[tr][td]1、AcousticBass（原声贝司）
音色介绍：弓弦乐器类独奏的拨弦音色，有四根琴弦按E1－A1－D－G定音，这个音色是本类中惟一由箱休震动发声的乐器，通常总是处在乐队最低音区的位置，具有两种作用：一是担负和声低音的进行，指示出和声的功能；二是以其特有的节奏型来显示出基本的节拍运动。
常用音域：E1－g。
旋律演奏：此音色绝少有演奏旋律的可能，但应用于爵士音乐中时，经常在华彩乐段有独奏的段落出现。
固定音型：在爵士音乐中，低音提琴主要用来演奏两种类型的低音：一种在不短的四分音符中偶尔插入短促的附点音符；一种是演奏带附点的节奏音型。
和声长音：不能。
和声节奏：不能。
分解和弦：经常使用。
特殊技巧：滑音、击弦、揉弦等。
常用音色组合：这个音色最好的应用是在爵士乐队中，流行音乐的配器中也可以使用，但是请注意由于这个音色衰减的很快，并不适合演奏较长时值的音符。这个音色的融合性很好，演奏的低音声部极有效果而又不会过分突出。
使用禁忌：注意最好严格的控制在这一乐器的音区之内，避免产生“失真“的效果。
2、ElectricBassfinger（指弹电贝司）
音色介绍：又称为低音电吉他，有四根琴弦按E1－A1－D－G定音，属电声乐器类，是用手指拨弦演奏的电贝司音色。此音色被广泛应用于大部分流行音乐之中。
常用音域：E1－c。现货的电贝司由传统的四弦增加到五弦（B2－E1－A1－D－G）甚至六弦（B2－E1－A1－D－G－e），演奏音域也扩张了很多。
音色特点：可以演奏很长的音符时值，有明显的音头，也适合快速的和弦转换，是利用频率较高的一个贝司音色。中音区和低音区发音圆润、浑厚、延音较长。高音区声音单薄、明亮、延音较短。
旋律演奏：乐曲中在稍高的音区偶尔突出的旋律性音型很有效果。
固定音型：作为乐队中最低音区的乐器，不仅担任了明确和声低音的功能，也通过一定有组织的节奏循环，使其他声部的乐器甚至是乐曲的风格得到了统一。所以，固定音型是最能够体现电贝司这一音色特点的演奏方法。
和声长音：跃然不能演奏和声的长音，但演奏单音的长音衬托其他声部是常用的方法，也很有效果。
和声节奏：不能。
分解和弦：是经常使用的演奏方法，但注意不要让余音处长。
特殊技巧：泛音、滑音、双音、击弦、揉弦等。
常用音色组合：作为电声乐队的低音乐器是最常见的配置方法，最主要的合奏乐器是爵士鼓。
使用禁忌：不适合的音区，过快的速度和没有规律的运用。
3、ElectricBasspick（拨片电贝司）
拨片电贝司同指弹电贝司相比，是由手指的弹奏更换为拨片的拨奏，这样演奏的速度可以更快。音色也有着更强的音头，也就较适合应用在情绪激烈的音乐风格和乐曲中，如ROCK（摇滚）。其他请参照ElectricBassfinger（指弹电贝司）的介绍。
4、FretlessBass（无品贝司）
电声乐器音色，外形与电贝司相同，但没有音品，所以演奏的音符之间更连贯，滑音也更多。音色柔和，延音长，融合性极好，在乐队中可以构成一个连贯的低音声部。最早多应用于JAZZ（爵士）音乐，但现代的应用则非常广泛。其他请参照ElectricBassfinger（指弹电贝司）的介绍。
5、SlapBass（打弦贝司）
音色介绍：又称击弦贝司，是电贝司的一种演奏技巧。演奏者使用手指对琴弦进行击、勾的动作，发也短促而响亮的音色。多用于Funk、Fusion等音乐风格中和乐曲的华彩乐段。
常用音域：E1－c。
音色特点：发音短促、结实、力度强，颗粒性好。
旋律演奏：不能。
固定音型：经常使用。
和声长音：不能。
和声节奏：不能。
特殊技巧演奏：这个音色本身就是电贝司的一种特殊技巧。
常用音色组合：主要应用于电声乐队。
使用禁忌：不宜使用平缓的音型或过长时间的使用，也不要演奏过长时间的音符。
6、SynthBass（合成贝司）
音色介绍：电子合成音色。除按传统贝司音色常规的方法来使用外，可以不必考虑过多的演奏难度、演奏音域等问题，也就可以更灵活的运用。
常用音域：C1－a。
音色特点：带有很快的由亮到暗的音头，声音浑厚，音色衰减较快。
旋律演奏：如果作为普通的合成音色而不是贝司音色来应用，这个音色完全可以演奏较快的旋律音型。
固定音型：最常用的演奏织体之一，推荐使用。
和声长音：不能。
和声节奏：在中高音区可合成音色的角度去使用。
分解和弦：不仅在低音区是常用的演奏方法，在中音区模仿吉他类带有延音的分解和弦也别有韵味。
特殊技巧演奏：任何有效果的应用都是允许的，如极快速的同音或八度重复，半音阶，速度很快的大跨度跳跃式音型，夸张的颤音、滑音等。
常用音色组合：电子舞曲和流行音乐中最常见到这类音色的应用。
使用禁忌：任何合理的应用都是被允许的。
一.琴的种类：
贝斯有很多种类，首先有四弦贝斯，五弦贝斯，六弦贝斯...其中以四，五弦居多。
不一定说新手就必须要用四弦贝斯，不能用五弦贝斯，完全根据自己的兴趣以及
音乐风格是否需要等因素。以四弦贝斯为例，四根弦分别为：一弦-G（so） 二弦-D（re）
三弦-A（la） 四弦-E（mi） ， 一弦最高，四弦最低。五弦贝斯是在四弦之上再加一根更为粗的弦，
五弦-B （si）。
（1）.四根弦的特点：
一弦要比其他明亮，音头好。在普通的弹奏时，中高把位音色更佳，经常用在Solo和Fill的地方。
泛音也是经常在一弦上演奏的。勾弦、点弦也是一弦常用的，偶尔也使用击弦。
二弦起到了一弦与三弦的惯连、承接上下的作用。音色饱满，但作根音不大适合。
Pop的Fill和Jazz的游动音型等会经常使用。
三弦的音色最没有特点，但它还是最常用的一根弦。通常做根音伴奏，包括击打弦的技巧。
勾弦不常使用在三弦。在伴奏时，以C调为中心的上下三度调都可以演奏，有时甚至可以到F调。
但再高的把位就不大常用了，因为三弦的中高把位的做伴奏根音时，音头不好，音色浑浊。
低的时候可以演奏空弦把位A调，如果琴和琴弦的质地不是很好的话，可以用四弦五把位来弹A调。
因为三弦空弦A有时显得有些空、散。
四弦的音色最低沉，高把位难听，通常不用。除非必要时的Solo。普通弹奏和击弦都是最擅长的。
伴奏时可以到A，甚至到Bb。这根弦在演奏Rock、Pop时用的最多。
五弦电贝斯是在四弦的基础上，又加了一根更低的B弦。演奏到D音时会有很好的效果，C#有时也可以弹。
C、B就不太常用了，音高已经很模糊。五弦的高把位也是不常用的。也有的琴是在上面的一弦上，
又加了一根更高的弦。但不常见。
六弦电贝斯则是在加了一根更低的五弦电贝斯的基础上，又加了一根更高的C弦。这种琴常用于Solo。
由于音乐的特征和难易程度（即指音乐理论，而非演奏技术）所造成的：
Rock常使用四弦电贝斯，Pop使用五弦的，Jazz使用六弦的。但这决非是固有的，只是一般的规律。
二.新手用琴：
成天都会有和我一样的新手研究用什么琴好，每天看着他们用的好琴，口水都留键盘上了。
其实我觉得，新手用那种很便宜的琴，只要能弹出正常的音高，就可以了，我们只是再熟悉这些
声音，熟悉指板。给我们那么好的琴也弹不出啥好东西。如果家里条件允许，那么买把好琴做新手琴也不是不可以的。
算个简单的题，比如你打算买一把1000块钱的琴，然后等以后不要了就送朋友或者仍那放着了（这种琴一般卖不出去的吧）
那不如先买把2000块钱的琴，等到想换琴的时候，再把她卖了，（应该可以卖1000块钱吧），这样是和前者一样的花销的。
建议新手购买：
Squier（简称SQ，fender子品牌）
OLP（MM下属品牌，喜欢MusicMan的可以先下手）
Rockbass（warwick的子品牌）
Ibanez
Cort
fender（墨西哥产）
这里主要推荐SQ，因为价格比较低，其他的牌子价格会稍微贵一些。一些为了在学校里上台表演的人，这些就够用了。
只要不是什么大型演出。
效果器一般来说对于新手是用不到的。
不同的琴，不同的木头
