山水扇面
山水扇面
《点石移泉兴不同》
自5月9日至20日，“铁铸山川——刘三齐山水画展”将在中国美术馆举行。
作为一名出生于1971年的中青年画家，在广州艺博院举办个展不到两年后，刘三齐就得以移师中国美术馆办展，可见其在艺术上所取得的高度以及所获得的普遍认可度。
同时，作为一名生在潮州，求学工作于广州的南方画家，刘三齐看起来斯文而内敛，而他笔下的山川却如铮铮铁骨，厚重雄强，这也不能不让人感到惊讶。
因此，在展览开幕前夕，记者与刘三齐进行了深入对谈，以期呈现一位当代中青年实力派画家的艺术自觉和探索历程。
文、图/广州日报全媒体记者 江粤军、李巧蓉
艺博院个展受赞赏
北上展览顺利获批
广州日报：这次到中国美术馆展览是有什么机缘吗？跟2016年在广州艺博院做的个展有没有关系？
刘三齐：这个展览跟2016年在艺博院的展览是有延续性的，同样以“铁铸山川”为主题。在艺博院展出的时候，现场去了包括潘鹤、林墉、许钦松、罗宗海、尚涛、梁照堂等多位老师，他们对我这批作品都比较肯定，觉得在广东看到的这一类山水画还是挺有力量的，我自己也更有信心了。特别是林墉老师，之前看了这一批画后，说他很喜欢这一路，并马上答应给我写文章，这对我是非常大的鼓励。随后有老师也建议我到北方办展，最好是能到中国美术馆去，因此我就试着去申请了。
广州日报：到中国美术馆办展的门槛挺高，很多画家一辈子的愿望就是到那里去办一次个展。作为“70后”画家，您现在就能够到中国美术馆举办个展很了不起。申请时有没有遇到什么困难？
刘三齐：我也深知中国美术馆的门槛高，所以一开始就准备了两套方案——如果中国美术馆申请不下来，我就争取到中国国家画院美术馆去。我给国家画院美术馆也寄了一套画册，他们很快就回复说可以，主要看我的时间安排。后来接到了中国美术馆的通知，才把那边给推了。应该说，我是很幸运的。当然，到中国美术馆办展，申请排期时间比较长，给我安排的这个时间距离申请时已经有一年多了。
广州日报：那您这次大概会展出多少件作品，跟艺博院的个展有什么区别吗？
刘三齐：初步估计展出作品为60件左右，而且有一半以上是在艺博院展览以后新创作的。这次展览主要以小篇幅作品为主，很多老师、同行也觉得展览不一定都要展很大篇幅的作品，我的条屏和扇面作品笔墨效果也很不错，写意性很强，也更放得开。中国画向来都是强调笔墨个性和风格，有时小画更能集中体现这个特点。
广州日报：您的作品无论是色彩、厚度，有人说您的画跟画坛前辈大师赖少其先生有一脉相承之处，您很喜欢他的风格特征？
刘三齐：作为一名画家，肯定会以美术史上某些前辈大师为标杆，或者说更喜欢某一路子。我一直更偏好雄浑厚重的风格，认为这更接近于整个中国文化的核心精神。而就山水画来看，从现当代往前推，这一路的画家主要就包括了像赖少其、李可染、黄宾虹及更早的龚贤等大师，脉络是比较清晰的，必须从他们入手去吸取营养。
不刻意拉开距离 带着思考去画画
广州日报：那如何跟前辈大师们拉开距离，走自己的路子，这方面您有什么样的考虑？
刘三齐：我觉得一位国画家，首先要深入学习传统，只要是好的就为我所用，不能为了拉开距离而刻意去拉开距离。你要分析，譬如赖少其先生的作品好在哪里，你要吸收哪些方面。我会觉得赖老的线条老辣，笔墨造型的美感上，墨韵色彩的运用上都做得很好。而黄宾虹先生跟赖老又有点不同，他是更有符号性的，传统程式化多一点；赖老的东西，借鉴西洋画的更多一点，随心所欲一些。比较这些大师之间的异同，慢慢去琢磨，到一定程度以后，各种所学自然而然就会融会贯通，为我所用。不能一开始就刻意地去和前辈不一样，刻意而为的不同是经不起推敲、考验的。
广州日报：就是说您会经常研究他们的原作？
刘三齐：对，有段时间，哪里有这些大师们的展览我都会跑去看，像有一年浙江美术馆有专门黄宾虹的山水画展，我就特意去了。到安徽也专程到歙县去游览他的故居。至于临摹赖老和黄宾虹先生的作品，就更多了，有一段时间还专门学赖老的写生花卉，也有用黄宾虹先生的积墨笔法去画。
广州日报：黄宾虹入蜀之后，整个风格有了比较大的变化，就您自己来说，您是从这些前辈大师们所获得的营养多，还是您从外师造化的具体写生中获得的东西更多？
刘三齐：我觉得自己从传统里面所汲取的营养更多一些，写生只是一种手段罢了，当你的艺术语言慢慢走向僵化、概念化时，写生可以带来新鲜气息，让你破茧而出，继续往前走。但关键还是你的文化判断，要有自己的清晰定位，自己的方向感。如果你没这个意识，写生再多也没用。你看传统的梅兰竹菊，就不太强调写生，而是强调程式套路。这种套路为什么还能继续发展，靠的就是画家个人对笔墨的理解。笔墨的理解肯定自传统中来，你对传统文化精神的了解程度决定了你的审美取向。
