谈写生——始终坚持着观、行、练、悟、写、作六字法则

画家 王保安教授

王保安

1964年生，江苏徐州人

现为西安美术学院继续教育学院院长、教授、博士研究生导师

中国美术家协会会员

陕西省美术家协会副秘书长

陕西省文史馆研究员

陕西省中国画学会副会长

陕西国画院山水画院副院长

西安市美术家协会副主席

陕西省人文千年重大历史题材美术创作工程评审委员会评委

延绵西岳　180cm×97cm×6　纸本水墨　2019年

初识华山·王保安中国画作品展

策划：许晓生

受访：王保安

采访：当代院风

初识华山之一　180cm×97cm×6　纸本水墨　2019年

谈写生——“始终坚持着‘观’‘行’‘练’‘悟’‘写’‘作’六字法则”

问：老师好，感谢您接受我们的专访。我们知道对20世纪中国山水画的考察，写生是一个无法绕开的关键词。现代山水画写生是近百年来逐渐完备起来的现代绘画形式，尤其是在新中国时期，在诸如李可染、傅抱石、石鲁、赵望云、关山月、黎雄才等艺术大师的努力下，山水画在“写生”这条道路走上了高峰。那么，如何去突破前人的范式，架构起自身的风格语言谱系，我想这是当代山水画家们共同面临的问题。您能否谈谈对此的思考？

初识华山之二　180cm×97cm×6　纸本水墨　2019年

答：写生是绘画艺术创作的必经之路，对于山水画创作而言更是如此。从遗留的古代山水画作品中就能够看出古人写生的端倪，但写生的具体方式很难考证。近百年来，在经过不断的变革与创新后，中国画自身的成果还是有目共睹的，这些都与画家深入生活、研习自然密不可分。

初识华山之二　180cm×97cm×6　纸本水墨　2019年 局部

自明清以来，山水画临古、拟古之风盛行，从形式到内容都缺少生命力，其中最重要的原因就是缺乏生活，丢失了师造化的过程。从20世纪50年代起，李可染、傅抱石、石鲁、赵望云、关山月、黎雄才等画家纷纷到大自然中去写生，掀起了中国画写生的热潮。对于我个人而言，写生已经成为我生活的一部分，在多年的奔波中我对写生的认识和理解也在不断加深。这个过程需要积累，要连续不断地观察大自然和记录生活，从生活和自然中提炼出属于自己的个性化语言和符号,只有这样才能架构起自己的绘画语言。

庭院系列之一　123cm×123cm　纸本水墨　2019年

现代社会发展之快有点令人应接不暇，这也意味着很多事物都会以更多面的形式出现。这种新面貌需要用不同的视角去观察和记录。如你刚才所说，写生的“高峰”是在众多艺术家的努力下创造出来的，那么当下我们需要做的应该还是向经典学习，与前辈一样——“走出去”。只有将地域、人文及精神层面的理解和感受转换为笔墨语言表达出来，这样才能创作出更有生活、更有高度的作品。

庭院系列之二　123cm×123cm　纸本水墨　2019年

问：山水写生这一创作方式在您的当代山水实践中占有重要的位置。请您谈谈自身艺术实践中的工作方式以及个人的“写生观”。

答：写生是对自然进行再认识的过程。面对客观自然，首先要尊重它，并且要从认识和体会自然中逐步寻找新的表现方法。身处自然之中会有不一样的触发，走入生活、贴近自然，即是为创作找寻灵感和提供素材的源泉。在行走的过程中把对生活的观察和体会随时记录于心，带着感情出来走一走，吸一吸泥土的味道，让土地厚重、淳朴的气息印到骨子里去，那才是生活中最真实的东西，也是最感人的。自然蕴含有非常丰富的语汇，必须要深入观察才能获取。在这个过程中，常常也是对自我的一种观照，对于景物的观察理解将决定着自己艺术风格未来的取向。其实，观察自然注重的不是与物象外表的远近，而是物象与画理的真实。用线的视角去提炼自然，把控对象的本质和意境，除了表达它本体的自然形态与肌理之外，更要抓住自然中“形”之外的意趣。

庭院系列之三　123cm×123cm　纸本水墨　2019年

庭院系列之四　123cm×123cm　纸本水墨　2019年

无论是我自己还是我教授的学生，对于写生始终坚持“观”“行”“练”“悟”“写”“作”六字法则。“观”相对于“看”更为深入，是一种有思想和理性的认识，它使客观事物在意识中构成形象，同时也是自我世界观的体现。山水画的学习离不开“行”，走入自然、走入生活，在行走的过程中把对生活的观察和体会随时记录于心中，也可以看作是心的“行走”，感知自然对于内心深处的召唤，不断地行走也是为了保持对绘画的探索和创作激情。光看是远远不够的，重要的还是画。因为对于自然细节的表现一定要走进自然并深入自然，历史上的画家重视“读万卷书，行万里路”，虽不言写生，但生活对于画家的艺术发展却有着重要的影响。重视细节在画面中的呈现，要从整体的绘画关系上出发，处理时要注意细节部分与主体部分的协调关系。最后的“写”和“作”是最为关键的两步，由写生向创作的转化是需要突破的，在写生的过程中已经从自然中提取了一部分元素，在创作时应当理性地继续完成。第一手素材固然可贵，但是在创作的过程中绝对不能当作唯一，只能是参照，如果照抄它将会阻碍自己思维的自由发挥，更会失去山水画中自由度的展现，从绘画的形式和主观意象上入手，理性的表达其效果是不一样的。