枫木（Maple）：琴柄的木材，除了桃花心木外几乎都是枫木。枫木的特性是声音亮，很多Fender的吉他指板是用枫木做的，所以Fender吉他的音色大多较亮。枫木的音色实在太亮，比重也太重了，除了木吉他之外，几乎没有纯以枫木用做琴身的吉他。大部份的用法是和其它的材料和併做琴身用，例如PRS及Gibson就常用桃花心木的琴身，再加上枫木於表面，以枫木补桃花心木所缺的高频。但枫木一定要上漆保护，否则容易龟裂。因為指板大多上漆，所以弹得时候手指头事实上只碰到漆，光滑的透明漆让人弹起来觉得很快，但缺点是漆会磨损。少数特殊吉他的琴柄不上漆，而以上油的方法来保护。未受保护的枫木会变黑，很难看，甚至乾裂。据说这是為甚麼Leo Fender当初将枫木指板换成紫檀的原因。
虎纹枫木（Flame Maple）：為浅咖啡色接近金色（比桃花心木浅），顾名思义是有明显的横向（与木纹垂直）的花纹，常用於製造电吉他的面板。许多高级电吉他也在琴身正面加两块，用来做音色的混合。虎纹枫木也常用来做提琴乐器（主要是用Maple）。
紫檀（Rosewood）：又称玫瑰木，是最受欢迎的指板木材。它的音质饱满，低音浑厚，高音悦耳，又不会太亮，声音较枫木柔和了很多，常被用於电吉他的指板，用来平衡Maple过亮的音色；在木吉他方面，则常被用来做侧面及背面的共鸣板。它含有大量的油质，也因為如此，它不用上漆保护，也几乎不需任何保养。它非常重，而且价格较昂贵，没有人用紫檀做琴身的。世界上最好的紫檀產自巴西，但很不幸的是，由於森林日渐减少，其价格亦扶摇直上，这几年来有越来越缺货的趋势。有不少製造者因而转用北美或别地区的紫檀，但它们的音质有相当的差别。
黑檀（Ebony）：為深咖啡色接近黑色，常用於製作指板及Acoustic Guitar的Bridge。其材质坚硬，不易变形，喜欢高级手工琴的人，大概都专挑黑檀製作的指板。黑檀本来是做钢琴黑键的材料，木质非常光滑，几乎看不到木纹。黑檀的顏色比紫檀深，上面亦看不见什麼小孔。也有许多人是因為其顏色近於紫檀，又没有紫檀上的小孔而选择它。事实上黑檀的音质和紫檀相当不同，其音色比较亮而乾，略带哑哑的感觉。黑檀的最大缺点是需要定期保养，否则会乾裂，一年上一次柠檬油应该够了。没有人用黑檀做琴身的。
桃花心木（Mahogany）：桃花心木的木纹相当好看，顏色较枫木深，為浅咖啡色带细纹，通常用於製作琴身或琴颈。此木材声音较枫木柔和，但是没有紫檀的巨大共鸣效果，音色温暖而富低频，音质还是非常有个性，因而被PRS及Gibson等公司大量使用，所有Gibson Les Paul系列的吉他都是用桃花心木做的，因為声音缺乏高音，所以Les Paul吉他上再贴一片枫木以增加亮度。桃花心木来源非常稀少，而且无法人工养殖，所以价格较其他做琴身的木材贵了许多，估计总有一天会无法用来作吉他。
赤杨木（Alder）：Fender吉他採用最多的木材，特别是Stratocaster，是价位较低的木材之一。它的重量轻，声音好，顏色有一点淡黄，平滑的木纹很好上漆。
胡桃木（Walnut）：胡桃木木纹非常好看，音色有点像桃花心木，非常温暖。
白杨木（Poplar）：性质非常像赤杨木，只是顏色较白，目前也经常被用做吉他琴身的木材。
菩提木（Basswood）：另一种常被Fender採用的木材，重量轻，声音柔和，顏色较白，因為常有绿色的木纹，所以不适合上透明漆。
赤梣木（Ash）：50年代的Fender将赤梣木大量使用在Telecaster的琴身製作。它的声音较亮，稍重，有非常结实的低频，适合上透明漆。
洋檜木（Koa）：又叫相思木。此种只有在夏威夷生长的木材，Carvin有拿来作吉他，顏色為深褐色，多不上漆以保持它的特殊顏色。
赤松（Spruce）：赤松是最常被用在木吉他面板的木材，特别是高价位的產品。它的音色亮而共鸣好。欧洲產的赤松一般而言是最好的选择。
一般用来製造琴身的木材如赤松、桃花心木…等，多是Quarter Sawn（锯下来的木板要尽量垂直於年轮方向），以求得均匀的强度。但枫木為了要显现出其花纹，其切割方法会比较平行於年轮方向。
Ibanez的实心吉他的琴身几乎都是菩提木。紫檀也很常见，大部份Fender或Ibanez的深色指板通常都是紫檀，也有木吉他的琴身用紫檀的情形。赤梣木和赤杨木则是Fender的天下。
现在森林日渐减少，有些木料已经无法供应製作乐器了。例如最好的洋檜木泰半来自夏威夷。前几年Taylor因為好的夏戚夷洋檜木难得，停產了两个型号。也有乐器製造商绞尽脑力试验各种木料组合，甚至新的材质。例如铝合金、玻璃纤维……等等，不过木材似乎还是乐器的最佳选择。至於什麼样的木质、什麼样的音色才算好呢？那就凭各人的喜好了。
Hard rock maple(硬质枫木)
优质的硬质枫木主要产于美国东北部，主要作为琴颈的木材来使用，具有能经受时间考验的质量和稳定性.
作为琴体木材来使用，它的木质表现为密度非常大并沉重，带来明亮且共鸣时间较长的音色.
枫木带有非常好看的轻微颗粒状木纹，能配合各种透明油漆获得极好的视觉效果.
Alder(桤木)
优质桤木主产于美国西北部林区。它的重量相对较轻，在中高频段的共鸣非常饱满清晰。桤木是制作实心电吉他的一流木材并伴随着电吉它的出现一直沿用到今天。桤木的颜色中度偏淡，比枫木和岑木颜色略深。
Mahogany(桃花心木)
真正的优质桃花心木产于洪都拉斯，红褐色，温暖的音色及突出的低音是它固有的品质。
桃花心木同样也被认为是制作实体电吉他的一流木材。它比桤木密度大且重，但比枫木轻。桃花心木琴体通常配合火焰纹枫木或絮状纹枫木贴面，能得到共鸣延时极好的温暖的音色。
Swamp Ash(岑木)
优质岑木生长于美国南方的沼泽地区，是一种经典的琴体木材。每棵岑树上适合作为琴体使用的轻量岑木的部分，实际上是长年浸泡于沼泽中产生了多孔渗水的木头。
岑木的音色特点是轻微减低的中频，饱满的低频及圆润明亮的高频。岑木的颜色很浅并带有丰富的颗粒状纹理，与硬质枫木琴颈非常搭配，并适合搭配任何透明油漆。
Walnut(胡桃木)
优质的黑胡桃木产于美国东部，密度大木质中等坚硬，比桃花心木略重。
它的音色特点是带有深度的低频和明亮的高频，特别是作为贝司琴体材料，能使贝司的音色于其他乐器区分得非常清楚。黑胡桃木颜色中等偏黑，有非常美丽的木纹图案，无论是做成亮光漆或磨砂面都非常吸引眼球。
Koa(洋槐木)
供制作吉他用的优质洋槐木只生长于夏威夷群岛，古时夏威夷原住民用它来制作独木舟和冲浪板。洋槐木同时具备了桃花心木的温暖高共鸣度以及桤木音色清澈的特点。无论使用桐油，磨沙或是光漆来配搭都有很好的视觉效果
Flame Curly Maple(火焰文枫木)
火焰纹枫木产于美国西北部，普遍作为琴体贴面木材使用。它质量轻，产生圆润明亮的高音以及紧凑的低音。与任何木材的亲身搭配都能得到很好的音色及视觉效果
Quilted Maple(絮状纹枫木)
絮状纹枫木同样产于美国西北部，普遍作为琴体贴面木材使用。它质量轻，产生圆润明亮的高音以及紧凑的低音。它上面的纹理变化丰富悦目，与任何透明及半透明油漆搭配都非常好看。
Flame Curly Koa(火焰纹洋槐木)
火焰纹洋槐木也只生长于夏威夷群岛，是制作夏威夷四弦琴Ukulele和高端箱琴的高档木材。无论你选择它作为电琴贴面或箱琴面板，音色都将变得甜美并得到显著的中频提升。火焰纹洋槐木配合桐油，磨沙或光漆亲身都能得到极佳的视觉效果。
Figured Claro Walnut(絮状纹胡桃木)
絮状纹胡桃木产于美国加利福尼亚洲，其受好评程度仅次于黑胡桃木。絮状纹胡桃木贴面为琴身加上了独特的外观并带来更明亮的高音区以及深沉的低音区。它纹理变化丰富多样，颜色从啤酒色到黑色都有。
Spurce(云杉)
云杉是制作箱琴面板的著名木材，高品质云杉产于美国。它颜色纯净，木纹清晰。作为箱琴面板，它的音色明亮，并带来平滑的低频共鸣。
Cedar(雪松)
雪松产于加拿大，呈红褐色并带有均匀的直线形木纹。它作为弗拉门戈和古典吉他的面板材料已经被使用了数百年。其音色特点是温暖并比云杉有更明显的中高频共振.
同的木料做電吉他琴身, 會有不同的音色表現, 也可能就變成是某型吉他的音色特色, 不只音色, 木頭的花紋也常常被廠家的漆工刻意突顯, 各有不同的美觀視覺效果, 讓電吉他不會像小提琴外觀那麼無聊, 看起來都差不多, 所以各位吉他手在挑選電吉他時, 外表一定佔了很大的考慮因素對不對啊? 不要說謊喔!
