和中间调区别开。当画面信息更清晰一点，我发现我只需要在少数几个关键部分画得很亮或很暗。另外不使用太极端的明度跨度，可以让你保持色彩的饱和度，这样多了很多东西。在一个像这样低到中调的图像中，你画完亮部之后，低对比的地方可以被留出来形成阴影。这部分已经低对比了，所以用做阴影刚好合适。只用在有的地方加少量的黑色就可以了。
听听我对设计对比的说法。这是个好例子。注意图左边桌子上的书，书页垂直的面和裙子的白色顶面明度相同。大概有十个理由能告诉你书应该比裙子暗。注意对比！
明暗的区分，配上形状的设计，有一点脏了。我觉得你对形状是什么样没有一个特别清晰的概念，导致你不能画出有说服力的光线效果。试试强形状上的光影是什么样。就算他们有哪里不对至少也是生动有趣的。更好的素描，更有说服力的形状，这些才是对你这张漫画有利的东西，唯一的差别只是你没在用线条。
哦上帝啊，bottomobarrell（某网友）
我建议先使用中间调子来处理，你也应该用这样的方式，直到你真的非常需要用强烈的黑白对比为止。如果你对明度的推敲是经过深思熟虑的，那你不会需要这些建议。再次看我网站上关于萨金特的解释的内容，关于“明度分阶”的话题。每个平面都有着属于它的明度，并且它跟其它的平面保持着某种关系。当出现问题的时候，记住：你的画里只能有一个最暗的面和一个最亮的面，而你不需要拘泥于绝对的黑白，重点是关于对比的思考。那么现在你有3个可以开始给每个平面分配不同明度的要点（我认为是1.固有明度，2.光与表面的距离以及3.光与表面的角度），当你大脑中有了这个模型，你就能轻易地发现差异。但是，绘画这种行为是在你大脑之外的，所以你不得不去理解为什么每个平面会存在明度差异，然后你才能构造出和谐的对象。记住，抑制极端的想法，用折中方法来描绘大部分的内容。
我看到的最大的问题是阴影太过了，那全黑了好么！并不需要这么做！颜色和细节体现在中间色调中或者是有光但又不是最亮的区域中。所以相对而言，要保留阴影所属的那道光。我想有2样东西可以帮助协调他们的“一致性”（也就是基本原理，与点光源相对的漫射光和环境光）
我记得那些好的matte painter（遮景画家），比起绘画他们更喜欢“拍摄电影镜头”。绘画是达到目的的一种手段，所以他们画的都是电影镜头拍摄所要求的。如果你真的热爱艺术、素描或者色彩，那你应该注意这个问题。这将让你比Matte artist 更加多样化，并且从整体上学到更多关于艺术的东西。这在今天尤其如此，在未来的日子会更加确切。
Henrik所说的是对的，知道事物是以怎么样的方式存在以及它们为什么用这种方式存在，在任何情况下都是对你有帮助的。
写实主义其实可以让你更好地了解某种事物。一般而言，这个认知并不经常用于VFX（视觉特效）中。这种挫败感导致了ILM（工业光魔）的保守派另立门户，因为他们实在不喜欢这种类型的摄影师（还被晋升为主管）去告诉他们云应该是什么样子，或者传说中云是……
过去的13年来我一直与同一位代理人合作，并且干得很好。算上我罪恶之城般的生活轨迹，她是所有人当中值得我完全信任的一位。
合作过多的代理人会伴随着产生相应的问题。你只有这么多的时间，在你的空闲时间里你可以毫无顾忌地拥有一些代理人，但这对于这些代理人来说却是很不公平的。棘手工作的安排依旧很棘手。
有些工作非常复杂，使用方式和版权问题非常严苛，你需要经常跟那些随时想吞了你的律师们协商，他们混淆视听，浪费你的时间直到你屈服和停止反抗。我拟了很多页的合同，但我不是很专业地评估这些问题。可律师做得到啊，这也是他们唯一能够提供的服务了。
拥有一个了解合同和市场的代表可比一个律师好多了。要跟上市场的发展是很复杂很困难的，这也是画室里的艺术家们没有接触过的问题。
我的经济人是个谈判专家，他能很好地处理跟官老爷们的关系（不像我~）。记住官老爷们的职责就是协调关系。他们会为了自己的利益问题去解决复杂的问题以确保公司的运作。假如你是直接去找出品人来协调，那有时候就没那么好办了。
此外，你觉得拥有一个不贪婪并且愿意为每次交易呕心沥血的经济人是很重要的，其实这很目光短浅并且将是自取灭亡的。再强调一次，去了解市场，如果你不高不低地进入市场，那对你的声誉带来的影响是极其不好的。
