“美术”的本名其实叫“造型艺术”。
从字面上看，“造型艺术”肯定属于“艺术”的地盘了，所以，咱们先说说啥是“艺术”。按网络上比较流行的说法：艺术是一种文化现象，创造者为满足主观与情感的需求，用想象和技巧人为创造可与他人共享的物品就属于艺术品。艺术需要不断地创造，借此宣泄创作者内心的欲望与情绪，属浓缩化和夸张化的生活。文字、绘画、雕塑、建筑、音乐、舞蹈、戏剧、电影曲艺、工艺、设计等任何可以表达情感的行为或事物，皆属艺术。
人们为啥要“艺术”呢？有位叫马斯洛（Abraham Harold Maslow, 1908-1970）的美国心理学家把人的需要分为像一座金字塔的五个层次：最基础的层次是“生理的需要”，也就是人们的吃喝拉撒睡；之上是“安全的需要”，这包括对周围世界的了解，比如到了陌生的地方一定要先熟悉环境；这两个层次有点像我们常说的“温饱”阶段，没有这两个层次人们根本无法生存，更甭说表达情感了。再往上一个层次是“社会的需要”或者叫“感情的需要”，我们都期望爱和关怀，都希望自己融入一个集体，或者适应一个人与人交往的环境，说白了就是交朋友的层次，“艺术”在这个层次就开始需要了，欣赏艺术作品是人与人交往的一个重要方式；如果说交朋友主要是适应社会的话，“社会的需要”上面的层次就属于渴望别人的重视阶段了，叫“尊重的需要”，当然这也包括自我尊重、自己对自己有信心和获得他人的尊重、承认，自娱自乐的“艺术”在这个阶段出现了；这两个层次应该算“温饱”之上的“小康”阶段了，这两个层次可以让人们生活得很充实，可以获得很多精神上的满足，但是距离发自内心的精神快乐还差一层。而第五层，也就是最高层正是人类精神生活的“富裕”层次，叫“展现自我的需要”或者“自我实现的需要”，如果到达了这个层次，可以“为满足主观与情感的需求，用想象和技巧人为创造可与他人共享的物品。”真正的“艺术创作”就诞生了。
借助老美的分层，人们为啥要“艺术”也有点眉目了吧？人肯定需要吃喝拉撒睡、需要安全地生活，可是人的大脑可不仅仅满足于这些属于“温饱”的层次，它们只有在交流的时候才能快乐，而且这交流绝对不仅仅停留在现实生活里，常常是声音、动作和造型的表现更能激起内心的快乐，因为人会联想啊！那句广告词怎么说来着？人类失去联想将会怎样？结果，“艺术”就在这“小康”到“富裕”的需要中诞生了！而这“艺术”中，主要利用“造型”成为“艺术”的自然属于“造型艺术”了！
为啥不用“美术”这个词，非得叫“造型艺术”？因为“美术”这个词的使用是一个误会，而正是这个误会中有一个“美”字，结果就从“误会”变成“误解”，最后成了“误判”！
查遍一百多年前的中外艺术史，从来就没有“美术”或者和它一致的词汇。在中国古书里有“艺”，在外国书里有“Art”，直接都对不上“美术”。再查查看，原来“美术”这两个方块字出自明治维新时代的日本。1876年，日本为了在万国博览会（也就是今天的世界博览会）展示他们的“维新”成就，特别是运用了西方的技术创造、制造的作品，创造了“美術”，借以表示这些作品既不同于工业产品，也不等于艺术作品，比如至今在日本都属于高档品川岛织物，既有和服图案设计也有壁挂和扇面画创作。后来日本又兴起传统主义运动，日本传统艺术也纳入了“美術”的范围，比如宮川香山（1842-1916年）1881年参加第二届日本劝业博览会的《褐釉蟹貼付台付鉢》和高村光云（1852-1934）参加过1893年芝加哥世界博览会的木雕作品《老猿》。
后来，大概在十九世纪末二十世纪初，“美术”传入了中国，有专家考证：
第一批运用“美术”这一术语并产生一定影响的代表性人物是王国维（1877-1927）、鲁迅（1881-1936）和蔡元培（1868－1940）。值得我们特别注意的是，在这三位先生的文章中，“美术”这一概念术语所指的并非是我们今天所理解的那样，只是一个狭义的视觉(绘画、雕塑、书法、建筑等)艺术概念。正相反，实际上在他们那里它更多的是作为一个广义的艺术概念，即除了视觉艺术外，还包括语言艺术、听觉艺术和综合艺术。
……
但是，大约就是在20世纪20年代前后，“艺术”一词开始取代“美术”成为广义概念，而“美术”则从一个双重性概念变成了一个纯狭义的视觉艺术概念。换言之，“艺术”成为绘画、雕塑、建筑、音乐、舞蹈、戏剧等的总称，而美术则成为特指绘画、雕塑、建筑等造型艺术或视觉艺术的专门术语。（巫鸿《并不纯粹的“美术”》 2006年第3期《读书》）