一般來說, 越硬的琴身木頭, 音色就越亮(Bright)和越有力道(Punchy), 反過來木頭越軟就音色越溫暖柔和, 舉例來說, Fender Stratocaster最常用的Alder(赤楊木)是中等密度的木頭, 音色表現就中道, 高中低音, 亮度, 柔度, 溫暖度等都恰到好處沒有哪一項特別突顯, 所以可能是單一木頭琴身最常見的用料, Mahogany(桃心木)很軟又重, 所以音色會厚又溫暖柔和, 中低音也比較突顯, 硬度很大的Maple(楓木), 因堅固常被用來做Neck, 但也是用來增加亮度的考慮, 其它亮度大的吉他常見木料還有Ash, Rosewood, Pao Ferro, Ebony(黑橝), 溫暖音色的則還常見到用Koa, Poplar, Agathis, Basswood, 這些木料還會影響整支琴的重量, 像Basswood就很輕, 重的除了上面講的Mahogany外, Telecaster常用的Ash也很重。
廠家也會利用各種木頭的不同音色表現, 將兩種木頭合在一起做琴身,例如Gibson Les Paul或PRS很常見的, 在Mahogany琴上表面, 加上一層不厚的Maple表面, 這樣高中低音色表現面面俱到。
還要提到的是, 軟的木頭會吸收弦震動能量, 使音色的起始勁道(Attack)和延音(sustain)減弱 (註: Attack的意義舉個例, 鋼琴那樣音的起始有個撞擊, 就是Attack很強的音, 小提琴那樣就是沒有什麼Attack的音) 。
[/td][/tr]
[/table] 三.音箱：
这个东西很为关键， 一般来说音色的好坏和他有直接关系，好琴配破箱子，也显不出来你的琴多好。俗话说的好，好马配好鞍。
就是这个意思。 新手来说，15W的箱子足够自己练习了，如果想买一个即能练习又能排练的，那么建议买一个60W的箱子。
品牌我也不好说，因为我也是一个新手。所以希望能有大侠指点一二。
借用下那位吉他版版主的话。
乐在其心，器在其次，应该追求的是最大限度的发挥手上的设备，当然恋物者也可以折腾设备玩。
四.什么琴适合什么风格
只有什么琴是什么音色的说法，没有什么风格必须是什么音色的定论，所以也就没有什么琴适合什么风格的结论，
任何琴都可以演奏任何风格。
五.手小怎么办
个人认为可以把琴挂的高一些，另外最好是亚洲产的琴，这样会比较适合亚洲人手小的特点。再就可以根据自己的
特点改变下弹奏方法，比如说，正常是四根手指一根负责一品，你可以改变成，食指和中指不变，小指和无名指共同负责第三品。
不过我发现很多越多的贝斯手，手都蛮大的。而且他们的个子都是乐队最高的。。。
六.学贝斯前，是不是需要先学吉他
很多人都有这样的问题，这两个乐器，是不一样的，如果学过，更好，但，如果没学过，也不必去学木吉他了。
乐器之间乐理是相同的，但技术是不一样的，完全两个概念。贝斯弦粗，吉他弦细，一般听歌的人只能听到吉他声音，听不到贝斯
声音，（如果不仔细听），声音上就不是一个概念。按弦的力度也不是一样的。等等，还有很多。
七.练琴时该站着弹还是坐着弹
我本人是站着练，累了坐着练。简单的说，你演出能坐着演出？坐着练，手很舒服，弹起来方便，但是站着练如果还要保持那种坐着练得舒服程度，那么
就需要把琴挂的很高，但是如果你是要玩Punk，Rock 之类的，极少有人挂那么高吧。我也就只是见过玩JAZZ之类的，把琴挂的高高的。
八.爬格子
每个人每天的功课之一，我想应该是。不要觉得烦，因为这个是基础，之前看过有人问过这个问题，详细情况你们可以上这里看看
[url]http://bbs.guitarchina.com/thread-832286-1-3.html[/url]
九.应该指弹还是用拨片弹
一次上课我拿的拨片去，老师说最好别用那东西，用也行，你看人家大师哪个用拨片弹？我觉得这东西没这说法吧？
只是用拨片弹，到时候Slap的时候不太方便时真的。这个也得看个人了，喜欢咋弄就砸弄。我就比较喜欢那种用
拨片弹出来的声音。爽~！
有些东西对于新手来说是一定要死磕的，这个就没什么捷径了，例如速度。
速度这个东西就纯粹是死磕出来的，但也别光练速度了。够用就足矣！
[url]http://www.guitarchina.com/news/bg/bg07/20040505/223232.htm[/url]
这里是一些人对速度的评论，里面有bluesnblood袄~！
贝斯轮指的介绍与练习方法详解
贝司轮指
第一种
是象吉他演奏者那样运用拨片来弹。这种弹法虽然能创造出比较独特和硬朗的声音，
但却是一种比较缓慢的演奏方法。如果你用pick并且速度不成问题的话，本文就不需要你留心了。
然而，由于贝司这种乐器本身的性质所限，大多数演奏者不可能很好的发展拨片演奏技艺。
为了达到快速演奏，拨片演奏者必须进行非常刻苦的训练。同时，对pick演奏来说，
完成击弦和勾弦来说也是很困难的。不过，由于其独特的音响和增加音乐色彩的能力，
拨片演奏的确是一种很好的备选手法。
第二种
方法是“一指禅”。这恐怕是最糟糕的演奏方法了。这种方法很难使演奏速度增加，
同时你的手指会很快疲劳，如果你采用这种奏法的话，恐怕得改一改了，请往下看：
第三种
是所谓的行走贝司（Walking Bass）的奏法。此种方法运用食指和中指，
弹起来感觉你的手指是“行走”在弦的中间。当某一指拨弦时，
另一指准备完成下一个拨弦动作或者准备拨奏另一根弦。其中，
预备触弦的手指位置称为“拨前位” pre-pick position，类似的，
触弦动作完成后的位置称“拨后位”post-pick position.。这种拨弦方式的速度可以达到和pick等同，
而且，由于大指得到了自由运用，勾击弦的奏法可以流畅地完成。该方式为大多数贝司演奏者所青睐，
而且简单易学，容易上手，声音也不坏，和其它方式比较而言拥有很多优点。
最后一种
方法是我所着力介绍的“全指法” full-hand。运用五指获得速度，
增加音色的变化，延缓疲劳。不仅是Jazz和Funk，在各种音乐类型中你都可以运用这种方法。
你可以运用它来弹奏领奏，你可以增加切分和表情，
你可以运用它获得“无形的低音声部”the invisible bass part，
之所以它是无形的是因为对一般的听众而言，这些细微的变化和技巧通常不被人所注意，
但是，如果你去掉这个“无形的低音声部”的话，每个人都会注意到：）
本文不打算涉及过多内容，因此不介绍勾击弦奏法。
实际上，我将论述集中在传统方式的贝司演奏手法上，和行走贝司非常类似。
但我称它为“蜘蛛爬行” spider walking bass，
因为这种奏法使你的演奏看上去好象某个正爬过屋顶的蜘蛛。
“蜘蛛爬行”的基本动作是当某一指拨弦时其它三指分阶段轮换回到拨前位，
拨弦手指在回到拨前位时，其它手指已完成了三次拨弦动作。
这种拨弦方式也减少了每个手指的独立工作量。
因为“蜘蛛爬行”奏法是基于行走贝司奏法的，所以我建议你先学好行走贝司奏法，
很多教材有这方面的内容，我就不再赘述了。
手指独立性是完成“蜘蛛爬行”奏法的关键之关键，由于乐器性质的原因，
很多键盘乐器的演奏者这方面能力比较好，而贝司演奏者就不一定了。
你可以多做一些手指独立性的练习：
1． 手掌平放在桌面上，独立抬起每一根单独的手指，尽量达到一英寸或更高，其它手指保持不动。
2． 同上，每次抬起两根，比如 1-3, 2-4, 1-4，交替抬起。如果你觉得很容易就加快速度做。
3． 上述练习如能轻易完成，请加快速度自己练习。
接下来，我们需要一些胶带，就是通常的胶带纸，
除了堵住个别不听话并罗嗦个不停的学生的嘴的功能以外，我们需要用它来帮我们达到练习的效果。
首先我们把2，3指并在一起，你可以通过把大指支于琴体上获得稳定的支撑效果，
如果你要演奏勾击时，大指也可以离开琴体。
接下来可以是1，2指。
别沮丧，这样的练习可能需要一个月，当你掌握了这种两指的练习并达到一定程度的时候，
你就可以试试三指的交替演奏了。弹三连音是一个非常好的办法，如果你还不知道三连音是什么的话，
请去看乐理书吧，对一个乐队的贝司而言更应该掌握更多的乐理知识，很有用。
现在你可以让小指参与了，把2，3指如前法并在一起，用1指和4指进行同时演奏。
这么做是比较困难的，但请坚持下去。
接下来你可以将12，34指分别并在一起练习，
好了，到现在你可能已经完成了近3个月的练习，现在去掉胶带试试4指在琴上的声音吧。
注意这四根手指的音量是否均衡一致，如果某指较弱的话你就加强该指的独立性练习，
一些辅助性的手指健力工具也可以选用。最终的目标是，在不看的情况下区分不出这四指声音的区别来，
当你认为达到这一步时，请别人帮你听听是否如此。
最后，你需要根据手指的不同长度调整触弦时手的角度。
向琴码处转动手腕约15度将会有利于小指和其它指在演奏G弦时的同时触弦。
你可以采用E_G两弦的跨越练习：在E弦上弹一个音，比如E16th,然后在G弦上弹奏G16th,
拨弦手指顺序如果正确的话（12341…..），每两小节中，每个手指都有两次触G弦。
如果你足够努力的话，你在6个月内可以比较全面地掌握这项技巧。很多人缺乏耐心，
过早地放弃了。正如我说过的，别沮丧，别灰心，这项技巧很难，但最终你将获益匪浅。
你的演奏将更流畅，更快速，更轻而易举。而且，在朋友面前也会让你出彩不少的。That’s Cool!