对于涉及到的各方面都要非常细心。虽然这对我来说一文不值但是对于素材却是很重要的。如果人们团结一致但是却进展不顺利，这是由于双方都很得体一致“不说对方坏话”。这是一种交换条件。这种事情多次发生在电影行业和日常生活中。大多数人都不喜欢给建议因为这暗示着责任。
远离那种窃取你的作品去重新包装的公司吧！像FF或者其他形式，反正这些完全不是好的处理方式！
我以前跟一个刚走出学校的经济人一起工作，是她帮助我开始我的事业的。但是最近我却不得不终止跟她合作。她跟不上我所在行业的步伐，给不出正确的报价，越来越多复杂的合同跟她以往遇到的不同。很长时间我并未听从于她，可以想象的是我跟其他经济人续约的时候她会很沮丧，我不能跟她继续合作了，所以我现在只跟对的经济人合作。
在不久的将来我将研究一个经济人如何与画廊工作。
但需要在问题上扩展开一些，如果一个经济人问你『多少钱你能接受』，或者说客户双倍要价的收益，直接跟他说不！这曾发生在我身上。通常他们拒绝用文件证明客户开的价究竟是多少，而是按照你说的支付给你其他的就不关你的事了，但其实，这都关你事！（CM在提示避免被经济人吃了差价）
除非你是受雇创作，比如你为迪斯尼画的米老鼠，这个米老鼠是有版权保护的，那你不能不计后果拿它去印刷或者销售。假如你真的犯了这个错误那么你最好还是装死吧。
没有管理机构为这种行为制定规则。所以艺术家协会建议『请正确辨别市场交易』，仅此而已了。这一切都是可以商量的。Syd Mead保持这他的原始艺术，交易也就没了，在那个时候，没有人在生意里面用手段去做这些，但这对他却是很重要的，所以他通过其他方式得到他的报酬。
关于重复的东西，某个人买下你的作品，再重新卖给第三个人，而你是不知道他的卖价的。有时候情况是“我付钱给你并承担客户不付款的风险”这情况毕竟很少发生，这几率就跟一分钱一样小。通常的交易应该是这样的：我做了一个价值$5000 的鸟瞰建筑构造图，代表先生把这幅图以$30 000卖给了建筑师。他还私吞了差价。你就能看到你跟客户之间关于专业知识和作品金额看法的不协调了。所以你不仅玩完了，你还得加紧创作（你还得不到任何费用）。客户觉得玩完了，因为他们期望付出的费用得到的是像米开朗基罗那样大师级别的作品。除了那个骗子，这笔交易对谁来说都很糟，你还不能因此责怪审问经济人，因为这些本就是你该好好谈判的。
谈判是一种不需要给予应有信用的艺术形式，这就是我用它做代表的原因。相信我，如果你不是很擅长谈判也不是对市场非常有见识（全然不知那些人类的弱点），你就不得不花很多钱去办事了。当然，这些钱是很值得的。
但有时你别无选择。假设你在为一个主题公园开发公司工作，你算出了你的案例值多少钱，你的雇主把设计包卖给了客户。而你刚好看到了明细单，哇靠！他们标注的是你价格的5倍！你为固定工资的安全感付出了巨大代价啊！
这也让我存了点钱，所以你是有选择的，在你能力范围内让自己生活更好。
有些人能发觉某个人生活山穷水尽，并且缠着你鼓动你去给他的生活一点希望。过好你的生活，你并不需要跟一个糟透的交易说“yes”
（图片缺失）远景描绘很容易，只是要做得完全没有立体感和纹理。我看看可识别的元素的规模。天花板看起来像你经常在办公建筑看到的镶吊顶那种，通风管道补充说明了这一点。这也让它看起来有点儿小。无论什么天花板类型，都像那样吊在一个地方，渲染了某些东西的构造，让它变得更可信。
哦好吧，简短地说下我的意思。川普大厦里的科幻机器人？算了吧，我只看到过时的科幻片。好吧，我真的只是想像你展示我所说的远景描绘。
我们假设空气中有些小东西，颗粒物或者别的什么都好，天花板上的灯光把空气变得显而易见了。所以灰色从底部的浅色到顶部的深色，底部颜色无层次感到顶部细节的突显，一切都会变得很省事！（由于图片缺失，我猜想CM是描述顶部灯光照亮空间中带有颗粒感的空气时，使空间的上部和下部发生对比的情况。）
守夜人关灯后的故事都是不一样的，一些很困难的事情我只能认真去学习。我克服了油画学习中的很多困难，它的绘画技巧完全影响了艺术。画家就像一个真正的媒介，在许多相互作用的变量因素下会把自己搞疯了。得了，脚画得很好，其他的都是废话了。我确实该重新思考这个问题，20分钟都不够时间让我想想我要做什么。坏习惯都是根深蒂固循环往复的。这只是我在油画中得出来的，所以我一直这样坚持。
