爵士乐的根源
爵士乐源于蓝调，是一种从前居住在美国南部的非洲奴隶以及他们的后代们的民间音乐。蓝调深受西非文化和音乐传统的影响，这些奴隶也逐渐成为移居到城市的黑人的音乐家。
爵士乐的真正起源是贫穷。1865年，美国内战结束，往日黑人奴隶获得了自由，但是生活依然困苦。他们多数是文盲，唯有靠自己故土培植出的音乐娱乐自己。劳动的号子和农田歌曲是在采摘棉花时唱的，赞美诗歌和圣歌是在种族隔离的教堂里聚会时唱的，而即兴之作则是独唱歌手在一只班卓琴伴奏下吟唱的。在教堂中，黑人牧师用英国领唱方式来解决唱歌不懂字的问题。
上世纪之交流行的标准音乐会形式，也就是当时军乐团和舞会乐队的音乐，影响了最早的爵士乐的主流表达方式。这些音乐的乐器：铜管乐器，簧管乐器和鼓，成为了爵士乐的基本乐器。
在不到一个世纪的时间内，这种名叫爵士乐的音乐，具有显著美国特色的音乐从默默无闻、起源于民间的音乐发展成为美国本土产生的最有份量的艺术种类。如今在全世界几乎每个角落都有人聆听和演奏它。爵士乐以如此众多的形式出现，而且每一种形式都相当重要，都保持了自己的特色及独具的魅力而流传至今。如果要欣赏各种爵士乐，体会个中种种乐趣，就不能不需要拥有开放的态度，兼容并听。
巴萨诺瓦(Bossa Nova)是一种融合巴西森巴舞曲和美国酷派爵士的一种“新派爵士乐”，承袭choro和samba-cancao的部分特色而又自成一格，乍听简洁轻快。巴萨诺瓦结构复杂；乐器的音阶或和弦转换的行进方式变幻莫测，往往乍听下以为可以掌握旋律的起落和节奏，和弦一转换后即捕足不及。它的旋律可以是行板或中板速度进行。
语源
巴萨诺瓦(Bossa Nova)是葡萄牙文，Bossa原意是演奏Samba时的自然风格与气质，Nova则是新的意思。结合起来，Bossa Nova就是一种融合了传统巴西森巴(samba)节奏与啼乐(choro)的一种'新派音乐'。正统的Bossa Nova的起源是南美洲巴西土生土长的音乐，之后流传到北美洲之后广为爵士乐坛所喜爱，由美国爵士乐手大力推广。也因此“Bossa Nova是拉丁爵士的一种”的这个印象，已经是后来的事情了。
风格
巴萨诺瓦的字面意思是“新节奏”，原来是一种拉丁音乐，听起来轻松柔和、慵懒甜美、浪漫性感。与传统南美及拉丁音乐不同的是，巴萨诺瓦不像森巴或伦巴(Rumba)那样节奏强烈，除拥有南美音乐的热情外，还带有一份慵懒和轻松的感觉。
历史
巴萨诺瓦在1950年代末期的巴西兴起。 1959年，由法国导演Marcel Camus执导的巴西电影“黑色奥菲斯”(Black Orpheus)勇夺康城电影节、奥斯卡、金球奖三项最佳外语片奖； 带有巴萨诺瓦风格的电影主题曲“A Felicidade”和“Desafinado”风行一时，人们开始对巴萨诺瓦产生兴趣。1960年代美国更掀起一阵巴萨诺瓦风潮，延烧到世界各地，影响了往后1970、80年代的电影及流行音乐。
代表Stan Getz《The Girl from Ipanema》
六十年代末期，爵士乐经历了一次危机，年轻的听众喜爱灵魂乐与摇滚乐，老一辈的乐迷则不再迷恋于那些大多数抽象且感情不足的现代爵士乐，爵士乐手意识到如果想挽回听众的心，他们势必要在爵士乐中吸取一些流行音乐的要素，而灵魂乐与摇滚乐就成为他们这种概念最佳来源。这样的音乐形式通常被称为融合爵士（Fusion）。
Jazz-Pop就是融合爵士下面的一种形式，爵士流行既保持了布鲁斯音阶和演唱音色的运用，但同时又把握流行乐的特点：通俗易懂朗朗上口，保证了内容的可传递性。
代表Louis Armstrong《What a Wonderful World》
