一、黑白影像
1、黑白摄影的发展
1822年，尼埃普斯曝光十个小时拍摄了《桌上的物品》，这是摄影史上第一张照片。
1839年法国科学院宣布“达盖尔摄影术”诞生，此后，人们不断地进行着摄影技术和摄影美学理念的探索。早期因为在技术上还不能通过感光来还原色彩并将色彩固定在影像上。所以，早期的摄影只能在没有色彩的黑白灰中探索。
《逝去》亨利·佩奇·鲁宾逊，1858年。
1858年，英国摄影师亨利·佩奇·鲁宾逊用剪贴翻拍法制作了《逝去》，通过黑白灰的影调变化来表达情感。
《洋葱田》乔治·戴维森，1890年。
1890年，英国的乔治·戴维森以针孔成像的方法拍摄了印象主义摄影的作品《洋葱田》，成为通过影像的模糊化而形成的“朦胧审美”的代表作。
《阳光》斯蒂格利茨，1889年。
1889年，斯蒂格利茨拍摄了《阳光》，照片通过格栅射入室内的光线产生的光影效果，使得画面充满韵律和魅力，展现了黑白摄影的光影美。
《门廊的影子》保罗·斯特兰德，1916年。
1916年，斯特兰德的《门廊的影子》，将具象的门廊通过投影，以黑白灰的影调提炼出抽象化的摄影作品，开启了新的摄影审美形式——抽象主义。
随后，安塞尔·亚当斯的“区域曝光”理论、亨利·卡帝埃-布列松的“决定性瞬间”理论、罗伯特·弗兰克与威廉·克莱因的“非决定性瞬间”理论的相继问世，将黑白摄影逐步推向了摄影艺术的高峰。
安塞尔·亚当斯作品
即使到了今天，摄影中彩色摄影已经占据主流，但在报道摄影、人文纪实摄影、艺术摄影领域，黑白摄影仍被广大摄影师所钟爱。
可以说，二百年的摄影史基本就是黑白摄影史。
2、黑白摄影的魅力
其实，早在1861年就出现了第一幅彩色影像，1904年彩色摄影具备了商业化的可能。1935年，柯达公司推出商用的彩色胶片。但摄影家们并没有对这个摄影技术的新发展表现出任何兴趣，依然坚持黑白摄影。究其原因有下列三个方面：
历史原因。摄影诞生之时便是黑白灰的影像，长期的黑白摄影探索，黑白摄影的表现手法与黑白审美观早已成熟，只有黑白影像才能体现摄影魅力的传统摄影理念在摄影家们的心里早已根深蒂固。
艺术因素。一方面摄影通过长期的辩论最终为自己争得了艺术的身份，重要的一点就是摄影的黑白灰是唯一区别于绘画的重要特质，所以，许多摄影师认为“彩色是画家的事”。另一方面从艺术表现形式看，黑白摄影将繁杂的色彩过滤掉，从客观世界中剥离出最重要的骨骼，把现实抽象化、符号化，使画面更加精炼，更具艺术性。而彩色摄影中色彩的复杂性则难于驾驭。
审美观念。摄影的传统观念认为，彩色审美更易被普通大众所接受，大众的就等于是“俗”，黑白灰的影像是小众的，小众的才是“雅”，所以主流摄影及许多摄影大师对彩色摄影一直持排斥态度。彩色摄影只能在商业摄影、时尚摄影等领域和业余摄影群体中流行，即使到了彩色摄影已经普及，并被艺术认可的今天，许多摄影师为了“艺术的高雅”，依然表现出对黑白摄影的偏爱与执着。
二、彩色摄影
摄影术诞生之初，逼真的照片让人们在惊喜之余不免有些失望：现实生活中光鲜靓丽的颜色到底去哪了？为什么摄影术拍不到颜色？
1、彩色摄影的初期技术探索
1855年，英国的麦克斯韦发现，通过混合红、绿、蓝光，可以制成任何颜色（现在将其称为三色原理）。麦克斯韦以红、绿、蓝三块滤色镜片分别“滤光”，获得三张黑白负片，再将这三张黑白负片分别制作成三张黑白正片，放入三台幻灯机进行重合投影，在幻灯头前分别对应安装了与拍摄时一样的红、绿、蓝滤色镜，这时彩色的影像就出现了。这种获得彩色影像的方法叫“加色法”，即依靠红、绿、蓝三原色的叠加来获得彩色影像。1861年，麦克斯韦在一次讲座上现场演示了用“加色法”获得的彩色影像。