宁缺毋滥吧。
进入地窖的那种恐惧的情形其实是很有趣的，这在之前有提到，我刚刚开始明了，你可以用PS画的。
我觉得你可以把故事情节和框架画出来，画这个需要多少时间呢？我觉得我自己10分钟就够了。这些都是简单易读的图像，复杂的表情和动作则需要花费更多的时间。但是其实这不能成为挑剔你使用方式的看法。我会给你一些方法和漫画形式显示操作技巧，都是很通俗易懂的。
你的操作技巧能够帮助你解决更多东西。但问题是，我所见到的大多数情节绘画家都活在那些导演的手指头指挥下。就这样咯。
我对你画的罗马人（图在后面）瞬间有了个想法，我想，接不接受我的建议取决于你是否认为这些建议能改善你的作品。头部应该很重要吧因为我看你很注重头部的刻画，比骑马的罗马人还仔细。这是一个理解能力的问题了。如果我对这方面很了解，我应该能画得更好。也就是说你理解更深入，那成功对你来说就更简单了。另外，你把色彩的明暗和浓淡发挥到了几乎让人难以理解。基于你的画面，我觉得暗区影调应该还是相对明亮的，为了弥补这个失误，你用了过于极端的冷色。有时你需要把明暗给稍微区分开来。你会暂时迷失于表面的统一性。马鬃和盔甲的白色强光部分太多了！特别是马鬃，它应该是有点毛茸茸的黑色哑光表面，并且要画出离你越来越远的感觉，尤其光线在你身后的时候，是不会很明亮的。在观察者和光源的直角方向来看，盔甲是光滑的。所以这就是马鬃和盔甲应该区别对待的理由。
去旅游景点玩的话，我猜你们很可能见过画廊销售商们扎堆向顾客兜售画作的场景。他们要价惊人，好像就是为了把画卖给最有钱而不是最懂画的人。叫他们骗子奸商也不过分。我在那见过Haring（哈林）Chagall（夏加尔）和Matisse（马蒂斯）的复制品，一幅卖2万美金。在我看来一幅也就值50美元吧，不算那些一千块的画框的话。收银台下方有个小标志（不太醒目不过你能找到）告诉你“去买你喜欢的画，别管什么投资价值啦”之类。我感觉这种以前只会出现在庭审上的句子，现在也在一定程度上保证了画廊的经济收益。
现在，较之艺术本身，商业运作啊营销策略这些毫无疑问更好玩更有趣；当然啦，它们也确实创造了不少奇迹。
你说不定会好奇我为啥想趟这商业味儿的浑水。我之前说过不少次，我是个插画师，商业运作只是我工作的一种形式而已。以我的能力我能给游戏公司画很棒的海盗角色的商业插图，我就不需要走画廊那套商业推销的路了？我可不这么认为……其实我仔细考虑过，最后得出的结论是：自己单干和委托商业画廊本质上没区别。所以如果不通过画廊的渠道，又想获得商业成功的话我就只能自己笨手笨脚地抬起自我宣传推广的重担。当然，如果这不奏效我也没太大损失就是了。
这次展览唯一的意义就是给我提供了一个和其他画廊主运营商交流的平台，看看是不是能给我的作品找条新路子。关于这一点，等开展后我心里就有数了。
Glitterbug-我想说的都在上面了。我是不会转行的，就想试着拓宽自己现有的领域而已。那些关于自我推销的书我完全没看过，至于展览到底顺不顺利其实也不重要。
Balistic-你说的没错。在这点上有人会觉得你在进步，而有些则觉得你在倒退。在我看都一样。我是插画师，我的意思是，不仅仅是狭义上的插画师——好比我也为其他媒体服务，给它们提供支持。我是个有艺术审美的真正懂行的插画师，这一点我不想改变也不会改变。就像我喜欢百威啤酒，讨厌白葡萄酒一样，我会一直这样下去！
Eyewoo-我知道你涉足了些艺术方面的商业领域，不过结果不如你所愿。是不太顺利么？如果错了就纠正我。和这些画廊的作品相比，我记得你选择的更倾向严肃派风格。这些画廊里的运营商视自己为纯粹的买卖人，一分钱一分货。他们想收购那些能卖给中高端客户的画作。和这些画相比，你的作品需要在这基础之上加些虚饰。
——想到啥说啥分界线——
比较诡异的是，你知道我有多烦那些自视不凡的严肃派艺术家，我也不是那种较真儿的性格（我对自己的作品都带着点自嘲，至于程度……就詹姆斯邦德那种）。所以这些画廊非常合我胃口，毫无品味！没错！我也好这口！我们一定会合作愉快的！……所以帮我卖画呗？
致那些以后想靠艺术吃饭的朋友，我非常鼓励大家多点自嘲感。工作是必须的，有质量有内容是必须的，但找准市场，发掘自己作品的独特之处同样也是必须的。我见过些不同的市场营销策略，它们简直太棒了，堪称天才之作，好比（20 artists proofs,highlighters）等等。有些人把这些方法都想到了，这本身就是生财之道。