酸爵士（英语：Acid Jazz），又译迷幻爵士，源于英国英格兰南部，是爵士乐的一种分支音乐类型，结合了部分灵魂乐、放克音乐（Funk）和迪斯科成分，尤其是循环拍子和调式和声方面。它在1980年-1990年间开始发展，由最初类似爵士放克（Jazz-funk）风格，转型至类似电子舞曲和波普音乐的混合。吉尔斯·彼得森（Gilles Peterson）和埃迪·皮尔勒（Eddie Piller）也成立了一家同样名为“酸爵士”（Acid Jazz Record，简称 Acid Jazz）的英国唱片公司，旗下歌手皆会唱酸爵士音乐。唱片公司愿意专为酸爵士出唱片，可见它很受欢迎（见右图）。酸爵士包含很多电子音乐元素，而且很适合作现场即兴改版演出，所以歌手都很喜欢在其演唱会演唱酸爵士歌曲。英格兰乐队“匿名者”（Incognito）和“新重骑兵”（Brand New Heavies）的演唱尤其着重酸爵士的和弦特质。酸爵士的发展也可算作爵士放克、灵魂爵士的复兴。因为多种乐器可作现场即兴演出，加上酸爵士特殊的编曲模式，让唱片骑师的“刮擦”技术得以体现 ─ 这协助诺曼·杰伊（Norman Jay）、吉尔斯·彼得森、帕特里克·福奇（Patrick Forge）等唱片骑师打响知名度。酸爵士的常用乐器包括：萨克斯管、小号、长号、单簧管、钢琴、吉他、低音提琴、鼓。
代表Massive Attack《Paradise Circus》
African Jazz是南非的爵士音乐，结合了非洲狂放的节奏，在美国，非洲爵士的形成深受黑人音乐风格的影响。 第一次世界大战之后，一支来自美国新奥尔良的迪克西兰乐队给南非带来爵士的第一缕声响。在此期间，昆斯敦成为南非爵士乐发展的要点。
代表Meddy Gerville《Pay An Ke?》
古巴爵士（Afro-Cuban Jazz），也叫非洲古巴爵士，它被认为是拉丁爵士的发端，也深深影响了拉丁爵士的发展。非裔古巴的打击乐，融合进了爵士乐的特色，再加入点波普和摇摆乐、放克，便形成了独一无二的古巴爵士。古巴爵士承袭了古巴音乐微妙宁静和强而有力的双重品格，轻佻又不失轻柔。古巴爵士偏重于打击乐器和旋律，康加鼓Conga、沙槌Maracas、三弦吉他Tres等富有古巴特色的乐器，与传统管弦乐器交相呼应。拉丁美洲人民天生活泼喜悦，有属于自己的节奏律动，这种律动也是古巴爵士最重要的节奏模式，它叫Clave Rhythm。由于节奏和旋律都非常活泼跳跃，因此你听古巴爵士，会情不自禁跟着摇摆起来，无拘无束的音乐氛围令人陶醉其中。古巴爵士诞生于20世纪40年代早期（另一种说法是20至30年代），它的形成，归功于Mario Bauzá（马里奥·鲍扎）、Machito（马奇托）、Dizzy Gillespie（吉尔斯比）、Chano Pozo（加诺·波佐）这几位艺术家不懈的努力与推动。
可以毫不夸张地说，古巴爵士之于古巴，就如同巴萨诺瓦之于巴西一样，它俨然成为了古巴最重要的文化遗产之一。
代表Ibrahim Ferrer《Bruca Maniguá》
Avant-Garde最先被用在Free-Jazz运动刚爆炸的时候；拿来形容Ornette Coleman这些乐手；德布希的改变钢琴史的作法也被视为Avant-Garde，当然；实验性质强烈的剧场音乐更具有Avant-Garde Jazz的风格。
代表Archie Shepp《Les Feuilles Mortes》
一个大乐队是一种音乐组合，通常由10个或更多的音乐家组成，有4个部分:萨克斯管、小号、长号和节奏部分。大乐团起源于20世纪20年代早期，一直统治着爵士乐直到1950年，尽管不同种类的乐队，小而大，在那个时期之前和之后都存在。爵士乐的流畅性阻止了精确的定义。大乐队开始伴奏跳舞。
与小的combos不同的是，像trios或quartets这样的大部分音乐是即兴创作的，由大乐队演奏的音乐是由大乐队演奏的，安排的，通常是在乐谱上写的。书面的安排，称为图表，把乐队分成几个部分，互相回应，但也给了空间。大乐团在编曲和乐队指挥方面发挥了更大的作用。
代表Charlie Parkert《Now's the Time》
可以看作是现代爵士的前身，由演奏摇摆乐的小乐队发展而来，注重表现演奏技巧和复杂和声，而不是演奏适合人演唱的旋律，这种风格影响了以后各种爵士乐。波普的发展为独奏和伴奏的乐手都开辟了新的天地，产生了许多新意，鼓手开始不再依恋Bass Drum,而开始大量运用Cymbal和Hi-hat.而Bass则担当低音节奏，演奏着近乎无视于人的游移四分音符低音旋律，维持着音乐的和弦进行。而钢琴手则不再过分强调左手的拍子和和弦基础音，而是喜欢用更轻的触键来演奏。这样，现代爵士的雏形就产生了。其代表乐手是Lester. Young和Coleman hawkins.