本来，名字就是一个符号，可有的时候符号会给人们带来迷惑、带来误读，中国一百多年来对“美术”的理解就是典型的例子。
在“新文化运动” 时蔡元培先生针对近代工业文明造成的一味追求物质而忽视情感，造成精神生活的缺失，来了一个中西结合，将德国思想家席勒（Johann Christoph
其实，“美”是啥？是一个中外美学家们早就打成一锅粥的问题，但是有一点大家都不否认，美肯定不等于漂亮，美是发自内心的精神现象。由此联想，“美术”作为必须产生可视作品的艺术形式，为什么一定要表面的“漂亮”或者“像”呢？所以，还是叫“艺术”，叫“造型艺术”好！因为只要“创造者为满足主观与情感的需求，用想象和技巧人为创造可与他人共享的物品”，只要能“不断地创造，借此宣泄创作者内心的欲望与情绪，属浓缩化和夸张化的生活。”就都是艺术，根本不受“漂亮”和“像”的限制，“漂亮”和“像”只是艺术的其中之一。
而“造型艺术”既然有“造型”，当然指的是用一定物质材料和手段创造的可视形象的艺术作品了。从传统的建筑、雕塑、绘画、工艺美术、设计、书法、篆刻等，到如今的大地艺术、行为艺术、装置艺术、概念艺术和数字美术、新媒体艺术等都属于造型艺术，绝对“五花八门”，而且这五花八门造型艺术的创造者可不分男女老幼，既然“五花八门”咱就找大家有点陌生的八种来欣赏吧——
波普艺术(Pop Art)
在1956年举办的一个展览上，英国艺术家汉弥尔顿（Richard Hamilton,1922－）展出了用现成的图片剪贴拼粘形式创作的作品，名字叫《是什么使今天的家庭如此非凡，如此有魅力？》。画上那位健美男子手上巨大的棒棒糖上有“Pop”三个字母，其实是英文棒糖Lillipop的字尾）。得，从这幅作品之后，人们把甭管用什么现成的材料组合拼贴或拼接、复印的创作，以及用老百姓通俗读物中的图画或者大众的日常用品重新组合创作的作品统称为“波普艺术”。在波普艺术家眼里物与物彼此间是平等的，一切物品都可能是艺术的材料媒介，像美国艺术家劳森伯格（Rober Rauschenberg,1925-2008）就说：“一双袜子并不比木头、钉子、松脂、油彩和织物差，它同样适用于创作。”看看他的作品就明白他为什么这样说了。另一位美国艺术家安迪·沃霍尔（Andy Warhol，1928-1987）采用复制、印制的方法反复一个图像进行创作，你看这幅《玛丽莲·梦露》就是把当年影星的照片复制而成的。艺术家称其为“真实的赝品”，因为自己“真实地”将梦露的形象巧妙地“改写”了。还有一位美国艺术家利希腾斯坦（Roy Lichtenstein，1923-1997）另辟蹊径，借用大家都喜欢的漫画书中的图像放得巨大作为自己的创作。
行为艺术（Performance Art）
从它的名字上就能琢磨出它是啥意思。也许你很“困惑”——造型艺术咋“行为”了呢？在艺术评论界给它定义了三种呈现方式：带行动的（Action）、利用身体的（Body）和偶然发生的（Happenings）。在创作时不管咋“行为”，不管你是否借用了戏剧、音乐、舞蹈、杂技、魔术等等，反正您不是在讲故事，而是在展现造型。中国艺术家宋冬（1966－）就创作了很多有很好玩的“行为艺术”，比如《水写时间》就是他到世界各地用水在地上或者就直接在水里写出当时的时间。看看这些纪录他创作的图片，是不是感觉挺熟悉？用水在地上写书法在很多地方都能见到，但是谁首先想到把这变成一种艺术创作呢？宋冬抢先了，其实就是“灵机一动”。最早的“水写”是在1997年6月30日晚上到1997年7月1日凌晨，为什么要在这个时间写呢？看看下面电视机上转播的内容就明白了。
原生艺术 (Art Brut)
法国艺术家杜布菲(Jean Dubuffet,1901-1985)在1945年提出了“原生艺术”，他认为那些从没有“被”专业的技能技巧“污染”，而发自内心的造型艺术创作都属于“原生艺术”，比如儿童艺术、原住民艺术以及智障者的艺术。杜布菲认为这样的创作最直接，也最撼动人心。他说“这种艺术是最纯粹与粗糙的??单纯地从创作者的心灵中流出，而不同于有文化的艺术，是来自创作者模仿他人的能力，或如变色龙般应变的能力。”他可不是说说就完了，他既自己创作，又收藏了数千件的原生艺术作品，1976年在瑞士洛桑市政府的支持下成立了原生艺术美术馆对外开放。
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