喜爱古典音乐的人，对交响曲、协奏曲、奏鸣曲这些名词都不会陌生。奏鸣曲（sonata）作为最常见的音乐体裁，不但在音乐会的曲目单中经常出现，还伴随着琴童们每个阶段的练习。尤其是弹钢琴的学生，只要说起贝多芬的“月光”“热情”“暴风雨”“黎明”（标题都是后人起的）奏鸣曲，总有一两个“在手上”的。
奏鸣曲顾名思义，“演奏”然后“鸣响”，但这个名字似乎太过普通以至于又有些模糊，它不像协奏曲那样明显地体现出某种协作、竞赛的关系，也不像交响曲那样给人一种规模宏大的印象。究竟奏鸣曲是如何得名，如何发展的呢？
文艺复兴时期，声乐和器乐之间还未划清界限，器乐依附于声乐的情况阻碍着器乐自身的发展。16世纪，器乐演奏逐渐从声乐作品的统治地位中脱身，作曲家们开始在乐谱上将器乐与声乐区分开，用“演奏的坎佐纳”（坎佐纳原指歌曲) 这样的“笨办法”作为标示。后来，他们选用sonata（来自意大利文sonare，意思是“奏响、吹响、使发出声音”）特指“用乐器来演奏的”，用cantata特指“用人声演唱的”。（我曾碰到过“直肠子”的经纪人发来的中文曲目单里写着“索纳塔”，虽然cantata译为康塔塔，但sonata只能译做奏鸣曲）。类似的术语还有许多，如ballata最早指“舞蹈”，toccata（托卡塔）指“敲击、弹奏”。
巴洛克初期，器乐的演奏开发尚浅，几乎所有的奏鸣曲都是单乐章的。
这些单乐章奏鸣曲主要有3种类型：
1、篇幅短小的序奏性乐曲，有的仅有十几个小节。
2、变奏曲。这是当时作曲家练习扩展乐思的有效途径，往往篇幅较长。
3、多段落的坎佐纳。 随着作曲技术的进步，奏鸣曲篇幅不断增长，逐渐由单段落变成多段落结构，由“拼凑”的多段落变为寻求一定关联性和统一性的多段落，由单乐章演变为多乐章套曲。
从声部上来看，巴洛克时期的奏鸣曲覆盖了从单个声部到22个声部不等的独奏、小型重奏、大型重奏。而随着编制由大到小的趋势，三重奏鸣曲（trio sonata)从17世纪开始日渐盛行，那时的三重奏鸣曲并非指3件乐器，而是3个声部：两把小提琴演奏两个上声部，大提琴、羽管键琴一起演奏数字低音（一种记谱方法，作曲家不写出低音声部，而是用数字标注和弦，让低音声部即兴演奏）。
古典主义时期，随着编制和乐曲结构的演变，一些音乐著作中对奏鸣曲提出了新的定义，最具影响力的有J.A.P舒尔茨的定义：“奏鸣曲是由2个、3个或4个不同性格的连续乐章组成的器乐作品，它有1个或多个旋律声部，每个声部只有1个演奏者。根据旋律声部的数量，奏鸣曲被描述为独奏、二重奏、三重奏等。”
《音乐词典》中引用了卢梭对奏鸣曲的定义：“一种包含3个或4个连续的具有不同性格乐章的器乐作品。奏鸣曲通常为一件由通奏低音伴奏的单一乐器而作……”尽管已经拥有了更明确的定义，但奏鸣曲在古典主义时期仍然被用于它最宽泛的意义：即指一首器乐作品。巴洛克时期的音乐多用于教堂、宫廷。而在古典主义时期，奏鸣曲作为脱离声乐的器乐作品已经很少被用于教堂，它在宫廷和上流社会被传播。除此之外，还成为了业余爱好者们的娱乐食粮、职业演奏家和作曲家的进身之阶，被广泛运用于器乐的教学。
18世纪中后期，在奏鸣曲中，独奏取代了重奏，键盘乐器取代了小提琴的首要地位。最早为键盘乐器创作独奏奏鸣曲的作曲家是萨尔瓦托雷和库瑙，巴赫确立了古典奏鸣曲的四乐章结构形式。18世纪下半叶，海顿、莫扎特省去了以往奏鸣曲的第二或第三乐章，确立了三个乐章的奏鸣曲形式（快板—行板—快板）；而后，贝多芬对奏鸣曲和奏鸣曲式做出了巨大贡献，他的32首钢琴奏鸣曲被称为“新约圣经”，与巴赫的《平均律钢琴曲集》（被称为“旧约圣经”）一同被列为钢琴文献中的史诗性巨著。
巴赫
贝多芬
海顿开创了奏鸣曲式，一生创作了62首古钢琴奏鸣曲，但因为海顿奏鸣曲的整体曲风都是明朗欢快的，缺乏强烈的矛盾冲突和深刻的思想内涵，在漫长的钢琴艺术史中，他是伟大的贝多芬的前奏、巴赫到贝多芬的过度。
海顿
莫扎特在海顿的基础上把奏鸣曲式向前发展了一大步。他一共创作了18首钢琴奏鸣曲，在呈示部中设立了具有独立性格的第二主题，为贝多芬奏鸣曲式中第一、第二主题的强烈对比奠定了基础。
莫扎特
贝多芬对奏鸣曲的拓展是多方面的、具有革命意义的。他在曲式结构方面挣脱了原有奏鸣曲式的枷锁，在“对立”与“统一”平衡结合的原则下，追求“对立”的最大化效果（奏鸣曲式的解释在下一篇）；在钢琴奏鸣曲中将“英雄性”与“抒情性”有机结合，为钢琴赋予了交响性的思维，使奏鸣曲具有了广阔的人文、宗教、哲学内涵；他还在奏鸣曲中拓展了钢琴的演奏技术，让奏鸣曲达到音乐会的专业水准。贝多芬的32首钢琴奏鸣曲，标志着奏鸣曲进入成熟的发展时期。
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