我们是否清楚中西方音乐的差别?

看手机中一文《我们是否清楚中国音乐与西方音乐的差别?》之后，引起我的一段回忆。有一次我参观上海博物馆，看见一个白人老外死死地盯住一排中国古代编钟，听着播放器里敲打铜钟的古乐，低缓而单调，几秒钟才敲击出一个沉闷的音符，在灰暗的大厅里发出一阵回音，我无法欣赏下去，只停顿一会儿就马上离开了。周围也没有一个中国人停留下来，只见那个老外安静的站在那里一点不动，是欣赏还是研究？我不知道。这一幕长久驻留在我心中回答不了：为什么我们中国人不喜欢自己民族乐器？反而老外更为关注中国这些老古董，是物以稀为贵吧？

编钟是中国古代大型打击乐器，起源于西周，盛于春秋战国直至秦汉。中国是制造和使用乐钟最早的国家。编钟是用青铜铸成，由大小不同的扁圆形的铜钟，按照音调高低的次序排列起来，悬挂在一个巨大的钟架上，用丁字形的木锤和长形的棒分别敲打铜钟。战国时代出土的成套编钟共65件，这套编钟之大，足以占满一个现代音乐厅的整个舞台。分3层8组挂在钟架上，钟体总重2.5吨，加上钟架(含挂钩)铜质部分，合计4.4吨。编钟的发声原理大体是：钟体小，音调就高，音量也小；钟体大，音调就低，音量也大，最大的1件通高1.52米，重203．6公斤；最小的l件通高0.2米，重2．4公斤。所以铸造时的尺寸和形状对编钟有重要的影响。编钟所发出的音响清脆明亮，被称为“金石之声”，是官方认可的“最高雅的声音”，也是象征拥有者权位的礼器。

这么笨重而庞大的乐器怎么可能会流传下来呢？仅仅只是一种打击乐器，就占据了很大的空间，而且打击乐的音准又是乐器中表现力最差的。不但世界不会用它，而且中国人也会淘汰它。中国古代乐器中还有磬、缶、埙、筑、排箫、箜篌、筝、古琴、瑟等古老乐器，乐曲一般缓慢而单调，主要是为了适合宫廷悠静生活或宗教修练的需要，除了击打就是弹拨功能，十分简陋原始。

到了汉唐之后，中国通过西域和国外的交流频繁，西方主要是伊斯兰世界和印度的音乐和乐器大量流入，汉唐时统治者奉行开放政策，勇于吸收外地文化，源于外国的乐器如笛子、筚篥、琵琶、胡琴等大量为中国音乐采纳，并被中国人改良发展，逐渐替代了中国原来的本土乐器。除了古琴一直被文人宠爱，得以流传之外，其余“民乐”几乎都是外来乐器的变种。在乐器引进方面是第一波引进，到了20世纪，全面引用西方乐器是属于第二波引进。而中国古代民乐却不能被世界乐队所采纳为通用，足见其劣势十分明显。

那篇文章调和的说，中西方音乐各有千秋、互存不同。赞扬中国传统音乐历史悠久，积累了丰富的审美经验。中国音乐是以线状为主的音乐思维方式，以表现曲调为主，属于单音音乐体系，旋律直接生成于诗、词、曲声韵的音响色彩。结构上讲究均衡、对称、平稳、和谐，以达到内与外的有机统一。表现在音乐的意境上，包括对虚与实的追求和讲究传神，虚拟含蓄，注重神似，给人以丰富的想象空间。

又说，中西方音乐有着不同的深度，西方音乐深度主要表现为深刻，而中国音乐则表现为深邃。西乐的深刻是静态的、固定的、明晰的，是可以诉诸理性观念的，西乐的审美任务是帮助人们认知客观世界，所以西方艺术重再现和重摹仿；中乐的深邃是动态的、游移不定的、含蓄神秘的，它不可以诉诸理性观念，而只能借助于悟性直觉，是主题之外的审美特质，崇尚虚无，求空灵、虚淡。讲韵味、意境，求深邃、气韵、余韵，强调直觉与领悟，注重生命本体。