如果你觉得这太俗，那你要好好考虑一下怎么办。我的话需要的就是别把自己或自己的作品太当回事儿。
成为我眼中更出色的艺术家，比如“越画越好”之类，学习画人头啊色彩啊和学习如何把自己推销出去是完全不同的两码事。
所谓饥饿落魄的艺术家，听起来高尚伟大实则完全没必要。作品不叫座并不代表有价值。个例也有，不过出名的艺术家和音乐家大多在世时就获得了成功。
我爱钱，钱越多越好，你要是摸着心口讲良心话也会这么想。我活得像个大学生，对花大价钱购置昂贵物件不感兴趣。但是我一直追求安全和自由，这可比买保时捷酷多了。
所以努力在自我推销上做得和你在艺术上一样富有创意吧。我在朝这方面努力，不过还不够。
但是我绝不会向买不起的人推销我的作品。好比你面前有个老奶奶走进画廊，说她敲掉牙换钱来投资画作，这样她就能供孙子读大学了。这简直是噩梦。对其他人来说，同样是这些艺术品，可能价值就完全不一样。不过我还是要说这不是投资。如果你买它是因为你喜欢它，那没问题。其实有很多艺术家我都愿意花一大笔钱（如果我有）买他们的作品，就是因为我喜欢它们。以投资为目的买艺术品并不是好主意，除非你明确知道这钱怎么花，花在哪里。Thomas Kincade（美国职业画家）或spoogedemon（CM本人）的作品都不是好投资，我不会花一点钱在上面，也不会推荐它们。我想这就是我的底线，这也可以防止我从事与此相关的作品销售。
我的个展开幕又闭幕了，我其实挺高兴它总算结束了。这就是个悲剧。中午开始下瓢泼大雨，来了大概75人。他们一般都是迅速地从展品旁走过，基本不太看价格，然后直奔酒水和零食区。所以我一件也没卖出去。
这是些现场图：
在围观中速涂了些东西
你发现观众们的注意力并不集中。我一直强调插画师就是表演艺人，没错我指的就是字面意思。
“所以Mullins大大，魔法什么时候出现？”
“画成那样就算完成了吗？”
（以上两图是CM在围观当中完成的画）
化繁为简很困难。如果必须要简化的话，我只会说阴影中包含的信息量太大，对比也太多。决定好哪部分向光哪部分落在阴影里，别弄混。可以采取漫画的技法，只要经过充分考虑，仔细设计和作画，仅有黑白二值的图案也可以很还原。就按这种思路，不过不要单纯把光面涂白暗面涂黑。好比我们设黑色值为0，白色为10。作画时我们可以设定光颜色为7，阴影为3。然后明部颜色区间取5到10，暗部区间1到3来找过渡。不要在明部用区间1到5的颜色，同样也不要在暗部用5-10的。暗部中的边界应趋向柔和而明部中的边界应稍微锐利。做到这样大体就完成了。用语言很难讲清一个具体物件在明部或暗部的颜色取值。关于这一点争论非常多，我就留给你们自己把握。
学习塑造形体和绘画最好的方法是雕塑！这是最好的方法！我希望我能有更多的时间用来雕塑...什么形式的雕塑都是极好的，虚拟雕塑(软件建模）更快更方便，传统雕塑则迫使你在下刀前思考更多，就像在二维（作画）中权衡一样。
我认为你可以从复制大师的杰作中领悟很多东西。不是研究、不是模仿、不是根据你对大师画作的感觉作画——而是精准的复制大师的画。它会让你清楚的明白你跟大师的作画方法有什么不同。
如果我是你，我会考虑跑去某个地方上学。你可以自学，我看过类似的先例，但是这种事情确实很少见，这要求你有很多时间，或得天分。我不知道你有什么要承担的事情没有。如果你是一个未婚的年轻人，而且可以花15个小时来高效，刻苦的学习，那么你一定会成功。你有多少热情来克服这些困难呢？别看电视了，我91年的时候摆脱了它。这是我至今干过最好的事情。（笑脸）。只要信守对自己的承诺，多年，也许十年，你就会成功。我认为大多数独自前行的人之所以气馁，是因为进步不够快速。记住了，进步不是一个线性的过程。有的时候它会保持平线一段时间（即没有任何效果），但之后就会飞速增长。有的时候，或者说，经常，你刚接触到新信息，然后你的画作就因为你的迷茫水平严重下滑。你挣扎着，试图纳入那些新的信息。这就是人们感到失望的时候。这也是人们能不能成功的区别——成功来源于不断努力地创作（学习/工作）。
