中国画历经几千年的不断发展与衍变，由初级的“画图识字”逐渐发展到一种契合于“心”的审美形式，是历代画家和文人们不断修正、不断发展、不断否定、不断承传与不断提高的结果。经过近千年的积蓄和演变，中国画形成了迥异于其他画种而又相融于其他画种的艺术形式。而形式取决定于观念，所以，这种“观念”才是中国画乃至所有中国艺术的“传统”。
学习离不开借鉴，发展离不开传统。中国画在当下“技术革命”的大潮下，愈来愈依靠科技，大量使用照相、投影、喷绘、复制等手段，使画面越来越细，越来越工艺化，越来越游离了中国画本真的面貌。
像与不像，似与不似，不是中国画本真的东西，本真的东西是“体道”，是通过物象看“心象”，是缘于物而发乎于情的精神独白。
在这种“体道”观念的实践中，中国的画家、文人们逐渐创造了中国画独有的笔墨精神，独有的空间意识，独有的生命理念，以及独有的经营之道。这些，即是中国画的传统，他们是既物质又精神的。所谓气韵生动、骨法用笔、经营位置、计白当黑，以及“齐而不齐”、“似与不似”等等，是技法形式又是主观审美。我们学习中国画首先应该在大的方面抓住其本质的艺术规律的东西，方有可能去深入地理解、借鉴、消化、使用。
中国画三大艺术规律：笔墨， 章法， 意蕴。
中国画四大艺术结构：1、笔墨结构；2、物象结构；3、画面结构； 4、意象结构。
下面，我把和方增先教授的一篇短文抄录如下，大家可以从以下十个方面首先去认知、鉴赏中国画。在临摹的过程中也应以此十个方面去逐个比对、分析、研究，在悉心认知的前提下方可动手临摹，以期事半功倍。略（2010.2.27发表于美术报33版“评论”栏目）
本课稿集中了五位画家的作品为范本，以范宽、沈周、王蒙、李唐、王翚为前后顺序，便于大家渐次临摹。有条件的画家同学们可以先临局部，在熟悉掌握范本的笔墨语言以后，可以通幅临摹，而且不应小于原作。“高研班”的同学课时少，可以将范宽、沈周、王蒙、李唐的局部作深入的研究，以用笔用墨为突破口。尔后可以用大部分时间来临习研究王翚的《溪山红树图》，这是一件集大成的优秀范本。生动、自然、含蓄、隽永，毫无“四王”其他作品的“暮气”。正如王翚所云：“以元人笔墨，远宋人丘壑，而泽以唐人气韵，乃是大成”。今日复观此作，以当下的审美去审视，亦还是一件无愧于古今的精典之作。
此图研习把握之后，便入得门径，其他各家任由取法，直入堂奥。石涛是中国山水画史上具有划时代意义的领袖人物，其贡献不在于画，而在于精神，其“一画”之说，“借笔墨图写天地万物而陶泳乎我也”，“名山许游未许画，画必似之山必怪”的理念正是中国画核心的本真。黄宾虹是近现代中国画的“革命者”，是真正的写意派领袖，其“五笔”、“七墨”之法对当代中国画影响深远，大家应该悉心地理解与研究“五笔”与“七墨”以及“齐而不齐”深层次的美学意蕴，而不是表象的“墨、厚、密”；黄秋园在山水画的结构塑造上别出心裁，经营得十分周到，可以借鉴；陆俨少被称为最后的文人画家，其独到的笔墨程式，创造了一种“秩序”，其独到的构图创造了一种“节奏”。“秩序”与“节奏”是画面的生命，大悟大得，小悟小得，不悟不得；贾又福、王镛先生是有思想的艺术大家，其山水语境翘首当代，贾先生以太行为母体，以构成为形式，融万丈豪情于咫尺间，尽精微、至广大，开一代大山水之宗；王先生以情入书、以书入画，借古开今，假笔墨之道，融以己之才情学养，在书、画、印三方面齐头并进，炉火纯青，成一代巨匠。借鉴与学习他们二位师长，异曲同工，不在于形式，而真真切切地在于学习他们的智慧，得“道”为真，得“象”为末。
如此理出一条自古至今的笔墨之道，可谓正矣，可谓大矣。
从细处寻，悉心揣摹与研究每一笔点线的轻、重、徐、疾，提、按、顿、挫，以及点线之间中锋、侧锋、绞转的变化；悉心揣摹与研究每一个局部的浓、淡、干、湿，皴、擦、点、染，以及它们相互之间的关系。
从大处做，整体把握画面的起、承、转、合，以及物象之间呼应顾盼的关系，发现“秩序”，寻找“节奏”。
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