又说到，西方音乐许多作品都是无标题的纯音乐，如交响乐、协奏曲、奏鸣曲、组曲、变奏曲等等。而中国音乐从古到今，绝大多数的音乐都带有文学性标题，没有形成一种纯音乐的题材，所以和西方的纯音乐的概念是不一样的。中西方音乐有着不同的力度。中乐以深度胜，深而有力，属于阴柔之力；西乐以强度胜，强而有力，属于阳刚之力。从音响上说，西方音乐追求音响的厚实、丰满和立体感，追求一种震撼人心的力量，多用复调音乐，主调式的结构，追求旋律进行时的纵横交错网状铺叠的立体效果；中国音乐的织体是作横向线形的延伸、展开，旋律抑扬起伏，能无声进入人的心里，起到西方音乐无法达到的效果。西方人的思维具有分析性，他们的音乐是通过将音乐的音域发展最大化、音响最复杂化来表现世界。中国人的思维具有综合性，在一个小音域的范围内展示世界。西方注重“情韵”，中方注重“和谐”。

以上赞美中国音乐特征，几乎都是玄学上的模糊虚词，什么叫空灵、深邃、虚淡、气韵、余韵、和谐、境意？这些在音乐乐理上都是解释不通的废话，完全是空洞的装饰词。真正不同点如下。

一、唱名与音阶体系不同。唱名是指音阶上各音的名称。通常使用1do、2re、3mi、4fa、5sol、6la、7si。大调的主音用1do，小调的主音用6la。中国古代音乐属于五声音阶体系，宫do、商re、角mi、徽sol、羽la，相当于简谱1、2、3、5、6，少去了半音递升的“4”和“7”。比如，现在还时有听到的江南小调《茉莉花》即是古曲之一，它全曲若用唱名哼出，只有“哆、来、咪、索、拉”，全无“发、稀”两音；唱名不同，音域范围也不同。西方音乐属于七声音阶体系，大调与小调都属于七声音阶，大调其相邻二音的间距分全音与半音两种，除第三、四两音间与第七、八两音间为半音外，其余均为全音，大调的色彩较为明朗。小调的二三两音间与五六两音间为半音，小调的色彩一般较大调黯淡，常用来表达悲哀、忧郁的情绪。

中国音乐音阶不多，又无半音和大小调区分，简单易学、易记、易唱、易拉。二胡只要二根弦就够拉了，京胡演奏只有“西皮、二黄”二种调门，“西皮”空弦定音为“6～3”（低音la～mi）弦，“二黄”空弦定音为“5～2”(低音gol～re)弦。反反复复就在这二种声调之间转换着，能不枯燥无味吗？

二、中西方音乐最大的不同点在于是否有多声部音乐的产生，也包括对复调音乐、和弦、和声与配器技巧的应用。工具的发明差异造成了中西乐器的不同，所以中国乐器结构简单粗糙，多是不能演奏和声的。比如说琵琶、扬琴、箫、笙、唢呐，又多以“丝、竹、木”为材，故称“丝竹之乐”，具有柔、细、清的发音特征；西方古典音乐是和声的、多声部的，所以乐器种类多样而复杂，机构精良而繁细，都能演奏和声、和弦，如钢琴、小提琴等。圆号、小号、萨克斯等又多以金属为材，故音色丰富，音域宽广，表现力强而震撼。在配器与乐队组合上阵容齐全，西方音乐多采用大型的交响乐、奏鸣曲、协奏曲等多声部的形式；中国的音乐多是单音旋律，多采用独奏或几样单一乐器相搭配的小型合奏形式。

三、由于中国古代汉字的记谱方法一直落后，导致基本的乐理知识贫瘠，抑制其向纵深度探索，根本不懂得现代音乐的规则，那里还有什么深邃可言？思维不同在于，中国汉族传统音乐，主要扎根于文人贵族修身养性、吟诗作歌的土壤中，犹如老和尚念经一样的“雅境”，听起来缓慢单调而沉闷。所以没有复杂的多形式的表演类型，民间只有戏剧说唱之类的。几千年的封建专制统治，被压抑的汉民族，很少有载歌载舞的奔放情感，连一个音乐家的大名也没有留传下来，让民族为他骄傲。

2018.6.7