其实网络上现在有好多有价值的东西。我记得我在那时可只有一本starwars速写本，这就是全部了。现在你有conceptart，还有Gnomon，（都是网站）你可真是幸福啊。所以你也许不需要花费巨额财富去artcenter上学。我记得我上artcenter可是要花2000元一学期呢。
我确实不知道应该说什么才能帮助你“改进”你的作品（图片缺失）。我是真的不知道你认为你缺少的是什么东西，在我看来，我看见很多对比，还有刻意的打光——最后却造成了总体的影响力减弱。我在cg界看过很多这样的画，我猜可能是因为这样可以很轻易的让画面看起来很让人兴奋。如果你不知道要做哪些事情来改进你的画，无论实际上要做什么，人们通常想到的都是加强对比和抠细节。回到绘画的底层吧，物体的基本型、光是怎么作用在物体上的、甚至暂时忘却色彩。也许你可以特意画低对比的画——只允许你自己使用用4到7的明暗度。
我看见你使用了很多cg/数字绘画的套路，但你可能根本就不知道它为什么要这样做。我会建议你这个时候不要看这种类型的画。观察生活中的美，纯艺油画，甚至相片。从事物的本相来取得灵感。这有点像从临摹漫画开始学习绘画。经过一段时间后你就可以回来解析这些套路了。我想这就是你现在要做的事情。
尽可能尝试画别人没有画过的东西。
我见过有的艺术家徘徊在野外，直到找到一处能让他们回想起莫奈某部作品的风景。
环视你的居所，避免画那些精巧如画，或者已经被画到烂的东西。比如你可以画窗台上那只死掉的虫子。想要摆脱原本主体的影子有两个要点：
1）你必须自己思考问题，从而提高艺术眼界。
2）你的作品要更有原创性。
当然我不是说抛弃前人500年的学习经验，然而你需要意识到太过按部就班而带来的短板，有可能会让你盲目或者束缚你。
另一方面，我觉得原创性有些被过于拔高了。众人普遍认为原创性无疑是艺术的最高境界。就是这个“无疑”让人觉得不幸。如果你意识上觉得原创性就是顶点，那也没什么。这是一个价值取向，而不是对与错的问题。
我希望可以说清楚。一点原创性就可以让很你受用。你不需要每次拿起笔的时候都浪费额外的时间和精力去重复探索一遍前人已经研究出的成果。
关于如何高效利用时间的问题，你得思考你究竟在干什么。学会观察和思考。你对事物越是吸收理解得透彻，将来才会无论画什么都越来越熟练。我所说的不是表层和感受上的理解，而是从其物理性质和结构上去理解。虽然随便画画比什么都不干强，但是在其过程中专注于研究学习才会真正带来收获。
啊啊啊！救命，让我别再想了！！
我基本上和大家一样会去分析画面，但这一次我想把这些放一边。
让画面变成你想要、喜欢的样子。
尝试用分析的手段来改进构图会越来越糟。想着“弄好”构图最终结果只是重复之前你所做的。就像睡觉一样，越是想着入睡就越睡不着。
我见过构图非常好的新人艺术家（我喜欢他们作品给我的感觉，但也仅限于此），但我觉得构图水平是在工作和实践中提高的。这个靠自己分析不太可能。
我承认一切“跟着感觉走”的背后也是存在一定原理的，而逻辑和历史上告诉我们原理是可以解析的，理解、重新构建，并且改进得越来越好，但我认为这一过程对于一个作画中的艺术家来说太复杂了。有时知识也可能会物极必反。
你能从我的文字中看出我是个浪漫主义者——古典主义的对立面。我想这只是走的路不同。我觉得我的构图水平还是太弱，这也是待我形体有一定的进步以后打算提高的。但我认为构图不是你想提高就能提高的。
但如果你画一个有章法可循的古典艺术题材的时候，只要遵循其法则就能画出不错的作品。好处就是它有规律！但对我来说不该这样。
在AC（ART Center）的时候我无数次和我的导师们讨论过这个问题。他们有些和我的感受一样，而我发现我也喜欢这些人的作品。19世纪正是开始打破传统世界的法则，以及过去人对好作品定义的时候。浪漫主义出了很多好作品，同时他们也打破了所有规则。同样的事也发生在音乐界。想想看过去人认为“好的”和声。巴赫和莫扎特所作的曲中有很强的数学基础。而正是贝多芬开始打破这种和谐。这样的做法人们延续至今。这就是为什么世人一直铭记我大贝多芬。
我说这些并不是让你们随心所欲，或是说打破规则就一定好。相反这样其实挺蠢的。我其实想说浪漫主义其实也是建立在牢固的法则之上的，只不过它更宏大，比古典主义复杂，同时也不那么容易去分析。我丝毫不怀疑有那么一天学者们能分析理解所有的法则，上帝保佑他们。我反正不是个神秘主义者。