代表Charles McPherson《But Beautiful》
室内爵士是爵士乐流派的一种，深受新古典主义音乐与西洋音乐的古典形态影响，在有些国家也是受到传统凯尔特音乐，欧洲民间音乐，拉美音乐的影响而成型。
代表Isobel Campbell《Amorino》
因为这种乐风常被美国西海岸乐手使用，所以Cool Jazz也被称为西岸爵士乐(West Coast Jazz)，它可以说恰好是相对于比波普的风格而存在，相对于比波普的快速节拍、复杂的旋律、和弦、曲调，Cool Jazz会轻松很多。
1950年，Miles Davis九人小组推出的专辑《The Birth of The Cool》，标志着Cool爵士的产生。
代表Chet Baker《I Fall in Love Too Easily》
迪克西兰，有时被称为“热爵士”或“传统爵士乐”，是一种爵士乐的风格，它的基础是20世纪初在新奥尔良发展起来的音乐。
第一个使用“Dixieland”一词的词是最初的Dixieland Jass乐队(其后不久将其名称的拼写改为“原始迪克西兰爵士乐队”)。他们1917年的录音培养了大众对这种新音乐风格的认识。那时，没有关于爵士乐的亚种的问题，所以“Dixieland”指的是乐队而不是音乐。复兴运动传统的爵士乐,在反应形成策划摇摆时代的声音和感觉混乱的1940年代的新比波普爵士乐听起来(称为“中国音乐”路易斯·阿姆斯特朗),把“迪克西兰爵士乐”从有些忘记为他们支持的音乐乐队的名字。复兴运动包括了20世纪20年代形成的芝加哥风格的元素，比如用弦乐器的低音代替了大号，和弦乐器，以及新奥尔良风格的原始格式。这反映了一个事实，事实上所有的新奥尔良音乐家的曲目都来自于这种形式已经超越了传统的新奥尔良格式的时期。“迪克西兰”在这个意义上被认为是指20世纪30年代末到20世纪50年代的爵士乐复兴运动，就像任何一种特殊的爵士流派一样。在风格中被接受的基本元素是传统的前线，包括小号、长号和单簧管，以及在2拍节奏上的即兴演奏。
代表Sidney Bechet《I Can't Get Started》
一个大乐队是一种音乐组合，通常由10个或更多的音乐家组成，有4个部分:萨克斯管、小号、长号和节奏部分。大乐团起源于20世纪20年代早期，一直统治着爵士乐直到1950年，尽管不同种类的乐队，小而大，在那个时期之前和之后都存在。爵士乐的流畅性阻止了精确的定义。大乐队开始伴奏跳舞。
与小的combos不同的是，像trios或quartets这样的大部分音乐是即兴创作的，由大乐队演奏的音乐是由大乐队演奏的，安排的，通常是在乐谱上写的。书面的安排，称为图表，把乐队分成几个部分，互相回应，但也给了空间。大乐团在编曲和乐队指挥方面发挥了更大的作用。
代表Jaga Jazzist《Day》
自由爵士产生于60年代，这种全新的音乐刚一出现，就深受广大爵士音乐家和爵士乐迷的喜爱。
自由爵士不同于以往爵士乐，在和声、旋律方面没有太多的限制，演奏者在演奏过程中可以自由、大胆、随心所欲的发挥。自由爵士具有全新的节奏概念，节拍、对称性被统统打乱，同时，它也强调音乐本身的强度与张力，加入大量的不谐和音，把非洲、印度、日本、及阿拉伯等不同的音乐融合到了一起，采用了印度的西塔尔琴、塔布拉双鼓、扩音拇指钢琴、警笛和大量的电子设备及打击乐器，因此，有些自由爵士乐队看上去就象一支非爵士的先锋派乐队。
自由爵士乐对60代爵士乐的发展起到了深远的影响。
代表Pharoah Sanders《Save Our Children》
产生于50年代，是比波普的延伸和与Cool Jazz相对的乐风。它一方面延伸了比波普节奏上的特点，但旋律却更多采用了蓝调和福音歌曲的因素，旋律比特别强调技巧的Bebop要来得轻松。
代表Red Garland《Almost Like Being in Love》
