要搞清楚这个问题，我觉得应该先知道摄影是如何成为了艺术作品的，然后再看商业拍摄和艺术创作的区别。—— 文章很长！一层层剥开其中的秘密，做好心理准备哈～
现在我们都知道摄影是艺术，但是在摄影之初大约20世纪30年代前摄影不是不被承认为艺术创作的的，仅仅只是照片而已。因为在当时认为的艺术是：绘画、雕塑....艺术是需要通过人为的选择和提炼元素后得到的画面、雕塑...只有这种作品才被认为是艺术品！
摄影术从诞生起，是不被承认为艺术的。19世纪末20世纪初的一段时间，摄影被称为画意摄影（pictorialism）时期。这也是当时摄影术发展、流行开来后，有些摄影师为了体现专业，与大众照片区分开来，开始模仿绘画作品的效果拍摄，产生。当然这也是对摄影初期的探索。画意摄影普遍特征：有着漂亮的光影，背景虚化朦胧漂亮...（这可能是现在糖水人像写真的鼻祖，大光圈，虚化朦胧美，处理的和国画一样......）
摄影到了20世纪30年代后“现代主义”的出现，一批摄影家觉悟到摄影拥有自己独特的语言——就是对细节极致的呈现，一直被绘画艺术界认为“没法选择的缺陷”却是摄影最强大而独有的艺术语言特征！摄影可以把客观物体拍的极致的清晰，细节丰富，这可是绘画干不了的事！
这一认识是具有划时代的意义，是思想的转变，是人类的一种觉醒，一直影响到现在的摄影。
（释：比如一幅风景，绘画可以按自己的需要的提炼要素创作画面，而摄影必须客观的照下来，没发选择剔除掉某些元素，除非去把树砍了，把哪个房子推了...）
韦斯顿《青椒》
弗兰克-《美国人》：
安塞尔.亚当斯，
罗伯特.亚当斯......等等，
1920-1950年基本在遵循现代主义的规则，其实现在也仍旧受现代主义摄影的影响！
由此可见，一些照片被定义为艺术作品，必定是这里包含了思想的深度，思想的觉悟，而不是简单的好看，更有可能是“不好看”。比如：罗伯.亚当斯之前风景是那些漂亮的大山大水的自然景观，而罗伯特亚当斯却将镜头直接对准了当下的公路，电线杆，一个路边的破房子，一颗路边的野草。。。从此改变了“风景”的概念，让世人觉醒，原来摄影是可以拍任何东西的，眼下的这些人造之物不正是我们的风景吗，怎能视而不见呢，由此诞生了“新地形摄影”。
再比如《美国人》
画面是：妹子在挂着圣诞老人标示的超市，如同老头说快乐消费吧，而妹子却如僵尸般的面孔没有了灵魂。弗兰克在当时敏锐的察觉到消费时代的问题，在一味追寻消费大潮下的美国人是没法自我救赎的，人性完全被剥离，越接近这些消费，标示着人格越来越受损，带着这样的观点拍下了美国人系列，这是对美国消费时代的批判。
聊到这应该能看出点艺术摄影的眉目了吧，艺术摄影并不是去简单的营造通常认为的漂亮风景、荷花池、漂亮的妹子......——“漂亮不等于美，美也不等与漂亮”。
关于当代艺术摄影更是复杂，后面慢慢谈。
在这再引用一下当年课堂上老师描述的一句话来阐释艺术摄影：“艺术摄影即对身边的世界投以深切且原创的凝视，从而引领我们去思考自己是如何观看与体验周遭事物”。
商业摄影：
首要的是漂亮，要有用，通俗易懂，快速传达商品品牌信息，商业摄影是不同的摄影领域属于实用美术范畴，这也也很复杂的，技术难度很高，很多是超出艺术摄影的技术难度，好的商业摄影画面当然是具有很高好的审美，是要符合美学需要要强大的艺术修养的。所以从表面上看，这样就很容易让大众疑惑，这么“漂亮”的摄影怎么就不是艺术作品呢？殊不知它内在始终的目的是刺激消费层面，是极具诱惑性的、极其漂亮的可视化产品说明书类型，是不是这么一说感觉商业有点low了，其实不然，相对而言也是要思想的，要想当的智力去创意策划的，但创意不等于艺术，艺术也不是搞创意，不同的领域还是各行其道好。
（当然这不是绝对，商业做到顶端，比如的Helmut Newton时尚摄影，《他们来了》做到顶端时不也走到艺术摄影了嘛！所以我们讨论的是普遍意义上的！）
《他们来了》Helmut Newton
《她们来了》中的女性形象与传统的理性化了的女性形象大相径庭。他们一改往日的甜美柔顺，以一种咄咄逼人的气势，挑衅、进攻、扩张的姿态走向世界, 这是对当时Newton对女权主义的一个表达。
码字真的很累，再来几张自己的作品缓解一下疲劳。^_^
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