这就是个巨大的中文谜语，你只能看到最表层的一面。
所以综上所述，雄心壮志的学者们，加油研究吧。还在奋斗的艺术家和插画家们，跟着感觉走吧，亲。
为了取得商业上的活儿（获得外包的机会），你恐怕需要让你的作品集定位更明确——当你在找正式公司的工作时，涉猎广泛的作品集更好，而如果你是自由职业者（外包人员），你的作品需要让人觉得你很可靠，可以做到他们要求的。
虽然很不幸，但是风险和成功并不会在市场上获得统一。（风险越大，成功的机会并不一定越高，所以需要针对性地投递适应风格的作品集）所以如果你想要找工作，注意你的画是为了商业项目而作的，让你的画符合这个标准。
Q：你关于色调的变化规律说的很好。但是如果是没有色彩的黑白画面——色调的偏移有在上面起作用吗？怎么起作用？
A：颜色是如此复杂的事物，我怕我无法解释地很简明，不管了，开始吧：
试着将颜色和明度（黑白阴影）分开考虑——即它们是两个独立的实体，以此来分开考虑：这是正确的明度吗？这是正确的颜色吗？按照以下这个顺序询问你自己：明度，饱和度，色相。所以色相其实并不像我们所想的那般重要。
关于你所提出的黑白的特殊例子——它之所以看起来是这个样子的，是因为当明度变化的时候，并不存在色调来随之偏移。当光的反射更强的时候，色调会偏向光的颜色。
更加简明的回答，是的。
但是我真心觉得你应该在色彩上遵从你的直觉，然后当你发现有些做法很有效的时候，再找出为什么。这种方法比学习，接受一大堆概念化的色彩规则要好。(后者)蠢爆了。
Q：身边的大自然之美会减弱你绘画废墟或反乌托邦时的感觉吗？
A：哈哈，有一次我在考虑买下一个洛杉矶市中心的阁楼时，也在想同样的事情，不过我就不是那种都市化的人。工作环境怎么影响你...数年以前我发现了这张照片，有人告诉我这是我在我家乡的工作室。是哦？...它现在还是照片中的样子吗？我很喜欢工作室环境光洋溢的样子，你可以看到窗户外的大自然，但是室内却带着浓重的阴影，使得大自然显得萧瑟孤寂，由此，绝妙的点子诞生了。它让我想到“邮箱模式”的黑边可以框住一个美丽的景象。
Q：您在课上曾谈到过，通过观察和学习抽象作品来获取灵感和工作方法的基础知识。
老实说，我先前并没有对那些抽象艺术家的作品抱有足够的重视和学习（除了萨金特那种程度的抽象）。
尤其是在看完你的演示并了解到作品之间的直接关联之后。
您可以告诉我一些能够让我从中拓展认知区间的艺术家的名字么？
A：嗯...你可能已经猜到了，我着实非常喜欢Diebenkorn（迪本科恩，画家）。对于这个问题我不是很确定，然而，你不应该将注意力只局限于画人体的艺术家里，我曾经对因撞上我的挡风玻璃而粉碎的昆虫的尸体感到十分着迷，于是我取出了微距镜头并把它拍了下来。
说到微距摄影，欣赏电子显微镜拍摄的照片也着实令人沉醉，不仅仅是二维，三维领域也一样。看看每一位你能找到的艺术家的作品，每一种图形和想法。
善于发现美才是最重要的。
Q：感谢你与我们分享你的想法。你曾有过弃置一幅已画了好久的画，之后又重新开始画的经历吗？这种情况经常出现吗？你会在开始阶段进行速涂打稿吗？
A：绝对会！从开始到结束会经历这种过程N次，通常这样做会有益处，主要是对于一些具体的想法和画面特别有用。
重新画一幅画尽管代价高昂，但它是让情况变得更好的最佳手段。
我可能会对整幅画或者是其中的一部分事先进行速涂，它不一定会又快又完整。当然，如果一切进展顺利，它可能会被确定为最终的画面。
Q：你最喜欢的艺术家是谁呢？
A：这很难说。
Q：嘿~克雷格，我超喜欢你的那些视频！内容里的信息量太丰富啦。能够聆听到你关于艺术方面的理念真的是很棒~
我有几个问题想请教您，虽然它们更侧重于技术层面（尤其是相较于您在视频中探讨的那些问题来说）。
曾作为你网站头图的那张画绝对是惊人的！（就是那个内容关于一个与印度国王与他身后的军队的那幅）您能谈谈您对色相和饱和度之间关系的看法吗？例如它涉及光影的那部分？（问者提到的图如下）
我画画也有一些年头了，尤其是我的画一直都没有太多去找参考，而我也一直在因又糊又乱的阴影而痛苦着。
您作品中的阴影总是显得那么的生动，但是我作品中的阴影却一直很不和谐。
你的任何帮助都将不胜感激，我保证接下来的几天会更多去问您和视频直接相关度高的提问的^-^.
