中国画中水笔墨的运用

　　 

        摘要：水、笔、墨作为中国文化元素是中国画的根本属性，是中国传统绘画的核心要素，其中笔墨在中国画中依靠自身美的法则肩负了状物、传情的职能，其水、笔、墨的应用各具其能，妙趣横生。 
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　　关键词：中国画；水；笔；墨；传承 
　　中国画是中国历史文化遗产中传承与延续下来的传统绘画形式，中国画的发展在唐代时达到了鼎盛时期，已经从青铜器时代的工艺品饰样纹理中成熟地独立出来了。中国画的画家们在研究绘制国画的时候是十分考究与专注的，因此每一幅优秀的中国画作品中都深刻表达了画家们的思想情操与艺术修养。中国画的另一个名称叫做“水墨画”，故又有“墨粉五彩”之说。除了水墨之外，笔在画家们的手中也起着十分重要的作用。因此，“水”“笔”“墨”这三个要素是中国画中研究的重要元素。 
　　一、国画中“水”的妙用 
　　中国画讲究意境、神韵、气势，然而意境、神韵、气势都是依靠笔墨来勾画而体现出来的。最能突出其特点就是写意画，其写意画即水墨画。然而水墨画要表现出神韵，看得见意境，这样的表现关键在于用“水”是否得其妙用。明清画家石涛论其笔墨画时曾说：“古之人有有笔有墨者，亦有有笔无墨者。”“墨之溅笔也以灵，笔之运墨也以神。墨非蒙养不灵，笔非生活不神。”又说“画于山则灵之，花与水则动之，画于林则生之，画于人则逸之。”石涛在这里讲到画与生活之关系，谈论到笔与墨之间的关系，并且得知墨则以水为根本。 
　　古人首创国画的初衷视于“水”，为色。“墨分五彩”，水为载体，用墨即用水，水多则色淡，水少则色浓。大千世界中“天有云霞灿然成锦，地生草树斐然有章”，“人有眉目唇齿，明皓红黑错陈于面”，在这五彩缤纷的世界里竟被古人用‘“五色”、“黑白”、“明度”归纳总结了，这实在是一大创造发明。它把大自然的缤纷色彩简化成为某种符号，即“干、湿、浓、淡、焦”墨，以替代众色。这跟西洋人的客观再现自然的色彩观是大大不同的。 
　　中国画笔墨如此之重要，如何能掌握笔墨，又能让“水”之妙法通过避短而得心应手呢？对于初学者来说用水往往是很难掌握的，即使笔中含水不多，由于方法不当，也易笔落纸后，化开流溢，成为一团墨水。要使水在纸上充分体现效果，笔含水之多少，与用笔速度之快慢有着最密切的关系。画笔含水很多，但用笔神速也是不会渗开来，反之，笔上蘸水不多，但速度很慢，同样也是不会渗开的。 
　　大胆用水，关键在于掌握火候，此非一时之功，需要多下功夫，经常摸索，不断地练习积累实践经验。 
　　黄宾虹的秃笔写山水也各有其奥妙，尤其是他把“水”作为中国画的一种重要元素，以“水”开拓了“浙派”之先河，以浑厚、华滋、铺天盖地的墨点取悦于观赏者。从后一代吴山明的人物画线条上可见到墨与水的自然交融，一条线竟成了或强或弱、或阴或阳、或浓或淡的瞬间变化，恰到好处地表现出物的量与空间。近现代的任伯年、吴昌硕、齐白石、潘天寿诸位大师重传统，但不盲从古人，而是在传统的基础上，力图寻找画中的“自我”，不拘一格地创立了各自的门派和风格，展示了中国画传统与创新的高峰。 
　　二、国画创作中的“用墨” 
