我们如果想要把一部作品搬上舞台，除了要学会该学的音符，解决技术上出现的问题，为了让观众能够陶醉在我们的音乐当中，我们还必须对音乐进行诠释和处理。
诗社的周老板曾经说过：
音乐处理不能仅凭感觉，因为那只是廉价的乐感而已。
这话什么意思？
让我来举个小例子
有一次著名钢琴家和指挥家巴伦博伊姆给法国钢琴家David Kadouch上大师课，Kadouch弹了几句，巴伦博伊姆把他拦住了，然后问他：“你为什么这里要弹的更响一些？”，年轻钢琴家说：“因为我喜欢这样。
在场观众笑了，巴伦博伊姆也笑了，他说：“你要是说是因为这里的和弦的原因，我可能会同意你。但你说你喜欢，这个理由就完全不够好。”
有的时候作曲家比较吝啬，比如巴赫，在谱子上除了几个速度指示以外，几乎没有什么其他处理方面的标记。
但这难道说明我们可以从头到尾一个用一个效果唱完吗？当然不是的… 这时候你必须要通过分析乐曲的和声效果和歌词词义来决定应该如何处理作品。
音乐处理其实是一件非常需要用脑子的事情，我们如果想要把音乐诠释好，就必须要有能力把自己的处理解释清楚。
有的乐句的强弱或速度变化，我们可以用歌词来解释，比如当歌词里在讲述一件很紧张的事情时，我们也许可以用较快的速度和较大的音量来表现，而对于更加轻松的歌词，我们可以用舒缓的速度和中等的音量。
当然，这是在作曲家没有在谱子上标记音乐处理指示的前提下，如果作曲家已经标记了，那我们就要去按照标记来做了。
有时候光靠歌词来解释我们的处理是不够的，因为我们还必须要了解我们演唱的作品是什么时代的作品，因为时代决定了风格和处理方式。
同样是唱弱音，莫扎特歌剧中的弱音和威尔第歌剧中的弱音是非常不一样的（如果威尔第需要弱音…玩笑玩笑！），这不仅仅是因为他们的作品的演出场地不一样，剧院的规模和音响效果不同，更重要的是他们的乐队编制也非常不一样。莫扎特时代的乐团可能不需要歌手用那么大的力气去唱，但如果用同样的音量去唱威尔第的作品可能就有点不够了…
所以一个歌手如果想要对作品诠释有足够的信心，最好是可以读一读乐队总谱，搞清楚自己唱的音乐到底是由怎样的乐队编制和乐器来伴奏的，当然，这就需要用些智慧了，否则可能连谱子都读不懂，也就不用谈处理了。
这里我稍微多说一句；
有很多对音乐一知半解的声乐学生，总喜欢说老师要求他们要自然的歌唱，这个想法是没错的，但自然的歌唱不代表没有音量，这样的学生一般，都没什么和乐团合作的经验，所以他们不知道乐团的音量和音响效果，和钢琴是非常不一样的。
有的时候作曲家可能喜欢边弹琴边作曲，比如像舒伯特和理查施特劳斯，所以很多时候他们对音乐处理上的要求可能在声乐谱上看不到，却都被细细标记在了钢琴伴奏部分
所以一个对钢琴一无所知的歌手，可能这时候就要辛苦了，因为如果你完全不知道钢琴在音乐处理上的各种音响效果是什么样的话，你又该如何决定自己的处理方式呢？
如果你是一个声乐的初学者，不用太多去考虑音乐处理，先把自己的声音基础打好；
如果你是个大学快毕业的学生，，这个时候应该已经听过上百张专辑录音了，基本的乐感应该已经培养出来了，应该已经可以用“我喜欢”来解释自己在音乐处理上的选择；
当你硕士毕业的时候，，你应该对和声、曲式、总谱、钢琴等都有一定程度的了解，可以用非常理性的角度去解释你对音乐处理上的抉择了。
总而言之，音乐处理是思考和感觉的结合，缺一不可。只有感觉的人去不了高级的舞台，只有思考的人适合做学者，只有当两者兼顾，才有可能成为艺术家。
今天就这样吧。