十.教材的选择
很多人推荐 摸透电贝司 我也没看过，（我是超新手） 也不知道杂样。 我用的是 跟我学电贝司，这本书蛮适合新手的，
整体分为基本概念，然后基本姿势，基本演奏技巧，基本乐理，常用大调的把位及基本练习，常用小调的基本把位及练习，电贝司饿基本线条，
电贝司的基本节奏类型，蓝调音符及基本练习，十四种布吉乌吉低音形式练习，摇滚贝斯技巧30种及练习，40种填充句，100个贝斯模式，
贝斯练习曲25首。之前还看过一本摇滚贝斯，个人觉得不怎么样，新手看，挺难，老师推荐我去买跟我学电贝司，这本书事简谱的，
摇滚贝斯是 五线谱的，不太容易看，反正怎么说到后来，什么简谱，五线谱，四线谱。都得明白才行，根据自己现状来吧。
十一.乐理
我就很差，乐理好，学起来能轻松许多。严肃音乐里演奏与作曲是两个独立的专业，电贝斯做为流行乐器，基本是以演奏为主的，
因此很多人不学乐理照样弹得很好，但想学乐理，面对长篇大论，可不可以筛选一些呢？
有没有必要学习五线谱呢？五线谱是乐理的表达手段，可以直观的表示音与音的关系，要往专业乐理的路上走，就必须学习五线谱，
做为业余爱好者，不想学也可以。近日见到有些帖子问，什么是复调，什么是大十度等等，这些可能在电贝斯领域永远都用不上，
对于业余爱好而言，知道和弦与调式就可以进行大规模创作了，当然知道得更多写得越牛。（借用吉他斑竹的）
十二.节奏问题
新手练习一定要跟着节拍器练习！ 不要忽略他！ 我就花了100多买了个节拍器。 之前用电脑的，但是一打开电脑就有人在QQ喊我玩之类的。
自己也控制不住，于是乎，买了个节拍器，干脆就不开电脑了，练琴时间大增，。。怎么说自己了。。
贝斯本来就是一种控制节奏的乐器，自己的节奏都没有，那么乐队其他的队员怎么办呢？
节奏感是天生的，有的好，有的不好，好不好都最好跟着节拍器练基本音符，4分、8分、16分、3连音、6连音，每拍弹稳，
重拍轻拍掌握好。
十三.练习时间
记得看过李咏主持的《咏乐汇》那期嘉宾是:朗朗，他说他小时候练琴一天8小时，父亲逼着练，现在练琴用不上那么长时间了也就2~3小时。
我们新手千万不要一味的追求完美！成天一练就练一天，那就成疯子了，手也受不了的。要科学的练。累了可以听听音乐。听也是一个很重要
的环节。多听，才能弹凑出完美的歌~！
乐器之所以为乐器而不是机器，一个要靠手，一个要靠心，练习是手与心的综合练习，不要只是闷头傻练，练成傻子。
小弟新手学琴3个多月，自己弹得相当之臭~有不对的地方还请大家见谅，大家可以提出意见，小弟更改就是。
谁有更多的见解，给以告诉我。 十四.常见的Bass Line
一常见的BASS线条
完全使用和弦根音的贝司线条，其性稳重、河蟹、厚实。
使用和弦根音与五音的贝司线条，其性教流行、浪漫。
音阶式级进的贝司线条，其性安定、富趣味。
强拍休止弱拍起的贝司线条，其性活跃、生动。
使用所有和弦内音的贝司线条，其性圆滑、丰满。
附点拍子的贝司线条，其性进行有力、紧凑。
音程距离大的贝司线条，其性进促、热情。
音阶式级进与附点切分拍子的贝司线条，其性动人、强而有力。
二强化的贝司线条
附点拍子与保持和弦间的共同音之强化贝司线条，其性积极、持重。
附点拍子与休止的强化贝司线条，其性前进、有力。
切分音与先现音的强化贝司线条，其性活跃、有变化。
使用和弦外音的音阶级进式强化贝司线条，其性浪漫、优美。
使用顿音与保持和弦间共同音的强化贝司线条，其性急促、抗张。
使用休止与和弦外音的强化贝司线条，其性生动、丰富。
三句型的贝司线条
使用所有和弦内音的句型贝司线条，其性平和、厚实。
使用不分和弦内音与三连因切分拍，并加入和弦外音的句型贝司线条，其性富变化、生动。
以两小节为一单位的句型贝司线条，其性华丽、优美。
使用休止与切分拍的句型贝司线条，其性热烈、流行。
使用和弦外音以两小节为单位与切分的句型贝司线条，其性圆滑而活跃。
使用切分与顿音的复拍子句型贝司线条，其性浪漫、细致。
四节奏的贝司线条
音程变化大而有模进的节奏贝司线条，其性优美、动人。
使用休止与先现音的节奏贝司线条，其性有力且富于变化。
使用顿音与休止的节奏贝司线条，其性高亢、紧张。
使用三连音的节奏贝司线条，其性绵延连续而生动、有趣。
使用模进与保持和弦间共同音的节奏贝司线条，其性稳定、优美。
音程变化大、切分而复杂的节奏贝司线条，其性华丽、细腻、活泼。
音程变化大、切分与和弦外音的节奏贝司线条，其性华丽、细腻而连贯不断。
十五.关于和弦
和弦名称 组成音 记法
C大三和弦 1 3 5 C
C小三和弦 1 b3 5 Cm
C增和弦 1 3 #5 Caug
C减和弦 1 b3 b5 Cdim
C挂四和弦 1 5 4 Csus4
C六和弦 1 3 5 6 C6
C小六和弦 1 b3 5 6 Cm6
C大小七和弦 1 3 5 b7 C7
C小七和弦 1 b3 5 b7 Cm7
C大七和弦 1 3 5 7 Cmaj7
C九和弦 1 3 5 b7 2 C9
C小九和弦 1 b3 5 b7 2 Cm9
C七减五和弦 1 3 b5 b7 C7-5
C小七减五和弦 1 b3 b5 b7 Cm7-5
C大九和弦 1 3 5 7 2 Cmaj9
C十一和弦 1 3 5 b7 2 4 C11
C小十一和弦 1 b3 5 b7 2 4 Cm11
C十三和弦 1 3 5 b7 2 4 6 C13
C七挂四和弦 1 5 b7 4 C7sus4
C减七和弦 1 b3 b5 bb7 Cdim7
这20种是现代音乐中比较常用的和弦。记忆这些和弦是有方法的。
先来看看英文单词的意思。Min是小的意思，Augmented是增加的意思。diminished是减的意思。Suspend是挂的意思。major是大调的意思。
我们先来把和弦分为两类，1 3 5类和1 b3 5类。 1 3 5 是C，1 b3 5是Cm。
六和弦在上面加上六度音。C6就是 1 3 5 6，Cm6就是1 b3 5 6。
七和弦在上面加上七度音。C7就是1 3 5 b7，Cm7就是1 b3 5 b7。而Cmaj7就是第七度音不要降，组成大二度音1 3 5 7。
九和弦在上面加上七度和九度音。C9就是1 3 5 b7 2。Cm9就是1 b3 5 b7 2。而Cmaj9就是1 3 5 7 2。
同理我们也可以推出C11就是1 3 5 b7 2 4。Cm11就是1 b3 5 b7 2 4。C13就是1 3 5 b7 2 4 6。
什么是增和弦呢？就是两个大二度的和弦，Caug的音就是1 3 #5。减和弦就是两个小二度的和弦，Cdim就是1 b3 b5。
什么是挂四和弦，挂四和弦就是挂留四度音，1 3 5 变成了 1 4 5 。Csus4就是 1 4 5。
C7-5就是在C7的基础上降低5度音，音的组成就是1 3 b5 b7。
最后是C减七和弦，Cdim7就是在Cdim的基础上在减去七度音，音为1 b3 b5 bb7。这样我们就可以将20个和弦记住。
这是C系列的和弦，其它象B系列，我们只要用首调唱名的方法。B为1 3 5 ，这样就可以推出其它和弦。
如何记忆和弦在吉他上的把位，这说几点必须记忆的内容，更好的方法在高级教程中在论述。
我们必须记忆的常用和弦：
第一把位的大三和弦，C、D、E、F、G、A及它们的七和弦。
第一把位的Cmaj7、Damj7、Emaj7、Fmaj7、Gmaj7、Amaj7和弦。
第一把位的C9、D9、E9、F9、G9、A9和弦。
第一把位的C6、D6、E6、F6、G6、A6和弦。
第一把位的Am9、Dm9、Em9和弦。
第一把位的Am6、Dm6、Em6和弦。
第一把位的Csus4、Dsus4、Esus4、Gsus4、Asus4及挂四七和弦。
第一把位的Ddim7、Eaug和弦。
十六.调琴
调琴入门。 [url]http://bbs.guitarchina.com/thread-40150-1-2.html[/url] 十七.关于效果器
eq 均衡
wah 哇音
chorus 合唱
distortion 失真
overdrive 过载
flanger 镶边
compressor 压缩
等等
EQ
1．均衡器的调整方法：超低音：20Hz-40Hz，适当时声音强而有力。能控制雷声、低音鼓、管风琴和贝司的声音。过度提升会使音乐变得混浊不清。低音：40Hz-150Hz，是声音的基础部份，其能量占整个音频能量的70%，是表现音乐风格的重要成份。适当时，低音张弛得宜，声音丰满柔和，不足时声音单薄，150Hz，过度提升时会使声音发闷，明亮度下降，鼻音增强。中低音：150Hz-500Hz，是声音的结构部分，人声位于这个位置，不足时，演唱声会被音乐淹没，声音软而无力，适当提升时会感到浑厚有力，提高声音的力度和响度。提升过度时会使低音变得生硬，300Hz处过度提升3-6dB，如再加上混响，则会严重影响声音的清晰度。中音：500Hz-2KHz，包含大多数乐器的低次谐波和泛音，是小军鼓和打击乐器的特征音。适当时声音透彻明亮，不足时声音朦胧。过度提升时会产生类似电话的声音。中高音：2KHz-5KHz，是弦乐的特征音（拉弦乐的弓与弦的摩搡声，弹拔乐的手指触弦的声音某）。不足时声音的穿透力下降，过强时会掩蔽语言音节的识别。高音：7KHz-8KHz，是影响声音层次感的频率。过度提升会使短笛、长笛声音突出，语言的齿音加重和音色发毛。极高音：8KHz-10KHz合适时，三角铁和立叉的金属感通透率高，沙钟的节奏清晰可辨。过度提升会使声音不自然，易烧毁高频单元。
2．平衡悦耳的声音应是：150Hz以下（低音）应是丰满、柔和而富有弹性；150Hz-50Hz（中低音）应是浑厚有力百不混浊；500Hz-5KHz（中高音）应是明亮透彻而不生硬；5KHz以上（高音）应是纤细，园顺而不尖锐刺耳。整个频响特性平直时：声音自然丰满而有弹性，层次清晰园顺悦耳。频响多峰谷时：声音粗糙混浊，高音刺耳发毛，无层次感扩声易发生反馈啸叫。
3．频率的音感特征：30~60Hz沉闷如没有相当大的响度，人耳很难感觉。60~100Hz沉重80Hz附近能产生极强的“重感”效果，响度很高也不会给人舒服的感觉，可给人以强烈的刺激作用。100~200Hz丰满200~500Hz力度易引起嗡嗡声的烦闷心理。500~1KHz明朗800Hz附近如提升10dB，会明显产生一种嘈杂感，狭窄感。1K~2KHz透亮2800Kz附近明亮感关系最大。2K~4Kz尖锐6800Hz形成尖啸，锐利的感觉。4K~8Kz清脆3400Hz易引起听觉疲劳。8K~16Kz纤细＞7.5KHz音感清彻纤细。（转帖）
贝司 EQ（转帖）
最近的几位朋友和我说起了关于什么牌子的贝司均衡比较好.其实许多东西还是见仁见智吧,不光是牌子的选择,还有自己对喜欢的音色的调节都是相当重要的.如果你选择的对路,或者一个廉价的贝司均衡器就能够做出你自己想要的音色了.
所以,在选择适合自己的贝司均衡器之前,先想清楚自己在未来的一段时间内用的是什么牌子的琴,什么系列,什么型号的,如何对症下药.总之要记得的一点就是,贝司均衡器只是为了更大限度的发掘你手上的武器的一个辅助设备,并不是一个万能的神奇圣物.所以,对不同的琴,要选择适合它,能够发挥它潜力的效果器是挺重要的.
其中,影响个人对不同音色喜好的一个因素就是频率点.打个比方,你手上用的是一把IBANEZ-K5贝司,你玩的是重型音乐,你需要足够的低频,那么你就应该买一个对于低频能够有更好提升作用的均衡器.同样的,你喜欢FUNKY SLAPPING,喜欢把琴弦钩的啪啪作响的话你就需要一个能够精心修饰高频的均衡器.
现在,不少贝司效果器的生产厂家为了突出自己的个性,所以在制造自己的产品的时候是选用了不同的规格的.以下是一些常见的贝司(或者兼容贝司)的图形均衡器的频率调节参数.