二十世纪七十年代，Fusion音乐渐渐发展起来，它的最初定义实际上是一种融合了爵士乐即兴和摇滚乐节奏的音乐。然而随着流行音乐、节奏布鲁斯以及各种音乐形式在世界乐坛逐渐繁荣，Fusion音乐又将这些音乐风格加以借鉴，我们现在所熟悉的Fusion音乐，其实已经成为一种冠有爵士乐名称的混合型音乐。
代表John Scofield《Whatcha See Is Whatcha Get》
模式爵士乐是一种使用音乐模式的爵士乐，而不是作为一个调和框架的和弦进行。虽然早期的先例存在，但在1953年的书中，“模态爵士”被作曲家乔治·罗素(George Russell)明确地定义为“色调组织”的Lydian色觉概念。
在20世纪50年代和60年代尤其受欢迎的是，由迈尔斯·戴维斯(Miles Davis)1958年创作的《里程碑》(里程碑)、1959年的专辑《蓝色》(Kind of Blue)和约翰·科尔特兰(John Coltrane)在1960年至1964年的经典四重奏乐队(John Coltrane)创作的经典四重奏(1960 - 64年)，这两种风格都直接受到了拉塞尔的启发。[3]其他一些重要的演员包括伍迪·肖、比尔·埃文斯、赫比·汉考克、韦恩·斯比、麦考伊·泰纳、拉里·杨、法奥拉·桑德斯、乔·亨德森、奇克·科瑞亚和鲍比·哈切森。[2]尽管这个术语来自于使用特定的模式(或称尺度)来创建索洛斯，但是模态爵士乐的组成或伴奏只能使用以下的技巧
1缓慢运动的和声节奏，在那里单个和弦可以持续4到16个或更多的测量
2踏板点[4]和无人机
3没有或抑制标准的功能和弦
4quartal和声和旋律
5多调性
代表Miles Davis《So What》
新奥尔良爵士是指三十年代（指二十世纪，下文中如未作注明均指二十世纪）以前的传统爵士乐，兴起于新奥尔良，盛行于芝加哥，是迪克西兰爵士（Dixieland Jazz）和芝加哥爵士（Chicago Jazz）的总称。我们所能听到的最早的爵士乐就是新奥尔良爵士，它出现于1917年（第一张爵士乐唱片诞生于1917年）。从唱片的音质上辨认，这个时期的唱片大多数都是用留声机播放的密纹唱片，音质较差，带有沙沙的噪声，并且缺乏立体感（第一批立体声唱片诞生于1958年）。从音乐形象上辨认，新奥尔良爵士讲究合奏，给人的感觉是激烈、兴奋并充满生机的。乐队编制一般为小号（或短号）一至二人吹奏主旋律，单簧管一人吹奏副旋律，长号一人吹奏固定低音，贝司（或大管）、鼓各一人担任节奏。后来又增加了萨克斯，使其从此成为爵士乐队的一大特色。新奥尔良爵士作为最早的传统爵士乐已被历史永久记载，但是作为有声爵士乐的源头，如今听起来还是别具一番风味。
代表Branford Marsalis《Autumn Lamp》
后bop是一种小型组合爵士乐，在20世纪60年代早期发展起来。
后bop是爵士乐从20世纪60年代中期开始，它同化了硬的bop，模式爵士乐，前卫和自由的爵士乐，而不需要立即被立即确认为上面的任何一个。[引文需要]Post-bop可以参考各种爵士乐,post-bebop顺序但共识Post-bop音乐反映了这些影响:更开放的爵士乐团结晶方法的第二个迈尔斯·戴维斯五重奏,和这个群体的模态强度以及经典的约翰·柯川四重奏
根据音乐学家杰里米·尤德金的说法，后bop并没有遵循“bop的惯例，或者是新爵士的无形式的自由”。
他在其定义的子流派中写道:形式的节奏,和米是自由,所有的曲子都是新的,乐队成员本身是作曲家....[A]n方法抽象和强烈的极端，有空间创造的节奏和色彩独立的鼓手。鼓手们有机会进入和走出基本的摇摆节奏和方法，融合了更复杂的风格，模态和弦的和声，灵活的形式，结构的和弦，旋律的变化，和自由的即兴创作。
QQ音乐不支持此乐队
代表New York Trio《The Things We Did Last Summer》