广州日报：您反复谈到对传统文化要有深入了解，要带着思考去画画，您是不是从小就对传统文化就特别感兴趣？
刘三齐：的确，我一直就很喜欢传统文化。我觉得中国各种门类的艺术到最后都是共通的，都上升到哲学层面，只是形式、载体、表现不一样而已。比如我是画画的，你可能是玩音乐的或者是写文章的，最后都殊途同归，返璞归真，达到“道”的层面才是最高的。为什么我们说《红楼梦》好，说齐白石的画好，说吴昌硕的画好？放在大文化的角度里面去探讨，彼此是可以触类旁通的。
广州日报：您本身对中国哲学也深有研究？
刘三齐：不敢说研究很深，但确实发自内心地喜欢，有一段时间经常会和朋友们一起谈论冯友兰的《中国哲学史》，特别是对涉及到“道”的东西，在日常生活学习过程中，都会不断去思考。我到现在印象还很深刻，我在广州美院教育系就读的时候，有一次请了华工的老师来教我们画建筑设计图纸，但老师来了以后，并不强调我们具体怎么画，而是讲起了哲学问题。他说其实我们画的这些都是表象的东西，是次要的，关键要透过这些平面或者技巧的东西去看到审美方法的哲学意味，功夫是在画画之外的。当时他的这番话对我来说无异于醍醐灌顶，触动非常大。
造型训练让笔墨更自由
中国画创作能不断深入
广州日报：您这次展出的都是山水画作品，但我留意到您1999年获得过全国美展银奖的作品《战友》是人物画吧？
刘三齐：那是用油画创作的连环画，当时是我和几个伙伴作为一个团体合作的。那时候我们画过大量主题性的连环画，参加过各种全国和省一级的展览，包括综合性美术大展和很多专项美展，1999年获得的第九届全国美展银奖是最高的一个奖项。
广州日报：就是说您不止画国画，也画油画？您觉得油画对您的山水画创作有什么样的影响？
刘三齐：在广美教育系什么画种都学，连设计、雕塑都有。所以，油画、水彩画我都画过。西洋画的造型、审美基础理论跟中国画有点不同，正因为有了差异化的学习，使我的审美眼光更加开阔，更能够理解中国画的形意之妙。我觉得西洋画与国画就像中西医一样，是可以互相补充的，我们可以利用西画的造型功底，更重光影、透视感和理性，再来更好地发挥传统笔墨的平面化和写意性。因为在审美上，有时美不美就是差那么一点点，如果画家经过比较严谨、理性的造型能力训练，从有法到无法，拿起毛笔来会进入一种更自由的状态。
广州日报：所以在您看来，严格的技术训练还是相当重要的？
刘三齐：对，有法之后再进入无法才能经得起推敲。现在有些人特别强调文人画，但单纯过于讲文化，整天谈情怀，如果没有很好的造型能力、技法技巧，作品是达不到一定的审美高度的，这种所谓的文人画也就有欠缺了。就像写文章，文字应用能力不自如，遣词造句不熟练，再有思想也表达不到位，说不到点子上。在技法技巧滚瓜烂熟的前提下，又有文化滋养，艺术的路子才会宽。“太似为媚俗，不似为欺世”，随心所欲而不违规，专业跟不专业的差别往往就体现在这里。
广州日报：您在连环画创作上屡获大奖，但您最喜欢的还是山水画创作，对吗？
刘三齐：获奖其实是一种幸运。而且做主题性创作是有时间性的，每个阶段有不同的展览。但作为一个中国画家，我还是希望找一个我认为未来可以不断地画下去、不断地坚持和深化的东西，所以必然地要回归到中国画上面。中国画是我们最具代表性的艺术形式之一，不管能不能取得成绩，我觉得都必须回到这个领域上来。
广州日报：那您现在还画油画吗？还是全身心都投入到山水画创作中？
刘三齐：那种类型的很少画了。但现在除了山水画，也画一些花鸟画。因为山水画谋篇布局会更理性一些，或者说造型、结构强调得多一点，而花鸟画可以更写意，在笔墨上更自由、更轻松一些，彼此能起到互相促进的作用。因此，画一段时间的山水画，我感觉到有点太紧了，就会画画花鸟来调节一下。我们看黄宾虹先生的花鸟画，跟山水画的笔法差不多，都是很强调中锋用笔，只是表现题材不一样，花鸟更恣肆奔放一些。
广州日报：中锋用笔在山水画中可以达到什么样的表现力，您好像特别强调这一点？
刘三齐：会有力透纸背、入纸很深的感觉。我追求雄壮浑厚的山水气格，中锋用笔才能更好地达到这种效果。我的用墨用色也是以这一理念为支撑的。
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