1.DOD FX42-B:+-18DB
50/100/200/400/800/1600/3200
2.DUNLOP-MXR M109(六段均衡器):
100/200/400/800/1800/3200
3.BEHRINGE BEQ700:+-15DB
50/120/400/500/800/4500/100000
4.IBANEZ BE10:+-15DB
63/125/250/500/1000/2200/5000
5.BOSS GEB-7:+-15DB
50/120/400/800/4500/100000
从以上的一些举例中我们可以看出,不同的贝司均衡的可调节频率点是不同的.有些牌子的跨度比较大,对于低频,高频的修饰会精细一些,像BOSS GEB-7,有些则会着重于中频,像MXR M109.
这个时候你会怎么样选择?如果你喜欢FLEA,喜欢SLAP,手上拿的是MUSICMAN STINGRAY的话我想你可能会选择GEB-7,如果你拿的是一把FENDER JAZZ BASS,你喜欢有事没事的就像JACO那样扣泛音,你需要精心的修饰你的中频,我想你可能会选择MXR M109,甚至是DOD FX42B(看清楚,这个玩意的频率调节状态是+-18DB的).
每把琴是不同的音色的,而每个人喜欢的音色,喜欢的频率点也不同,所以许多东西是没有绝对的.
所以就这样,打个比方,你确定了自己的琴之后,你就最好找个调音台软件,戴上耳机,安静的试一下,自己对它的哪个频率比较喜欢,需要修饰它的哪个频率的音色多一些,那么就把这些频率点记住,再去寻找有接近这些频率的贝司均衡器.
另外,如果你的耳朵是经过千锤百炼,对音色极端挑剔,能够认真的分别出100HZ和120HZ的细微区别,400HZ和450HZ的细微区别的话,如果你像ERIC JOHNSON对音色的要求那么变态,连音箱上的保险丝也要选择自己的指定产品的话,建议你还是去整个数字参数均衡器.那些GT6B之类的均衡调节是更加精确的.
以下是一些以前本人用IBANEZ-K5和BOSS GT6B和DOD FX42B以及HARTKE A70做测试得出的一些不同频率点特征的参数记录,给大家做一点参考:
50HZ:低频的绝对保障,但是开得太大的话就会变得有一种嗡嗡的声强,压的耳膜难受,而且会浑浊.
80HZ:一个挺肥厚的音色点,调节得当的话音色会比较温暖.
100HZ到120HZ:是80HZ的一个清晰化的版本,一个几乎所有贝司均衡器都必须具备的频率调节点.能够提供厚得来又不会太浑浊的音色.但是我们一般不会把这个频率点的调节提升得太高.而是把它原封不动的放着,作为一个"防线".
160HZ到200HZ:这个位置频率点出来的音色是不少FUSION贝司手所比较喜欢的,有一些现代贝司音色的"透明感"在里面,但是单独调节太大的话会变得很古怪,而且很虚.一般我们只提升到大约7,8DB左右,再配合其他调节一起使用.而如果进行SLAP的话这个频率多数是调节到负数的.
300HZ到320HZ:这个位置的频率调节如果增大的话就能够比较容易得到泛音,是一个塑造特色音色的一个有趣的频率点.
400HZ:估计这个位置的频率点不少人都不喜欢.如果开大了会有些混混蒙蒙的音色出现.所以一直都有人认为,设计带有这个频率点的贝司均衡器的公司的初衷就是为了让贝司手们在SLAP的时候能够把这个频率点调节成负数.其实这样的说法也是不准确的,当你需要一个圆润的音色的时候,适当的在这里增加一点的话会有着很好的帮助,大家可以试试.
500HZ:如果你是一个喜欢标准摇滚的朋友,应该会喜欢这个位置的频率点.的确,提升这个位置的时候,可以得到清晰的贝司声音,而又不会像400HZ那样出现调节过大就有混的声音出现.而且当指弹SOLO的时候,这个频率点调节的好的话会起到很好的效果.
650HZ:这个位置左右的频率点能够让你的指弹的音色显得比较突出,是一个塑造自己特色音色的又一个好频率.
800HZ:是中频附近的一个"防线",保证你贝司的声音的清晰度,一般我自己的话是不会过度动这个位置的频率调节的.
1000HZ:算是中频的一个加强点,调节得当的话可以有很干净但是又不会过于抢眼的音色出现.但是这个点也是开始出现"底气变弱"的一个位置.
2000HZ左右:调节不好的话会让贝司音色变得"四不像".但是在SLAP的时候我会稍微提升它.
3200HZ:如果要做出稍微"暗淡"一点的SLAP音色的话会是一个很好的调节频率点.出来的音色不会太扎耳朵,但是又能够显出其清脆的声音.也是一些JAZZ贝司手比较喜欢作出修饰的频率位置.
4500HZ:喜欢红辣椒的朋友们在SLAP的时候估计会对它也有一定的喜爱程度.而且许多FUNKY乐手在SLAP的时候也肯定会对它提升不少.不过你想要做出比较"厚",比较圆润的音色的时候,估计它要下去不少,呵呵.
10000HZ:可以得到很尖锐的音色,如果是在SLAP SOLO里面的话,它估计会被抬到最高的位置.也是一个用来炫耀贝司高频部分的一个关键频率位置.
15000以上:哥们,别弹贝司了,改弹吉他去吧,记得插上个MT-2.
以上只是限制在我所用的K5,GT6B,FX42B,A70里面得出的一些参数记录,并不代表其他的也这样.只能够给大家作出一些参考建议.
最后,大家在选择适合自己贝司的均衡器之前,千万要记得先弄清楚自己的琴最需要修饰的是什么频率位置,而不要过于盲目的崇拜品牌.不同琴,不同箱子出来的不同频率位置的音色都是不同的.
后话:不光是贝司均衡器上不同牌子的频率调节点不同,就连音箱上面的均衡调节也是不同的.我的A70上面7段均衡是63/160/315/630/1250/2500/5000.大家也可以看看自己的是多少.
BASSROOM转载的EQ
40Hz---------------------低音最震撼的频率
80Hz---160Hz------------bass最美好的低频
340Hz---880Hz-----------bass的中频，对音色的“软硬”影响最大的频率段
1.2KHz---1.4KHz---------bass的次高频，对slap音色的影响最大，对“软硬”也有影响
2KHz---5KHz-------------bass的高频段，对音色的亮度影响最大
5KHz以上-----------------bass的超高频段，一般对于高音不好的琴有很好的辅助作用
DI的作用
简单说，其实就是匹配阻抗，bass是高阻抗乐器，DI让高阻变低阻信号，同时就导致非平衡信号（的信号强度）转变成为平衡信号（的信号强度）。
简单解释下，所谓非平衡信号转成平衡信号，其实不是信号变了性质，只是强度增大而已，例如 -10db增大到+4db，再直接点，表面上，就是…………声音大好多，再简单说，就是调音台或声卡或其他什么的设备，能够接受到一个足够适当强度的信号，能够进行正常的放大。
所谓能够减低噪音，DI是没有降噪功能的，实际上是信号强度增强了，有用的信号部分放大了，相比之下。噪音就小了而已，这个叫 “信噪比”。就是有用的信号跟噪音之间的比例当，当然噪音成分在同时也被放大，但是是微不足道的，尤其是接地不好的琴，有些DI有接地的，可以使噪音部分减少很多，所以不是噪音被减少了，而是信号被增强了。
DI就是这么个简单的东西，至于像哈撒克，三司昂谱，爱慕爱刻丝等的前级+DI，那是前级+DI，另当别论。
其实再补充下，其实很多东西都有DI，随便2手市场买个什么几百的机架，是周边不是效果期哦，像EQ，compressor，随便什么都行，后面就有XLR 输出，就是DI功能，而且，这还不像其他什么bass单快儿DI，都要改变音色，机架都可以bypass效果，只用DI。不会影响你原本的声音音色。
所以只要明白这个道理，大家都可以在很多东西上，找到你所须的DI功能。
效果器理论知识
常用术语介绍压限器（COMPRESSOR/LIMITER）
概述。压缩器/限制器（compressor/limiter，简称压限器）的用途是让信号的输出动态范围变小，它使较微弱的信号变大而使较大的信号变小。其结果是使大信号与小信号之间的差别变小。例如，压限器可以用来使snare鼓的音轨变得平淡柔和，允许整个鼓的声音在混音器上被提升到一个较高的电平，而不会使母带过载。对于有些歌手来说，他们在进行录音时总是不能够很好地保持嘴部与麦克风之间的距离，这时候使用一些温和的压缩效果就可以使得人声音轨的表现更佳。
它是如何工作的。一旦输入的信号电平超过了用户设定的阀值，则压缩器就将开始工作，把过高的输入电平降低。这样得到的结果是，在增大输入电平的同时，不会造成输出电平产生同等幅度的增大。例如，设置压缩率为2：1，则每增加2 dB的输入电平只会造成输出电平有1 dB的变化。
重要的参数。阀值（threshold）参数决定了要被压缩或是限制的信号的上下限。处于阀值以内的信号将不会受到影响。
比率（ratio）参数选择了在输入信号超过阀值时，输出电平改变的方式。较高的比率值，将导致较大的压缩，并使得声音听起来很“挤”。非常高的比率值会导致信号产生极端的“上限成分”（ceiling）。这叫做极限（limiting）。
输出（output）参数提高增益可以抵消掉由于动态范围约束而产生的较低的电平。
Attack参数设定了输入电平的相互作用时间。一个较长的attack时间使得在进行压缩之前“允许通行”更多的原始动态信号。例如，增加一点attack时间可以保留下更多原始的kick鼓的重击声。
释放（release）参数意味着当输入信号在恢复到阀值范围内时，要通过多长的时间才能够让压限器回到正常的状态。在较短释放时间的情况下，压限器的电平变化十分细微，可以用于制造“海浪”的声音。
令人烦恼的特性。过分的压缩会导致声音非常窄，且听起来感觉很不自然，并且会产生噪声。因此不要使压缩的量过大。
要点。当你使用压限器和其他效果器的组合时，一定要尽可能地将压限器置于效果器线路的最前端，以防止混入前面设备的噪声。