A：Scott,请贴一张你认为有你所描述的问题的画，否则我这样讲可能会有些抽象。（然而问者并没有贴出自己的作品）
关于光照的一些看法：
大部分基础的艺术课程在调子这方面都会教授1-2-3打光法。
分开亮部和暗部并且不要把它们混在一起。这是一种很好的开始，但我认为你可以在此基础上更进一步，不要把这认作是处理光照的唯一方式。
如果你不像这样分离你的调子，大多数人可能将会表示你画中的信息将得不到有效的理解——不过这是扯淡，比方说HDR图像，它不能被理解么？当然也能！
你可以试试仍然区分明暗，但暗部仅仅被局限于AO区域（环境闭塞区域）。 这是一种处理光照下的物体的方法，它对于已经完成的图像很有用，但对于草稿没什么好处，草稿往往需要更大也更简单的对比。
但是，这是超越我们自己的方式。
贴出你的图，之后我会对它进行评论的。
Q：你为获取更多用于创作的信息而读书、看文档、看视频吗？频率是怎样的？
A：很频繁，一直都有。
Q：你认为重点在于创作之前阅读？还是创作中阅读呢？
A：肯定是之前。
Q：你通常会很有规律的看视频或阅读资料吗？
A：我喜欢大量阅读，如果我的彩票中了大奖，我会坐下来一直读书读到爽~
Q：你起稿所需的时间是取决于『项目的紧急程度』以及『客户想要多快拿到成品』吗？
A：在获取客户的理解这方面我有时会遇到麻烦。
他们会问：“这副草稿要花多长时间才能完成呢？”
呃，大概需要一周时间来琢磨，但可能只画了一个小时。
Q：从在你还是学生的时候算起，到你成长为一个专家之间的这段岁月中，最让你有突破性体验的瞬间是？
A：我在ILM（工业光魔）工作的那些短暂而闪耀的时刻，这是一个令我兴奋的回忆~
Q：你是什么时候第一次进入业界呢？你通常怎样看待和处理Deadline（截稿时间，死线）呢？
A：『怕被饿肚子』是一股巨大的推动力。一旦感受到这个，我就会找到一份工作并立即去做。
现在我会在被给予的时间内尽可能的去思考，因为我总是会想出更好的点子。
Q：你达成精通技艺并踏入下一个阶段的诀窍是？
A：对我来说，通过学习其他人的作品来提升自己的技艺是一种方式，从工作中获得技能是另一种方式。所以，尽可能地渐入佳境和学习关联密切，我并不需要其他额外的激励。
Q：对于“更敏锐的练习”而不是“无意识的练习”这方面，您是否有更多其他的建议呢？
A：嗯...很不错的问题...你的艺术能力中薄弱的部分是哪些，或者说你希望看到什么样的提高，你要对自己的这些部分正视并保持坦诚。并在这些方面付出努力。我觉得线稿一直是我的薄弱项，所以我一直尽我所能的在这方面努力，而正如我在视频中指出的那样，真切的投入其中，关掉音乐，并专注之。
无论是对于写生来说还是对于从照片取材....
Q：你典型的一天生活是怎样的呢？（当你有任务未完成的状态 & 没有任务的状态）你又是如何去找寻你家庭与工作之间的平衡关系的呢？
A：我的一天：
午夜到日出：吃点谷物
12：30 外出打理打理屋子和院子，和孩子玩一会儿
5：30 回屋，给孩子做晚饭
7：30 打个小破盹~
9：00 滚去工作~
6：00 睡觉
无论有任务还是没任务，我每天都是这样过的。
Q：你可以把教程中所做的最终作品发布出来么？
A：当然，但还需要几天时间。电脑最近闹毛病了.