2、彩色摄影进入实用期
法国卢米埃尔兄弟在1895年发明了电影，他们还是探索彩色摄影的先驱，在发明了电影之后，他们开始积极研究彩色摄影，1903年，他们研制的彩色干版——“奥托克罗姆”申请了法国专利，1907年，对“奥托克罗姆”彩色摄影工艺进行了改造，推出奥托克罗姆胶片。虽然“奥托克罗姆”印出的彩色照片颗粒很粗糙，画面整体上带有“印象派”的效果，但却标志着摄影由此告别了“色盲”时代。
《有蔬菜的静物》卢米埃尔兄弟，1907年。
20世纪初，现代摄影之父阿尔弗雷德·斯蒂格利茨拍摄的彩色照片。
1935年，美国柯达公司推出“柯达克罗姆”胶片。这是全球第一款成功投入商用的彩色胶片，也是柯达公司最成功的产品之一。柯达公司首先推出的是16毫米电影胶片，1936年推出了135相机使用的35毫米胶卷，1938年推出了各种大画幅规格彩色胶片。
1938年的柯达克罗姆胶片包装盒
“柯达克罗姆”刚刚推出时，感光度只有ISO 8，后来逐渐提高，慢慢发展成一个“家族”：灯光型的ISO 40，日光型的ISO 25和ISO 64，1986年推出了ISO 200的日光型“柯达克罗姆”，深受部分对成像要求高的体育摄影师的欢迎。
但是，“柯达克罗姆”的冲洗工艺非常复杂，必须到专业的冲洗店冲洗。
2009年6月23日，柯达停止了“柯达克罗姆”的生产。
3、主流摄影对彩色摄影的排斥
“柯达克罗姆”胶片诞生后，彩色摄影最早在广告摄影领域兴盛起来，随后，在时尚摄影与商业摄影领域也迅速流行。
应柯达公司的邀请，罗伯特·卡帕、亨利·卡帝埃-布列松、安塞尔·亚当斯、沃克·埃文斯、爱德华·韦斯顿等摄影大师曾测试这种“柯达克罗姆”胶片。但由于彩色冲印技术的滞后与狭隘的创作观念，他们颇为一致的几乎从未公开过这些作品，直到多年以后才被他人整理、发表。
合金，美国西弗吉尼亚州，1939，安塞尔·亚当斯。
1951年，安塞尔·亚当斯为柯达公司拍摄的宽幅广告彩色照片被放大到5.5米高、18米宽，在人流如潮的车站大厅格外耀眼。但他认为这个大幅照片“在审美上是不合理的，但在技术上是卓越的”。沃克·埃文斯曾以非常激烈的语气表示过对彩色摄影的不屑。他说：“彩色很容易使摄影堕落，特别是强烈的色彩更是使照片变得一败涂地。如果说得直率一点的话，那就是——彩色摄影即低级。”更为重要的是，沃克·埃文斯对彩色摄影的鄙夷代表了当时一大批摄影家对彩色摄影的看法。
安塞尔·亚当斯为柯达公司拍摄的宽幅广告彩色照片，1951
此时的摄影界，由于题材通常涉及政治、历史、人性等严肃话题，从事社会记录的摄影家往往选用黑白摄影这种看似更为客观、冷静的表现方式。
在彩色摄影具备实用价值后，摄影家仍坚持“摄影只有黑白的才是艺术的”理念。这就产生了一个有趣的奇怪的现象：我们所看到的这个世界是彩色的，基于摄影的“记录性”本质，彩色摄影理所当然是记录客观世界时更自然的选择，但主流摄影界却由于历史、观念等原因，一味排斥彩色摄影。这就使得摄影传统的审美理念反对的正是摄影“记录性”的本体特性，即摄影的传统审美理念与摄影的本体特性出现了尖锐的矛盾对立关系。
4、彩色摄影走上艺术之路
虽然主流摄影及许多摄影大师在观念上排斥彩色摄影，但仍有一些摄影师在不断地进行彩色摄影的探索。二十世纪四五十年代，彩色摄影在报道摄影和艺术摄影中应用逐渐增多，一些摄影师开始慢慢接受彩色摄影。在这些彩色摄影的探索者中，最特出的是厄恩斯特·哈斯。