·如果在压限器中突然产生了增强现象，而当时你又并没有增加压缩的量值，这说明输入到压限器中的信号电平增大了。
·一些音乐中使用到了具有60年代特征的鼓声，那些声音听起来就象是在吸气。为了营造这种效果，你可以使用大量具有很短的释放时间的压缩效果。
·对一段混音进行压缩时，如果鼓声和持续的贝司音同时出现，则贝司的声音就会发出“噗噗”声，只要是鼓声一响起，这种声音就会被听到。
失真（DISTORTION）
概述。失真效果器的作用是来模仿一个功率放大器过载时的表现，它是吉他最常用的一种效果器。然而，失真效果器也可以用于其他场合，例如为鼓、合成器甚至是人声添加色彩。
它是如何工作的。并不是所有类型的失真（真空管、晶体管、数字等等）声音都是一样的。一些设备中包括了一个真空管或是其他形式的模拟失真电路，因此可以在计算机的控制下进行改变。而其他的一些则是使用DSP（数字信号处理器）来模仿典型的失真效果。
大多数的音乐人都喜欢使用较“软”的波形，这样输出信号的失真程度会随输入信号的增大而逐渐变强。而使用较“硬”的波形，输出信号会在某一个点以下不产生失真，而在输入信号超过上述的那个点时，输出信号就产生强烈的失真（参见图1）。“硬”波形的声音听起来比较刺耳。
重要的参数。灵敏度（sensitivity），驱动（drive）和输入（input）这三个参数决定了失真效果器的输出信号电平。当灵敏度参数被设为最大值时，失真效果最为强烈。
输出（output）参数。由于失真效果器通常都产生较强烈的功率放大，输出参数可以用于调整效果输出电平的反馈。
音调控制（tone controls）。有些失真效果器上包括了音调控制参数。失真效果器给信号加入了大量的谐波，增强了高频成分；当你为贝司设定的深度（depth）过大时，要设法降低那些尖锐刺耳的噪声。
令人烦恼的特性。因为失真效果器具有很高的增益，所以它们很容易产生“嘶嘶”的声音。同时，由于大多数的失真效果都是为吉他而设计的，因此很少有立体声形式的失真效果器用于你的混音工程。
要点。将失真效果器单元置于混音器的辅助总线（aux bus）上，并且还要返回混音器。为了给音轨增加一些“撕咬”的感觉，你可以先将这一条辅助总线的声音进行试听。
·为鼓的声音增加少许的失真效果可以增强打击的感觉。
·失真效果还可以使合成器的声音更加“摇滚”。你也可以通过失真效果器为使用了旋转扬声器效果的风琴音色添加“嘎吱嘎吱咬”的效果，或是在一台早就被人遗忘的老式DX7合成器上使用一下这种效果。
均衡器（ EQUALIZERS）
概述。均衡器可以用于增强或是减弱某一频段上的信号，以达到改变音色的目的。增强或是减弱的多少是用分贝（dB）来衡量的。均衡器可以为你把某一种音色中的某一种令人讨厌的谐波成分减低，同时还可以避免最终混音中各种声音之间发生冲突。假设你在人声演唱的后面使用了一架节奏钢琴，由于钢琴和人声是在同一个频段内，于是就发生了冲突。这时的解决办法是：降低钢琴声音在中频段的成分，将该频段让给人声。
它是如何工作的。均衡器中使用的是滤波器电路，这种电路可以对信号频谱中的某些部分不予理睬（通过），而对另外一些部分进行提升或是降低。通常使用的滤波器主要有四种类型：低通滤波器（lowpass），它的用途是使低于某个特定频率的信号全部通过，而对高于此频率的成分予以衰减，其中这个特定的频率我们称之为截止频率（cutoff frequency）；高通滤波器（highpass），它的用途是使高于截止频率的信号全部通过，而对低于此频率的成分予以衰减；带通滤波器（bandpass），它的用途是提升某一特定频率附近的信号，而忽略过高和过低的频率成分，其中这个特定的频率我们称之为中心频率（center frequency）；带阻滤波器（notch），它的用途是衰减中心频率附近的信号，而忽略过高和过低的频率成分。带通和带阻滤波器可以进行作用的频率范围我们称之为带宽（bandwidth）。
有许多种均衡器可供我们使用，甚至在功能最弱的混音器上都可以见到。这时通常都是对截止频率以上或是以下的信号进行提升或减低的高通和低通均衡器。截止频率有可能是可调整的，也可能是固定的。图形均衡器（graphic equalizer）是使用大量的带通滤波器将音频信号的频谱分成许多段，这样就可以对各个频段分别进行调整。
还有一种参量均衡器（parametric equalizer），它是一种功能非凡的音调调节形式。不同于图形均衡器的只能对相对固定的频段进行提升和降低，参量均衡器可以对全频段上的任何一个频率进行操作。另外，在参量均衡器中，带宽的值是可变的，从宽到窄均可以（参见图2）。注意还有一种准参量均衡器（有时也称为半参量均衡器），它与参量均衡器的区别在于只有中心频率和提升、衰减的控制，而不能对带宽进行调节。
重要的参数。频率（frequency）参数设定了你要对声音频带中进行均衡的具体频段。
提升（boost）和衰减（cut）参数决定了你要对选定频段进行提升或是衰减的程度。
带宽，共振或是Q值参数。这个参数决定了提升或是衰减曲线是窄而尖还是宽而平缓。较窄的带宽设置（即较高的共振或是Q值）使得均衡器只能对非常窄的一个音频段进行操作，而较宽的设定值则可以对较宽的音频段进行操作。
令人烦恼的特性。许多均衡器上都没有通过开关（bypass），这对于比较通过均衡器的信号和没有通过均衡器的信号的区别带来了麻烦。有些均衡器有一个可调整的带宽，但是这个参数对于使用上来说总是不是太窄就是太宽。
要点。如果你可以的话，最好是使用衰减功能而不要使用提升。例如，我们一般都是对中频段进行衰减，而不是对低频段和高频段进行提升。你可以进行衰减之后，再对整个频率范围整体进行提升。
·要不断对通过均衡器的声音和未通过均衡器的声音进行比较。你一定不要犯这样的错误：你对高频段进行了较多的提升，可是发现低音显得有些单薄，于是就又对低频段进行提升，然后又发现中频段偏弱了，只好又对中频段也进行提升，就这样无休止地进行下去了。
·永远只使用你所需要的最少的均衡量。要知道仅仅是几个dB的不同就会产生非常大的变化。
延时效果（delay effects）：回旋（flanging），合唱（chorusing），回声（echo）
概述。时间延时效果可以产生回旋，回声，合唱，延时，立体声模拟（stereo simulation）等许多种效果。有些设备为每一种效果设定了一种独立的效果算法，而另外一些则只是提供了很简单的时间延时效果，然后对其进行改变来实现各种不同的效果。相位（phrasing）、回旋和合唱是由很短的延时时间而产生的，因此你不会觉得它们与延时效果有过多的相似之处。虽然如此，延时效果毕竟还是这些效果中最最基本的。
它是如何工作的。时间延时效果是将输入信号录制到数字化的内存中，然后经过一段短暂的时间之后再将其读出来。将输出信号的一部分反馈回输入端，使之再进入到延时的循环中去，于是得到一种重复的回声效果。调制（modulation）参数，这是一种在某一特定范围内进行延时时间变化的参数，它用来制造一种很活泼的变化效果——延时时间在最大值和最小值之间不断地来回变化。
重要的参数。初始延时（initial delay）参数设定了延时的时间。在回声效果中，这个参数决定了直接声与第一声回声之间的时间间隔。在回旋和合唱效果中，调制参数控制了初始的延时时间。有一些设备允许你将延时时间与MIDI乐曲的节奏进行同步。另外一些则是一种tap功能，即使用开关和按键来设定延时时间。
平衡（balance）、混音（mix）和混合（blend）参数。这个参数调整了直接声与延时声音之间的平衡关系。如果你将一个合唱算法设定为100%的湿度（即全部通过效果器），那么你将听不到任何合唱效果，其原因是合唱效果是通过一个细微的音高偏置来产生的，而这种细微的音高偏置是由“干”信号（即不通过效果器）和经过延时调制的信号共同生成的。可使声音更加丰满的合唱效果算法使用了若干个延时，因此你将在平衡为100%时，依然可以听到效果声。?/FONT>
反馈（feedback）、再循环（recirculation）或是再发生（regeneration）参数。这个参数决定了从输出端返回到输入端信号量值的多少。在回声效果中，最小的反馈量提供了一种单一的回声；而较大的反馈量值则增大了回声的效果。在回旋效果中，增大反馈量会使效果变得尖利，这与增大滤波器的共振参数十分类似。
扫描范围（sweep range）、调制量（modulation）或是深度（depth）参数决定了使用多少调制量（有时也称之为低频振荡或是扫描）来使得延时时间产生变化。例如，一个延时效果具有2：1的扫描范围，那么就可以扫描超过2：1的时间间隔（例如5毫秒到10毫秒，或是100毫秒到200毫秒）。一个较宽的扫描时间对于生动的回旋效果来说是最最重要的了；合唱和回声效果则不需要过多的扫描范围。在使用较长的延时时间的效果时，应在合唱中增加一点调制，但是太多的调制量将会导致不河蟹的效果。许多回声效果（长延时）算法都是基于现在的效果器硬件设备来建立的，它们没有调制参数。
调制类型（modulation type）。调制通常用于周期性的波形，例如三角波或是方波，但是一些设备包括了随机波形和包络（可以用于调制输入信号的动态范围）。
调制率（modulation rate）参数设定了可调制低频振荡器的速度。典型的速率范围是从0.1 Hz（即每10秒钟一个循环）到20Hz。作为最标准的合唱效果，通常是使用2Hz或是更低的频率；较高的速率则用于一些不大常用的效果。在回旋和合唱效果中，调制导致了被调制信号的音高变得比较单调，并且将其返回到原始的声音（音高比较尖锐）中，不断地进行循环。
令人烦恼的特性。延时时间是从设备中读出的，尤其是在有些老式的设备中，数据并不总是100%的正确。当然，通过MIDI来改变延时时间，当设备正在处理一个信号时，其结果总是出现问题。
要点。为了增加颤音，可以设置一个较短的初始延时（例如5毫秒等），监听延时时间，并且用一个5到14 Hz的三角波或是正弦波来调制延时。