　　自宋元以后，中国人的审美观念发生了根本性的变化，文人画更加崇尚“墨色”从五色到水墨，从重线到重墨。在近现代国画的创作中，用墨的重要性体现得更为明显。黄宾虹先生提出了：“浓墨、淡墨、破墨、泼墨、积墨、焦墨、宿墨”七种墨法。浓墨于淡墨是国画创作的表现形式，浓墨具有重量感，淡墨则反之。破墨分为浓破淡和淡破浓，是国画中画面求变化的表现形式。泼墨是国画写意中的表现形式，张大千先生常用此墨法创作山水画。积墨是一种由浅到深或由淡到浓，反复交错，层层皴、点火渍染的方法，其特点画面具有厚重感，黄宾虹先生常用此法。焦墨是墨水用水而画的形式，张仃先生常用此法，其特点是画面视觉冲击力强。宿墨是墨放置的时间长，特点是水少墨浓，光泽度小。在中国画的创作中，笔墨的运用是作品成功与否的关键，笔墨的时代性不可忽视，笔墨的运用是作品成功与否的关键，笔墨的时代性不可忽视，笔墨应随时代的发展而发展。 
　　谈到水墨表现，山水画大师石涛可谓古典与现代交替之大家，用笔、用墨、用水在其笔下处处生花，墨潜水中，线游墨里，其形其神在点、线、面中尽现，可谓前无古人，更让后生刮目。而黄宾虹先生笔下的山水则是继承古人又超越古人。其画山水，笔到之处无不水墨淋漓，酣畅悦目，满纸充溢“水墨”之趣，一幅画画完洗笔水也用完，且大部份作画用的毛笔均为索要朋友所用秃的旧笔完成。齐白石则与其相反，作画多幅后，其洗笔池中水却清沏见底，达到“惜墨如金”的地步。现代山水大师李可染在“水和墨”之间找到了新路，其墨用至极限.在他笔下，墨成为画面特殊的“自然”，自然与心的沟通异常默契，其表现又与齐白石有异。齐白石是“惜墨如金”，李可染则是“惜白如金”，双双将心中之自然表现得淋漓尽致。由此看来，我们徜若要在“水墨画”中游弋，必须潜心于新技法的探索。 
　　三、国画创作中的“用笔” 
　　在画创作中，物体需要线的构成，线是生发万物形的主要元素，因而用好笔可以促进作品的成功。如东晋顾恺之的《洛神赋画卷》，这幅画没有传统皴法，没有繁复的线条，有的只是随意、轻松、简练的线条构图，整个画面透出一股清新、空灵的感觉。笔在结构线条上落脚之后，随之又改变了线条的自然性质，使线条不再是没有生命的指代符号，而是一种有筋有骨、有血有肉、有笔完成的丰满的符号。线条是形的骨、，笔是线条的骨。 
　　首先我们来研究一下用笔的种类：在国画创作画中，用笔的方法丰富多彩，主要有勾、勒、描、皴、擦、颤、揉等，以及被引入其中的提、按、顿、挫、转等书法用笔。其次我们来研究一下用笔的要求：清人石涛对于用笔归纳有五个方面，其一笔尖在用笔中的作用；其二强调笔的旋转作用；其三强调笔力的作用；其四强调用心的作用；其五强调运笔的活用性。总而言之，在运笔上要有一定的规范性，不可随意地乱涂，人要心静，要强调运笔与万物的联系。 
　　现代意识在人与人、画与画交流中达到一种歇契，一种相互间融合，故而称之为现代国画的作品频频亮相。当我们用历史的眼光去审视绘画的时候，中外绘画的初衷也是大相径庭的。发展到今天，绘画才分得如此多类和有中西之别。世界绘画本出自于世界之人，也必定去作用子世界。所以，今天谈到莹希文先生及先辈画家们的“民族绘画世界化”问题，更具现实意义。 
　　四、国画中的“传承” 
　　国画的研究，需要用毕生精力，需要有发展的眼光，不可死守成规。一个有成就的画家，也必须是具备全面的美术技法和谙熟美术史论的画家。传统绘画不管是题材还是技法，都需在拓展中寻找其适应社会发展的位置，我们在接受西方绘画的同时，一定要往重传统绘画的发展。研究水墨是众多从事本画种的画家们所看重的大问题。画家表现一个题材，采用水墨技巧是一个难点。表现自然或四季花草人物，过去和现在几乎题材依旧，但现在技法上和工具上的发展变化，古人却是难以想象的，所表达的意识范围也宏大得多了。艺术性的包含量也远胜于古人。从国画发展史可以看出，古代技法变化几百年都不是很大，但在现代，不管是画的题材范围，还是艺术技巧，绘画发展都是迅猛的，研究的范围也是空前的。无论国画和西画，总是随着社会的发展而发展的，永远不会停滞，不会满足。（作者单位：吉林师范大学）