哈斯1921年出生于奥地利，1949年应罗伯特·卡帕之邀加入马格南图片社。被誉为20世纪最有名、也最有影响力的摄影师之一，亦是彩色摄影的先驱。在几乎只拍摄黑白照片的那个年代，他改变了人们对彩色摄影的保守观念，同时以大量实验性手法拍制出各种有趣的彩色照片，对后来的彩色摄影的发展影响深远。
1951年，哈斯首次尝试将彩色摄影应用于报道摄影。1952年，他采访的一组反映印地安人生活的专题，在《生活》杂志一炮走红，并赢得美国杂志摄影家协会颁发的荣誉奖。1953年，《生活》杂志连续两期，用24个片面，刊出了哈斯拍摄的关于纽约的彩色专题《一个神奇城市的面貌》，这是《生活》杂志第一次大规模刊登彩色摄影专题，产生了巨大的影响，也使哈斯名满天下。1959年哈斯被推选为马格南图片社社长。
《一个神奇城市的面貌》之一，厄恩斯特·哈斯，1953。
《旋转玻璃门上的映像》，厄恩斯特·哈斯，1953
哈斯还对卡蒂埃-布列松的“决定性瞬间”美学理论作了进一步丰富。他提出了在决定性瞬间中融入色彩、时间和造型因素。他的这个观点，对摄影中色彩的运用提供了开创性的理论支持。在拍摄《野马》等作品时，由于当时的“柯达克罗姆”感光度只有ISO 12,哈斯使用慢门拍摄。拍摄《西班牙斗牛》时，运用慢门并将镜头追随运动物体，造成手动的虚影和混合的色彩，获得了意想不到的艺术效果。这些都是哈斯“由运动构筑起来的流动色彩”理论的最好证明，同时，也是哈斯挑战传统摄影彩色理念的重要体现，是对摄影色彩的另一种诠释。创新与思想，是哈斯给我们留下的、比摄影作品本身更加有意义的东西。
《野马》厄恩斯特·哈斯
《西班牙斗牛》厄恩斯特·哈斯
1962年，纽约现代艺术博物馆为哈斯举办了他的第一次彩色摄影作品展，受到极高的评价。哈斯的彩色摄影也由此打开了黑白摄影之外的精彩世界，色彩可以成为摄影的手段和主题。
1971年，哈斯出版第一本摄影集《创世纪》，这本摄影集被称为“最成功的彩色摄影画册”，先后被翻译成多种文字，发行量达到惊人的35万册，创美国画册销售最高水平，成为一代经典。
选自《创世纪》之一，厄恩斯特·哈斯
选自《创世纪》之二，厄恩斯特·哈斯
选自《创世纪》之三，厄恩斯特·哈斯
在这本书中，哈斯通过对色彩炉火纯青的运用，将具象的事物与色彩巧妙地幻化为微妙的、抽象的形象和情绪，为彩色摄影注入了诗一样的艺术基因。
三、新彩色摄影
从1970年代中期开始，美国摄影界出现了一种重新认识、评价色彩在摄影表现中的能力与作用的新潮流。这个新潮流因一本由萨丽·奥克莱尔编辑的《新彩色》的画册的名字而被称为“新彩色摄影”。
“新彩色摄影”的特点，是摄影家们终于认识到，表现“有色彩的世界”才是更客观的。这股“新彩色摄影”潮流的代表性人物是威廉·埃格斯顿、乔尔·梅耶罗维茨、 斯蒂芬·肖尔、乔尔·斯特恩菲尔德、约翰·法尔等人。尤以威廉·埃格斯顿为“新彩色摄影”的领军人物。
1976年5月，“威廉·埃格斯顿的照片”摄影展在纽约现代艺术博物馆开幕，这次展览被认为是“新彩色摄影”的发端，收录了展览中48幅作品的112页的展览目录《威廉·埃格斯顿的指引》，也成为一代经典。但在展出时却引起很大的争议。当时的许多艺术评论家对这次展览和评价是“完美得平庸，完美得无聊”、“古怪而摇摇欲坠”、“一团糟”。大名鼎鼎的安塞尔·亚当评价埃格斯顿的《红色天花板》时说：“拍不好，就把画面弄成红色的”。为此，作为策展人，有美国“当代摄影教父”之称的约翰·萨考斯基公开发声，称埃格斯顿的作品是完美的，并把埃格斯顿称为“彩色摄影之父”，使本来籍籍无名的埃格斯顿一夜之间成为美国摄影界注目的焦点。这次展览标志着彩色摄影真正进入了艺术的殿堂。此后，彩色摄影逐渐成为当代摄影的主流。