·为了创造出“梳状滤波器”效果，可以将一个直接声的信号与一个通过了短暂且未经调制的延时效果的信号进行混音。试着将初始延时时间设定为1到10 毫秒，最小的反馈量，不进行调制，将直接声和经过处理的声音进行等量的混合。然后打开反馈以提高滤波特性。
·为了进行从单声道到立体声的转换，你应该设置立体声的合唱深度参数为最大值，并且将比率参数设为最小值（或是关掉）。当调制比率参数设置得较高时，将会导致立体声展开效果缺乏动感。
·为了给特定的节奏（例如一个八分或是四分音符）校准回声的反复时间，下面的公式将为你把每分钟的小节数（节奏）转化为每四分音符多少毫秒（回声时间）：
60000/（每分钟的小节数）= 延时时间（单位为毫秒）
音高转换器（PITCH TRANSPOSER）
概述。音高转换器用于合成输入信号中的一个或是多个和声。简单的音高转换器只局限于对相似的谐音进行转换，而一个功能全面的音调转换器却可以“智能”地生成出一些谐波，只要你指定一个调和一种模式（如大调，小调等）即可。
它是如何工作的。从本质上来说，一个音高转换器是将信号切成非常细小的很多块，然后再将它们重新贴在一起。除了几个毫秒的处理时间外，这些操作都是实时的，它们有时使用较少的时间（提升音高），而有时则使用较多的时间（降低音高）。注意：若你想了解这些处理工作在数字信号处理器中是如何进行的，请参阅Keyboard杂志97年8月刊中的专文。
重要的参数。转换（transposition）参数决定了和声中音高之间的距离，典型的是使用半音，但是会有附加的细微的音调控制。
混合（blend）或是混音（mix）参数决定了原始声与经过转换了的信号的平衡。
反馈（feedback），再发生（regeneration）或是再循环（recirculation）参数，控制从输出端返回一些信号回输入端，以建立台阶式的谐波和其他的特殊效果。
智能和声（intelligent harmony）参数。这是一些用于组成调式和音阶的数据，正是它们才使得音高转换器可以用于产生和声，当然这些和声是以特定的音阶规则为基础而生成的。
令人烦恼的特性。这种设备对于转换音高来说有非常强大的处理能力，不过有时候声音听起来还是不够理想。例如，这里可能有颤音起伏的效果，或是偶然的短时脉冲波形干扰。音高转换的程度越大，则问题越明显。
要点。即使你的音高转换器不具有“智能”的和声功能，你也应该在进行演奏时，不时地通过MIDI接口使用连续的控制器信息对转换参数进行控制。
对于滑奏效果来说，你可以设置转换的音高比通常的音高略高一点（大约几个音分的样子），然后提升再发生参数。对每一个音符进行再循环和音高提升，从开始一步一步地升高直到接近滑奏效果（和声音高控制参数控制着每一步之间的距离）。
音高转换器可以制造出来非常优秀的回旋/合唱效果。方法是将音高控制参数设定为非常小的值（1到20音分），并且提高再发生参数来进行尝试。
噪声门（NOISE GATE）
概述。噪声门可以帮助我们来去除信号中的噪声和“嘶嘶”声，而无管当时输入的音频信号是否低于某个特定的阀值。作为一个意外的收获，噪声门还可以产生非常特别的效果。
它是如何工作的。较大的音乐声会导致“嘶嘶”的声音，这种声音在比较安静的时候（通常是在乐曲停止演奏的时候）就会被听到。设定阀值正好比“嘶嘶”声的电平高一点，这样将可以使信号通过。在信号电平低于阀值时，它将阻碍信号的输出，例如我们经常遇到的那种情况——信号只由单一的“嘶嘶”声组成（参见图3），这时就可以使用噪声门来处理。
重要的参数。阀值（threshold）或是灵敏度（sensitivity）参数决定了使门打开的电平值。较高的阀值电平一般用于特殊的效果，例如去除一件重要乐器声音的衰减过程，以得到更有敲击感的声音。
消弱（attenuation）。一些噪声门具有可调节的关门状态消弱功能。当使用较少的消弱时，门并不完全关闭，此时一些低于阀值的信号还是可以通过。
衰减时间（decay time）参数设定了当信号低于阀值时，声音淡出的时间。
音头时间（attack time）参数工作在与上面衰减参数相反的情况下：当输入信号超过阀值后，噪声门打开一段指定的时间，使信号淡入。通常，你都是希望音头时间越短越好，使得最开始的冲击性声音不被错过。
开关输入（key input）参数。这个参数允许使用一个单独的音频信号（未经处理过的信号）来打开或是关闭门。
令人烦恼的特性。有时候噪声门会将某些你希望听到的声音去掉了。另外，噪声门对信号进行加工时，不需要信号在此之前经过过多的处理。消除高频噪声的同时也意味着消除了一部分信号。
要点。如果可能的话，应避免使用噪声门来进行噪声的消除工作，这是由于它会破坏细微的动态变化。
开关输入参数对于特殊的效果来说简直是再精彩不过的了。例如，你可以用kick鼓击打的声音将一个持续的和弦的声音“切”成节奏形式的小段。
对于巨大的鼓声，采样时会混入一些房间的声音，压缩信号之外的成分，然后使用一个较高阀值的门对它进行处理。这使得房间中的爆破声通过，但是这样消除了混响的衰减。
混响（REVERBERATION）
概述。混响效果用于模拟声音在声学空间（例如大房间或是礼堂等）中的反射。数字式混响器甚至可以创造出真实世界中不存在的空间效果。
它是如何工作的。数字式混响器是通过一个算法来处理声音，这种算法中用滤波器建立了一系列的延时，模仿在真实房间中声波遇到墙壁和天花板后发生反射的情况。
重要的参数。图4中向我们展示了最基本的混响参数。
类型（type）参数决定了混响效果模仿的类型：房间，大厅，反射板，spring（用于吉他功放的杰出的“拨弦”混响声），等等。
房间尺寸（room size）参数决定了房间的全部容量。改变这个参数通常会使其他参数发生变化，例如低频或高频的衰减等。
早期反射电平（early reflections level）参数。早期反射是一种间隔非常接近的离散的回声，这一点与较晚产生的“wash”声音不同，后者将会持续混响声的尾部。
预延时（predelay）参数的设置决定了房间中产生的第一组反射声或混响声开始之前的时间，通常我们将其设定为100ms或是更短。一个较长的预延时时间将给你一种非常巨大的声学空间的感觉。
衰减时间（decay time）参数。该参数用于调整混响声的尾部衰减到听不到时所经过的时间。这里可以为不同的频段设置不同的延时时间，允许你根据房间的特性来设定更加合适的混响尾部。
线路转换频率（crossover frequency）是一个为高频和低频成分分别设置延时时间的参数。它决定了高频和低频之间的“界线”。例如，对于一个1 KHz的线路转换频率来说，低于该频率值的信号将隶属于低频延时时间，而高于该频率值的成分将隶属于高频延时时间。
高频消散（high-frequency rolloff）参数。在自然的混响空间中，高频成分的消失速度要较低频成分更加迅速。高频消散参数就是用来帮助你模拟这一效果的。
混音（mix），平衡（balance）或是混合（blend）参数。这个参数设定了混响声和直接声的混响比例。
漫射（diffusion）是一个“平滑/粗糙”参数。提高漫射会导致早期反射声的结合更加紧密，这样可以得到一个非常厚实的声音。减低漫射传播会使早期反射声分离程度增加。一些混响效果单元称这为密度（density），而一些漫射控制会影响所有的反射音，而不仅仅是早期反射声。
令人烦恼的特性。尽管是最优秀的数字式混响器，也不可能完全模仿出真正的大教堂中的那种感觉。一个真正的声学空间是最好的混响器。一个拙劣的混响算法不会给人带来任何感动，同时还会给声音中加入高音的“铃声”。
要点。不同的乐器会在不同的混响设置下得到好的结果。例如，低密度的设置值对于敲击的声音就会出现问题，这是由于第一声反射声更象离散的回声，而不是混响声。提高密度值可以解决这一问题。然而，低密度的设置值可以与人声很好地进行配合，使得声音更加丰满。
一个没有加任何混响的音轨会让人听起来十分的干且易碎，但是它也很容易被加上过分的混响。一些最为优秀的混响器仅仅提供了非常短的房间混响算法，使得混响声在混音中很不起眼，你不注意都不太容易发现。
为了创造一个感觉“宏大”的声音，你可以将低频延时时间设置得比高频的长一些。若是为了得到一个非常“轻”的声音，则反之。
震音（TREMOLO）
概述。震音效果产生一种周期性的振幅变化，使得声音听起来好象是在进行有规律的跳动。
它是如何工作的。利用一个调制源（例如一个三角波或是正弦波）来控制振幅。
重要的参数。调制（modulation）或是深度（depth）参数决定了对振幅进行多大的变化的调制。
调制类型（modulation type）参数。一些震音效果器包括了不同类型的调制波形。
调制率（modulation rate）参数设定了调制信号的频率。
令人烦恼的特性。通常来说，你都无法将震音调制的频率与MIDI的节奏进行同步。对于采集来的声音来说，震音效果会导致一些音符的音头被吃掉，以至于影响节奏。
要点。震音本来是用于吉他的，但是它在60年代就开始用于人声背景了，当人们醉得飘飘欲仙时，会觉得这种声音非常的中耳。
激励（EXCITER）
概述。激励器用于增强声音的亮度，但是它又不同于均衡器。使用它的结果是得到一个非常明亮且“轻快”的声音，而没有简单地将高音提升后所带来的刺耳的感觉。
它是如何工作的。不同的处理产生的变化很大，但是一个最普通的模式是增加少许的高频失真。另外一种办法就是在中频段声音较大的地方提升高频成分。有时相位的改变对于声音来说也是非常重要的。
重要的参数。激励器频率（exciter frequency）参数设定了进行激励的频率。
激励器混音（exciter mix）参数决定了增加多少激励声到原始声音中去。
令人烦恼的特性。人们通常都爱把激励开得过大，以至于毁掉了整个歌曲的声音。
要点。不要将整个乐曲的混音通过激励器，因为它的“杀伤力”实在是太大了。
为了得到好的结果，要使用辅助总线来驱动激励器，如果需要的话，可以为每一个通道增添细微的变化。