华山系列之一　123cm×123cm　纸本水墨　2019年

华山系列之二　123cm×123cm　纸本水墨　2019年

谈创作出发点——“我始终在思考自身被华山打动的问题所在”

问：这次展览很有意思，它关注的是造化自然与绘画之间的关系这一命题。展览通过“华山”和“黄山”这两个由古及今探索不止的山水画创作主题，把您的“华山”主题创作和蔡拥华老师的“黄山”主题创作放在一起进行对话。接下来，请您围绕“华山”主题的实践经历，谈谈您介入“华山”主题创作是源于一个怎样的出发点？

答：提起华山心中还是会有止不住的向往，这座庞大、雄伟的自然奇迹还需要我用更多的时间精力去了解。将纳兰性德曾说的“人生若只如初见”用在我对华山的情愫之上也毫不夸张，怀揣着最大的热情去结交一位永远无法探索完的自然“朋友”是我莫大的荣幸。它所展现出的震撼让我内心久久不能平静，正是这种情绪让我坚持要把华山向大家讲述出来，所以这次展览我将“初识华山”作为主题。

黄山和华山虽一字之差，其指向的却是两种风格截然不同的山脉，它们更代表了两个地域和两种文化。因其地理结构的不同，所以在表达方式上也是不同的，但相同的是我和蔡老师对大山的敬畏和执着。把这些南北差异和不同特点的作品放在一起展览，既可以相互比较和借鉴，又能使观者在同一空间中感受到中华大地上两座大山的雄伟。

宋朝宰相寇准在登华山时曾情不自禁地吟诵出《咏华山》：“只有天在上，更无山与齐。举头红日近，回首白云低。”这让我想起了在孩童时代初登华山时的情景，当时随家人夜登华山，看不到万丈悬崖，所以毫无恐惧感。快到西峰时听到喊声：“锁链断了，上不去了。”无奈而返，从那时起我的心里就埋下了一颗要彻底了解华山的种子，所以“华山”系列作品的创作并非偶然

华山系列之三　123cm×123cm　纸本水墨　2019年

古往今来，以华山为主题的创作不胜枚举。华山之奇雄、瑰怪之观，非寥寥数笔所能概括，我们易去追求其“形”“神”，过于注重形和程式的表达，而忘记“心”和真实的现场感。对于这样一个不断重复却又难以驾驭的题材我也在不断思索，所以若想准确表达心中的完美之山并非易事。正如元末画家王履所言：“吾师心，心师目，目师华山。”融入、体悟、再现是我在创作时遵守的一贯艺术法则，只有对事物有了感受和冲动，表现出来才会有激情。这座形式自由、性格坚毅、风雨不动、岿然独存的大山在精神上给予了我太多的启示。这些年，经过多次并且连续的近距离接触，我产生了强烈的创作冲动。因华山西峰的陡峭和险峻，无数画家都被这种气势吸引，我认为这也在一定程度上阻碍了对华山精神的表达。既然以华山为主题的存世创作已经形成固有的语言符号，那么我在自己的创作思路上就必须要避险就平、避重就轻。但其刚毅的本体语言不能丢失，其花岗岩般的坚实感必须在用笔上得到体现。自以华山为主题进行创作以来，我始终在思考自身被华山打动的原因。在不同时节，我多次上山去写生，沿着华山山脉一路去追寻。华山周边的山系无不充满着诡异，它可以使观者或创作者随时进入亢奋和激情之中，可以让人浮想联翩，甚至是让人进入无法喘息的状态。

华山系列之四　123cm×123cm　纸本水墨　2019年

这次展出的“华山”系列作品，只是我对华山的一些肤浅认识。想要了解华山，找到华山的精神所在，我想还需要更长的时间准备。比如在我创作的“华山”系列作品中，下棋亭作为一种符号多次出现在画面中，这些都是为研究华山的历史和文脉注入的新元素。这些作品只是我近一段时期对华山的理解，可能还不够深刻，但让我欣慰的是有了开始。之后我将通过自己的认识和理解再去向大家讲述我心中的华山，从形到意、由表及里，让自己的华山作品能够获得更多的共鸣。

艺术与时代精神——“艺术最终的落脚点是对创造性和表现性的表达”

问：您年复一年地坚持实践“华山”主题创作，请您谈谈在“华山”山水母题的探索中所欲追求的是一种怎样的文化理想？

答：艺术作品不仅是时代精神的体现，它还能参与到时代精神的建构过程中去。艺术最终的落脚点是对创造性和表现性的表达，这也是艺术价值实现的要求。而价值的实现最终会落在文化认同上，如果没有文化的根基是不可能实现的。陕西是文化深厚的地方，具有丰厚的文化资源和肥沃的文化土壤，华山一方面是西部文化与中原文化的交接点，古代华夏文明传播的文化通道；另一方面也是道教创始地与首发传播区域，佛教东传的重要地域。