“新彩色摄影”先驱威廉·埃格斯顿
埃格斯顿并不是第一个拍摄彩色照片的摄影师，也不是第一个在纽约现代艺术博物馆举办彩色摄影作品展的摄影师。那么，埃格斯顿的“新彩色摄影”究竟“新”在何处？
1、以前的是“彩色的摄影”，埃格斯顿的“新彩色摄影”才是“彩色摄影”。埃格斯顿之前的摄影家对于色彩的认识仅停留在将色彩视为一种造型手段，用色彩表现的是自我而不是现实世界。埃格斯顿的作品并不是对色彩本身有兴趣，而是对“有色彩的世界”有兴趣。这就是“新彩色摄影”与它之前的彩色摄影的区别。
《无题》1970年，威廉·埃格斯顿
《无题》，选自“阿拉莫斯”系列，埃格斯顿，1970年。
2、建立了新的摄影艺术观，深刻影响了此后的摄影发展方向。首先是彩色摄影技术的发展，1966年，彩色胶卷的感光度ISO首次达到80，1974年ISO达到了100，胶卷感光度的提高意味着彩色摄影能够有更优秀的画质表现，并使得街头抓拍“有色彩的世界”成为了可能。再次，通过与罗伯特·弗兰克、盖瑞·维诺格兰德、李·弗莱德兰德、黛安·阿勃斯等摄影大师的交往，埃格斯顿接受了他们“拍摄题材的日常化、观看视角的个人化。”的理念，同时又揉合了他自己的“彩色世界”的理念，即以“抓拍 彩色”的方式，解放了摄影的思想，扩张了摄影的疆界，形成了一种前所未有的新型的艺术感。
威廉·埃格斯顿作品
《孟菲斯》 1965年 这张作品被埃格斯顿视为自己首张成功的彩色照片
3、色彩可以成为画面的主体。色彩在科学上是“客观”的，但在人的感觉上以及在艺术表现上，色彩还有“主观”的一面。对同一色彩每个人的主观感受会有所不同，甚至是同一个人在不同时间、不同场合，对同一色彩的感觉也是不一样的。正因为色彩的这种主观感觉，色彩就可以用来影响观者的主观感受。这在商业摄影中尤其明显，例如，夏季饮料的广告照片多以蓝色为基调，就是因为蓝调的画面会给人清凉的感觉。
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同时，不同的色彩还在不同文化背景下具有不同的特殊的涵义。例如，红色在中国传统上代表着喜庆、在政治上象征着党和国家以及革命、在潮流中红还代表着“流行”的意思。而在欧美红色则常代表暴力、血腥、危险等。埃格斯顿开创了恰当地建立在“色彩的主观性”之上的彩色摄影。例如《红色天花板》是埃格斯顿最具代表性的彩色摄影作品，大面积红色如同鲜红的血溅湿了墙壁及天花板，成为画面的主体，右下角墙上的含有色情元素的贴画是陪体，整个画面表达了作者对当时美国社会的主观性看法。
《红色天花板》威廉·埃格斯顿，1973年。
1974年，埃格斯顿获得了古根海姆奖金。八十年代，他遍游世界各地，足迹遍及美、欧、非、亚各洲。1989年，他的彩色摄影作品集《大众的森林》出版，被誉为彩色摄影的第一大作。1992年，他又出版了彩色摄影作品集《古代与现代》。从1999年到2000年，著名的约翰-保罗-格蒂博物馆为他举办了“威廉·埃格斯顿与彩色传统”的摄影展。
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