声音合成机（VOCODER）
概述。声音合成机主要是用于建造一种“谈话”的效果。
它是如何工作的。一个声音合成机有两个输入口，一个是为乐器准备的载波输入口，还有一个是为麦克风或是其他信号源准备的调制信号输入口。对着麦克风说话将会加重调制波输入的频谱。这是通过打开和关上一些与人声具有相同共振峰的带通滤波器来实现的。
重要的参数。载波输入电平（carrier input level）参数决定了载波信号的电平高低。
调制信号输入电平（modulator input level）参数用于调整调制信号的电平高低。
平衡（balance）参数设定了麦克风采样的声音与声音合成机声音的混合量。
高通滤波器（highpass filter）参数用于直接从麦克风通道给输出端增加一些高频成分。这一点使我们更加容易理解混音中的一些发音（如英语中的s-和th-的发音，大致相当于汉语中的“嘶”），这些是由一些在通常的乐器声音信号中不常见的高频成分组成的。
令人烦恼的特性。如果滤波器太尖利，则很容易发生过载而造成可怕的失真现象。请不要称它们为声音合成机。
要点。声音合成机的优点远不止仅作为谈话效果来使用。例如，使用鼓的声音来代替人声对麦克风进行输入，然后再用这个信号来控制一个键盘的持续和弦。
为了得到最好的结果，被处理的乐器的声音中应该具有大量的谐波。失真吉他的声音作为声音合成机的载波会工作得很好，可以用它来调制一个合成器产生的锯齿波。
结语
信号处理的确是一件非常cool的事情，但是当你加入了MIDI控制时，效果将会更好。几乎没有人能够完全琢磨透现在已经存在的效果器和综合效果器，因此你很有可能找到一种让人们都感到惊讶的声音，并且只有你知道如何得到它。
想要弹奏出好的音色，必须先从思考及充实音乐知识做起，你对音阶、和弦、乐理甚至於对音乐所要表达的概念，都会影响你的弹奏，你对音乐的了解愈深，相对地愈会让你的弹奏具有思考性，思考及音乐知识是相辅相成的，一个对音乐知识缺乏的乐手，根本说不上他们是在玩音乐， 说得实在一点他们是被音乐玩。要能掌控所有的音乐知识并非一蹴可及，音乐是学无止境，不论是任何型态的音乐知识，都要有能去吸收的勇气；调音色的道理也与之相同，要多去听取吸收各种不同的音色，不要为了弹奏某种型态的音乐，限制了自己的创意。
经过我们脑中思考之後，我们便会向弹奏的双手下达指令，指令经过手指、琴弦、指板、琴颈、琴身、拾音器上的EQ、导线、最後经过扩音设备的EQ将声音送出去，以在本篇文章中，我们先不探讨如何思考及弹奏的问题，因为这些是需要长期时间的培养，我们先将重点放在器材上面，到底要这些器材如何影响音色的表现！
●琴弦- 在这个资源充沛的年代，我们可以买到各种不同厂牌型号及规格的琴弦，对使用在同一把琴而言，虽然这些琴弦的规格都不同，影响音色的程度却是有限的，但同样款式的琴弦使用在不同的琴上，就会因为琴所使用的木头、拾音器等因素造成很大的差别，所以多尝试不同的琴弦，找到适合每把琴的琴弦，这个观念是很重要的。
此外，弹奏的类型也是考虑使用琴弦时的重要因素，如果你常常弹奏一些和弦，那麼较轻规格（或直径较小）的琴弦，对整体合声音色上的表现就会来得好许多，但使用这类的琴弦，琴弦的张力较小，琴弦震动的弧度大，在低把位弹奏力量过大的话，则会导致琴弦撞击指板产生异音，这时就必须调整琴颈的弧度来增加琴弦的张力。至於一般标准规格的琴弦震动（45-.105），较适合低把位的弹奏，因为琴弦规格愈大（直径愈粗），音色愈浑厚，琴弦张力愈大，所需要弹奏的力量也就愈大。而比较偏向根音式弹奏的乐手，在琴弦的选择上可以考虑使用规格大的琴弦，这样会有助於弹奏出浑厚的低音。此外，要弹奏出想要的音色，还是必须从手开始做起，要学习控制右手弹奏的力量，以得到你想要的音色。
●拾音器、电路及导线- 虽然俗语曾说：「工欲善其事，必先利其器。」但是，我想没有一个工具的发明是用来破坏你的工作吧！相反地，这些工具的发明都是方便我们做事情，不论我们花了许多的金钱来改善我们的器材，对一位观念及弹奏差的乐手来说，这些都是枉费的，弹奏出的音色还是很糟，所以当我们抱怨音箱、琴或者拾音器发出的声音很烂并且打算把它们换掉前，你必须先问你自己：我是否已经完全学会并且可以操控这些器材？我的弹奏技巧及音乐知识，是否使用这些器材就够了？我更换了这些器材後，对我的弹奏是否有极大的帮助？在一万多元的琴上装设一套近万元的主动式电路，大家都知道这对音色的增进并不会有很大的作用，事实上，任何主动式电路对任何琴都不会有音色增进的作用，而是弹奏这些器材的乐手使得音色变好了，琴只是一个使用的工具，然而操作工具的人才是关键。
在选择主动式或者被动式电路时，我们必须先了解它们的功用及如何运作的原理，而不论主动或被动电路中，拾音器又是扮演著相当重要的角色，拾音器可以将琴本身的音色及乐手的弹奏的讯号忠实地扩大，拾音器中的磁铁、线圈的材质及缠绕的圈数等因素，都影响著拾音器的声音，单线圈拾音器中频的表现好、双线圈低频的展现佳，由电池驱动的主动式电路增加了输出功率及额外的EQ调整，被动式电路除了没有额外的增加输出功能外，而它的EQ也通常只有高音的调整部分；这些系统各有利弊，必须视你弹奏的风格及不断的嚐试来决定使用哪一种最适合。
电贝斯使用磁铁或piezo拾音器将琴弦的震动转换为电学的能量，而导线将它传送到扩音设备中，而拾音器、导线及扩音设备之间的相互作用，影响了音色的表现；在被动式的电路中，所谓调整音色事实上只是利用旋钮调整电容（以pF为单位），来增加或减少音色中高音的部分，而你所使用的导线也有可容纳的电流量（可以查看导线的规格说明，pF数值愈高，代表可容纳的电流愈多，对音色的影响也愈大，一般来说，pF值500是正常的导线电容质），电容数值愈高，高音的传递性就愈差，对於根音型弹奏的乐手就愈不适合，而对那种音色需要较多高音的乐手来说比较适合； 虽然导线的电容量影响音色的程度还不算大，但是当它们配合上琴及扩音系统的阻抗之後，对音色的影响就会愈来愈大。此外，导线的规格大小也是影响音色的原因之一，愈粗的导线所使用的铜质电线就愈多，电阻因此增加而影响音色的输出。有些昂贵的导线（high end）使用银当作讯号的导体，更高级的导线如Monster 使用镀金来预防电线的氧化， 如果你使用的是一般的导线，当导线开始氧化时，就是必须汰换导线的时候了，因为氧化的导线会使的阻抗增加，减少导线可以容纳讯号的流量。
●阻抗- 当讯号送到扩音系统时，由於扩音设备的阻抗缘故，送到的讯号会有减少的情况产生，在被动式的琴中，会因为扩音系统较低的输入阻抗，导致音色听起来混浊没有生气；阻抗影响输出的功率及音色的呈现，阻抗值愈高，对音色控制的能力也就愈强（真空管的扩音系统的阻抗值就很高），当阻抗值在500kohm时，对音色的影响并不大，但当阻抗降到250kohms时，你会发现音色好像很浑浊，当阻抗为100kohms 或者更低时，高音就完全无法呈现。电贝斯的输出同样的也会产生阻抗值，被动式的电路阻抗值大约在10kohms，而主动式电路输出的阻抗值大约在1kohm左右，所以，对音色最好的情况下就是：扩音系统中输出的阻抗值最好比琴所输出的阻抗值高，愈高代表对音色的调整性愈好，而导线的阻抗值最好愈低，以免因为讯号可通过容量的减少，而影响音色的表现。目前虽然一般的导线的阻抗值都很低，但是对相当要求音色的乐手而言，他们还是会选择价格昂贵的High end导线， 以避免导线对音色所产生的影响。
当你把所有的这些都完成时，那么你将会有很多演出！
如何调出令自己满意的贝司现场音色
如何调出令自己满意的音色，尤其对一个要常跑场子的乐手来说，更是一项必要的常识，如果能 将自己最喜欢的音色打包起来，带到任何一种表演场地，那就省去了很多的麻烦-不过，这是不 可能的事情，所以我们可以从自己的配备和场地的音场来做调整，因地制宜。
首先跟各位提供一个观念，就是空间愈密闭，拥挤，你的bass音在这里面会听得更清楚，那是因 为低频的声音在一个铺有地毯，装有窗帘，堆满桌椅，以及最重要的因素---人群，的空间里， 会更容易发挥，如果没了这些东西，那么bass音听起来会很轰，完全没有颗粒，因此，人声顶沸 的pub在我认为是最好的表演场地。
● 乐器部份
1.bass： 只要是电bass都能提供足够的低频，你只要确定它是否能制造出饱满的中音及高频， 空间愈大的场地，就愈需要更多的中，高频。
2.弦： 尽量选用圆的(roundwound)，有螺旋突纹的钢弦，因为这种弦拨动出来的声音较亮，也 能提供较多的中高频。
3.前级： 无论是真空管(tube)或是晶体管(solid state)都很好，当然，一分钱一分货，有些前 级附有多段的均衡器(eq)，但并不是必须，一般来说，只要有3-4段的调结钮就行了。
4.扩大器： 用能输出愈大功率的愈好，最好能远起过你所需要的，因为你的扩大器所能推的功 率愈大，在处理它范围内的讯号也就愈省力，同样的也就愈有空间去承受更大的讯号，这样一 来，你的bass音听起会更有力量。
5.效果器： 它们会软化bass音的强度，尤其是在开放的场地时，就很容易使bass音听起来糊糊 的，不过现在bass的效果器越做越好，所以如果调的好且也适合要弹的歌，使用起来会有画龙点 睛的效果。
● 场地部分
1.室内： 如上面所提的，像是pub或是餐厅对bass来说是最好的场地，这时你可依自己的喜好调 节音色。
2.礼堂： 先将低频的旋钮关到最低，然后再适当的调节中，高音，不要一下子猛转，先一点一 点的加，弹一弹再听听看，直到找到你所须要的音色。
3.室外： 像是体育场这种没有围墙的地方，对bass的音色是一项极大的挑战，除了靠音控人员 的专业技术外，扬音器(speaker)的多寡也占了重要的因素，可能的话，最好有10吋4×10音箱两 组，你可以在前极上把低频的部分调高，但不要猛转，还有如果其它团员抱怨你用太多音箱，你 可以告诉他，低频的声音需要有3倍以上的输出功率才能跟吉他，键盘，或鼓等乐器达成平衡。