Regtime（拉格泰姆）爵士乐融合了欧洲古典音乐和欧洲军乐的特点而产生的。他打乱了古典音乐中严格的节拍规律，有演奏者掌握节奏的迟缓。乐曲的进行通常是起奏延缓，随即强调音节，这种风格在当时的钢琴演奏中极为常见。Regtime爵士乐在二十世纪出的十五年中非常盛行，虽然这种风格对爵士乐的形式具有非常重大的影响但是因为它缺乏Blues的感觉和没有即兴感觉，所以并不能称之为真正的爵士乐，但却是爵士乐发展中一种重要的音乐型态，以直立式钢琴演奏完全写谱的音乐，并强调切分音，风格略为呆板。
代表Scott Joplin《The Entertainer》
Smooth Jazz发现到现在已经二十多年了，如果追溯到起源，从各种各样的档案资料里都可以找到，Smooth Jazz是Fusion(融合爵士)的一种衍生物，在其音乐当中，音乐家们不再把他们的精力投入到即兴创作及演奏当中去，而是更加注重音乐的旋律化，以及和R&B等其它音乐之间的融合能力。的确， 当George Benson, Bob James, Grover Washington Jr. 等一批Smooth Jazz先驱把这样一种新型的现代爵士音乐类型带进唱片公司录音间的那一时刻开始，Smooth Jazz就注定和“商业”，“流行”，“现代”这些词汇紧紧联系，永不分离。但这些大师们把他们的音乐推销给千家万户以后，很多人都会有这样的一种感慨：“原来爵士乐还可以这样玩”。注意，他们提到了“爵士乐”这个词，可以见得他们的音乐还是爵士音乐，再退一步讲，他们音乐的根源是爵士乐而在这二十年来，这样的一种音乐发生了什么样的一种变化呢，其实只要听听我开始提到的那三首单曲之后，答案就很明显了。“Smooth Jazz不再爵士了”。 虽然这样一个结论不是绝对的，比如大量的以传统爵士作为根源的Smooth Jazz仍在不断继续的发展，但广义的Smooth Jazz 队伍明显庞大了许多，这正是因为越来越多的和爵士音乐并无多少关联的音乐加入到这个队伍当中
Smooth Jazz本身就是一种非常时尚的音乐类型，当然要领导这个潮流就需要不断的变化，在前两年Chill-Out音乐以及Lounge音乐风靡的时候，很多Smooth Jazz音乐家以及业内人事都嗅到了其在现代爵士音乐领域的巨大商业潜力，很快以Acid-Jazz这种非常电子化的爵士音乐为基础，加入大量的Ambient元素的音乐开始大行其道，比如英国音乐家Paul Hardcastle的Jazzmassters系列以及Hardcastle系列就是非常典型的范例，而在今年2月又一群欧洲的DJ共同发行的合辑《Rendezvous Lounge》其实是一张地地道道的电子类Down-tempo的音乐唱片，但其发行以及推广都是在Smooth Jazz领域里完成的，而且被业内人士打了非常高的分，作为一张经典现代Smooth Jazz来宣传。这些音乐当中经常也能找到一些爵士的影子，但只不过是用来为他们的时尚音乐点缀罢了。
Smooth Jazz已经不只是代表Smooth了的爵士音乐了，因为Smooth Jazz作为独立的一种音乐形式的趋势已经越来越明显了，而这种独立不仅仅是在音乐本身，还是发生在所有相关的商业体系。这样看来，“Smooth Jazz不再爵士”就不奇怪了，甚至成为了这种音乐发展的必然趋势， 但却不会被诸如New Age音乐的其它音乐形式所吞并，反而会有可能包容其它的音乐形式，其魅力根源就来自它巨大的商业背景。
代表Dave Koz《I Believe》
60年代在硬性爵士乐基础上发展而来、源于福音歌的爵士乐
David Sanborn可以说是近二十年来其中一个最成功将Soul Jazz推广到群众的爵士色士风手。
代表Amy Winehouse《Help Yourself》