这些年我总是重复以华山为主题进行创作，是因为我想借华山之力将中华民族坚不可摧的精神力量表现出来。因为这与我欲传达的文化精神是相符的，都包含有正能量。华山那倔强的山体上充满着折痕和不屈，高傲的松树昂胸挺立，仿佛在藐视一切困难险阻，有征服一切的雄志气场。这种文化精神在中国历史沿革流变中,不仅熔铸诸多民族的文化积淀，更是在当下中国文化建设中所欠缺的，它是我们华夏文明中不可缺少的精神支柱。

华山系列之五　175cm×134cm　纸本水墨　2018年

华山系列之六　175cm×134cm　纸本水墨　2018年

审美追求——“行走于画前嗅到这种感觉的观者则会细细去品味，这是一个交流的过程”

问：您的山水画创作十分注重对意境的追求，您认为山水画的意境来自于“气”。这涉及到您对自然的理解以及个人对山水画的追求问题。那么，您在当代山水画探索中的审美追求是什么呢？

华山写生手稿

答：人有精气神，一幅优秀的作品同样也应该具备，静默的伫立是其特有的状态，行走于画前嗅到这种感觉的观者则会细细去品味，这是一个交流的过程。“气”是精神层面上的一种理想寄托，包含有一个人的信念、向往和将要去努力实现的方向。山水画重在意境，这是从“手”到“心”的转化，这种感觉来自于作品的“气”。“气”不仅能够体现出山之魂，且能令人深思。画山水讲求重“心”略“物”，不仅表达对大自然的热爱，更多的是对“澄怀观道”的追求。我们常说的“游山玩水”实际上是一种精神向往，是一种品评和体会的过程，不同的人会赋予它不同的理解和共鸣。我也是经常徘徊于山水之间：一是借取自然空气；二是观察自然之结构；三是发现瞬间之美；四是在自然中调整自我的心性。

华山系列之七　175cm×134cm　纸本水墨　2018年

问：在您看来，“山水画不仅是表达对大自然的热爱，更多的是一种‘澄怀观道’的思想”，这是您借山水画这一载体给观者传达出的不同的思想内涵。那么就“澄怀观道”这一古训，请老师谈谈您的理解。

答：中国画艺术自古以来就是一种涵咏天地、品味人生、视觉感受与哲学思考相伴而行的艺术方式。宗炳将山水画提升到了“山水以形媚道，而仁者乐”的哲学高度，他提出的“澄怀观道”“畅神”的思想学说与道家“游心物外”的观点相吻合，都属于形而上的观点。有人认为中国文化为水性，那山水画就是水中之水。既然属于水，那么就要顺应自然，也可以理解为“遁世”精神，是一种经过极进后的大彻大悟。在艺术上表现为个性化的物我两忘，这就是我的理解，澄怀观道，可遇而不可求。

华山系列之八　175cm×134cm　纸本水墨　2018年

谈创新——“既要求新，又要务实”

问：清代石涛说过“笔墨当随时代”，强调笔墨的时代性，这也为今人普遍认同。那么在山水画的创作方面，您在面对多元化的时代时，是如何把握创新的尺度的呢？

答：创新，是艺术家们共同追求的目标，但在理解创新这一问题上会有不同误区。很多人将“当代性”作为创新的标志，我认为，如果艺术作品离开了人们的生存现实，那么就很难有真正的当代性，也就是石涛所强调的“笔墨当随时代”。创新，既要求新，又要务实；既能反映当下的环境，又能引起人们的思考。我认为艺术创作不是停留在表皮的形式，不是快餐文化，对中国画和中国画材料要有敬畏感，它是神圣的。因为中国画是我们本民族文化有区于西方文化的艺术，它是东方文化的象征。由形到意是中国画的最高境界，那些只重视表面形式而缺失文化底蕴的作品是没有价值的。时代虽在改变，中华民族的文化根脉是不可能改变的。我认为中国传统文化需要被继承，本民族的文化精华需要被弘扬，这实际上是对审美的延续。一个艺术家在研究自己的本体艺术时，应该明确其目的和最终追求的目标，体现出应有的价值，这样才能够实现持续创新。

华山系列之九　175cm×134cm　纸本水墨　2018年

再谈到我这次的“华山”系列创作，从我个人的角度来讲，可以说每次上华山心灵都能得到一次净化。这让我回想起初识华山时的状态，内心激动不已，因为它会让我有创作的冲动。我也经常在总结自己的创作，寻找自己心目中的华山，思考着形和意之间的取舍和升华，在中国传统文化脉络及笔墨中找到符合自己精神寄托的华山。最后，我也衷心地感谢主办方给我这次展览的机会，让我的“华山”系列作品得以展出，同时也希望各界朋友多多批评。

华山写生手稿