Q：HI，我们又见面了，那么，第一个问题是：
我注意到你的绘画非常有组织性。当你绘制一幅插画的时候，你是早已在心中预设好了关于叙事和构图的构思吗？还是说这个故事和构成（构图）是随着你的推进而逐步发展呢？
你似乎以一个非常『透明』的方式在作画，你是通过将你的wacom数位笔的敏感度调到一个非常高的模式来实现它的么？又或者这更多是由于你平静的心态和微妙的手部动作来实现的呢？
我认真听了你课上所说的『关于大量速写并尝试新的做事方式』以及『打破规则』。
是什么让你在最开始的时候就直奔细节（女孩的头部和肩膀）这一块的呢？
你能详细讲述一下你进入业界的这个过程么？尤其是就其中的社交要领，以及让自己为人们所知等等的这几部分~
目前提问就是这些，我敢肯定在接下来的几周里我将会再次用更多的提问来轰炸你的~再次感谢你与世界分享你的知识~
A：我做的那个演示其实有一些限制在里面，这是为了提早结束做的准备。
因为就像我在其他讨论里说过的那样，演示相较于私图来说，它其实更接近于一个商业性质的工作。你们真的想看我翻来覆去、磨磨唧唧地画上10来个小时么？
所以我在给定的时间内提前结束了。
我记得我曾经在gnomon的研讨会上做过一个内容更少的也更加写实的演示，那次经历很大程度上改变了我的想法。在那个演示限定时间结束时，我并没有完成足够多足以去展示的内容，一部分人理解这个道理并从中学到了东西，而其他一些人则会感觉被坑了...orz
我也有对我的Wacom进行设置，以使它的大部分敏感度只能在详细设置里调节。但是我也会这么摆弄/尝试它， 比如反转/扭转它并强迫自己去使用它，因为这样可能会弄出不一样的东西.
从局部着手细化对那张图来说是一个错误……
我曾看到过一些传统画家这么对付这个过程，于是我想我或许可以尝试一下，然而这并不是我通常的工作方式，那么你现在也必然会知道，并不存在通常的工作方式，不过话虽如此，有一个准确的形状有时是很有用的，这样你可以将它与其他形状联系到一起。
但这并不一定意味着充满细节，它可以是一个表现了相对于头部的躯干的准确的笔触 ，精细度并不一定意味着大量的细节。
我刚起步那时的行业对于当下的行业来说是全然不同的两个存在。
我不确定我在这方面能提供充分的帮助。我对于营销和广告有一种病态的厌恶，我大概在1997年建设了我的网站，那时我已经有足够的工作去保持我的持续前进。如果我有一个更加外向的性格，可能只要比现在再外向一点点就好，那样或许我会愿意尝试成为一个产品设计师或电影导演什么的。
但一个人是知道他自己的局限性的...
Q：Hi穆林斯先生，我是你的忠实粉丝，非常感谢你做的这些课程！
我非常喜欢你的绘画演示，在结尾阶段你提到你已经有好几年没有用这样的方式工作了。
我非常希望学习更多的关于你是如何处理一个任务（或任何一个项目）从开始到结束的流程。
A：过去我常常出于好玩的心态做大量像我演示里那样的数码绘草图。现在，我会把时间都投入到我已经投入的传统媒体中。我知道你要说什么，但是我在传统媒体工作的同时，我也还是会尝试花一个小时去做一个像样的草图。
Q：我着实很想知道你是如何为项目打稿的，你通常可能会为客户做多少个稿呢，以及草稿在完成时通常会达到怎样的程度呢？
A：个中差异很大，有时候，它们跟我在演示中做得那些相比较确实会有点粗糙。
不过我会想想我究竟打算做什么，以及在开始前尽我所能地研究它。就拿我在演示中所做的来举例，我可能会更多地关注雪和树木，同时更多思考对它们的构图。
它可能不会是像是一副即兴创作那样。
Q：一旦你有了已经定下来的速涂初稿后你会直接在上面作画还是直接像你在演示(DEMO)中那样做？（假定那个草稿之后仅是作为一种参考？）
A：我几乎总是重新开始（另起一稿）。正如我在课上所指出的那样，
我可能会对我的草稿再进行一些修改，但这在我完成这幅画的整个过程中会一直不断的进行。
尤其是处理掉那些出现在错误的位置的大量的对比， 那比有大量似是而非的信息对我的干扰要容易些，我必须要分清哪些是工作，哪些不是。
对于图中有一堆需要被改正的问题摆在我面前（并且我还要去想哪些要改哪些不要改），重新另起一稿其实相对更加容易一些。
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