当新奥尔良爵士乐已经创造了即兴演奏的合奏之时，爵士乐在二十年代在美国社会逐渐流行起来，同时对于爵士乐的需要要求增加更多的舞蹈乐队。因此出现了对乐队的新要求，即在乐队拥有三支乃至四支号的时候，合奏的地位要降低。1924年，当Louis Armstrong加入了Fletcher Henderson的大乐队时，就可以算作是摇摆大乐队最早的出现。乐队中的唐·雷德曼的编曲大大辉映了短号手的松弛的演奏风格。真正摇摆乐在流行乐坛的确立则要算是1935年Benny Goodman大乐队的成功，直至1946年大乐队时代的结束为止，摇摆乐一直是美国流行音乐的一支重要的力量。摇摆乐不同于先前的新奥尔良爵士乐和迪克西兰爵士乐，通常乐队中的合奏更为简化，同时是作为更为成熟的独奏之间的反复演奏的连复段。而个人的即兴演奏也是主要是密切的建立在旋律的基础之上，其原因主要是由于音乐技法的进步。同以前的演奏相比，独奏的演绎更具有冒险性。在大乐队时代结束之后，摇摆乐风格的音乐家仍然坚持这种风格演出，他们的演奏堪称是一种主流的爵士乐。
代表
《第三流》是作曲家Gunther Schuller于1957年创造的一个术语，他在布兰迪斯大学(Brandeis University)的一场演讲中描述了一种音乐流派，它是古典音乐和爵士乐的综合体。即兴创作通常被视为第三流的重要组成部分。
1961年，舒勒将第三条河流定义为“一种介于爵士乐和古典音乐之间的新音乐流派”。Schuller坚持认为“根据定义，没有‘第三流爵士乐’这样的东西。”
舒勒指出，尽管第三流的两派纯粹主义者都反对将他们最喜欢的音乐与其他音乐联系在一起，但更强烈的反对意见通常是由那些认为这些努力是“对他们传统的攻击”的爵士音乐家们提出的。舒勒写道，“通过将音乐指定为‘独立的，第三条流’，其他两条主线可以不受融合的影响而改变。”因为第三流的古典音乐和爵士乐一样，作曲家和表演者都需要精通这两种类型。
批评人士认为，第三条河流——通过两种截然不同的风格——稀释了它们的力量。[5]有人反对这种观念，认为第三流是一种有趣的音乐发展。
代表Ralph Towner《Four Comets, Pt. 1》
Vocal Jazz（人声爵士） 尽管并不是全部采用人声爵士，20世纪的人声爵士演绎大师大都采用爵士语言进行演奏。从Russ Columbo，Doris Day到Johnny Mathis均将其天才与嗓音用于内容的表达。他们放弃了爵士器乐演奏家惯用的演绎标准的方式，而利用其即兴演奏的天赋，音乐家的素养，甚至个性化，带给了歌词新的意义。早期的一对巨匠，Louis Armstrong，Bing Crosby，留下了人声爵士的标准：随意却不失焦点。几乎就是当时人声爵士的专业标准。从大乐队集中的地区涌现出了大批爵士演唱家，几乎都是后来的大师级人物：Frank Sinatra， Billie Holiday， Ella Fitzgerald， Anita ODay, Sarah Vaughan，Peggy Lee, Joe Williams；他们均和摇摆舞乐队共事过很长一段时间，多数在人声爵士风格开始时因此取得了巨大成功。尽管区分人声爵士演唱家与传统流行乐歌手并不总是那么容易，很多爵士节目单还是以演奏内容来作目录的。人声爵士与爵士独奏家们展开了竞争。他们那时通常拒绝与无名乐队和具有流行音乐元素的乐队合作。而选择与真正天赋禀异的组织者（Nelson Riddle, Billy May）以及真正伟大的作家合作（Irving Berlin, Cole Porter, the Gershwins）。和40, 50年代的人声爵士演唱家汲取了摇摆舞的风格一样，后波普歌手们也用他们自己的经验来演绎疯狂的节拍，实验爵士器乐演奏家的独奏。Lambert, Hendricks, Ross陶醉在狂热的合声中，而Betty Carter, Mark Murphy, Abbey Lincoln 则发掘出更激进的即兴演奏方式。尽管70到80年代，人声爵士演奏家日趋减少，还是有很多艺术家坚持不懈，继续这种风格。
代表Norah Jones《Don't Know Why》
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