西方二十世纪的现代美术大致可以划分为两个阶段。第一个阶段是二十世纪初至一九四五年二战结束；第二阶段是一九四五年之后至今。前一阶段现代主义(Modernism)占主流地位，兼有其他传统的、学院的流派。第二个阶段，从50年代起，出现一种与现代主义既有联系又有区别的艺术思潮和流派，蒙德里安将其称之为“后现代主义”(Post—Modemism)。在后一阶段，现代主义仍然很活跃，而传统的、学院的，以至其他被现代主义排斥的非主流艺术，也有复苏的迹象。现代主义美术是西方进入垄断资本主义时代以后产生的，是伴随第二次工业革命的产物，它不可避免地反映了这个时代政治、经济和精神文化的重要变革，反映了这个时代人们极其复杂、丰富的思想感情和极为深刻的哲学思考。不同于现实主义的是，现代主义的美术在对待社会、人、自然和自我的关系上失去了平衡，关系是扭曲的。他们采用的语言是荒诞、寓意和抽象的。在他们的作品中，我们可以感觉到这些艺术家表现了现代人们(包括艺术家们自己)的精神创伤和变态心理，感觉到他们对现实生活消极、悲观和失望的情绪，感觉到他们思想中强烈的个人主义和虚无主义。当然，也正是现代主义美术作品的这些特征，使它们具有不可忽视的社会价值和审美价值，因为它们是西方现代社会和人们精神生活重要方面的写照。
被称为“现代主义”或“现代派”的美术，是指20世纪以来具有前卫和先锋特色、与传统美术分道扬镳的各种美术思潮和流派。19世纪末即已开始流行的“绘画不作自然的奴仆”，“绘画摆脱对文学、历史的依赖”，“绘画语言自身的独立价值”，“为艺术而艺术”等观念，是现代主义美术体系的理论基础。
第二次世界大战之前的西方现代美术思与流派 欧洲传统艺术一直存在的两种倾向——重视理性和注重感情表现，在现代主义艺术中也有表现。后印象主义画家塞尚（重视理性）和梵高（强调感情）分别成为现代主义的两种趋势。
纳比派
纳比派是1889年巴黎朱利安学院一群青年画家组成的艺术团体。朱利安学院的学生塞留西埃(Serusier)于1888年结识了高更，在其指导下创作了一张一改传统手法、追求平面感和强烈色彩的风景画。此画在他的朋友们中引起了轰动，大家认为一种新的艺术精神业已产生，决定组成新的艺术团体，取名“纳比”。
“纳比”(Nabis)-词来自希伯来语，意为“先知”。这群青年艺术家推崇高更等前辈大师的思想，接受了象征主义的理论，摒弃学院派遗风，力图挣脱模仿写实的束缚，努力探索一种重主观感受、追求纯绘画性的艺术。纳比派的成员不满印象派过分强调视觉的真实，提出艺术应当熔艺术家的思想、智慧和情感于一炉。
参加纳比派的主要画家有：德尼(Denis).朗松(Ranson).伊伯尔(Iberls).卢塞尔(Roussel).维亚尔、勃纳尔等人。其中维亚尔和勃纳尔的成就较高。
野兽主义
较为明显的现代主义绘画风格首先见于法国野兽主义画家们的作品。以H·马蒂斯为代表的一群年轻画家，在1905年的巴黎秋季沙龙中，展出一批风格狂野、艺术语言夸张、变形而颇有表现力的作品，被人们称作“野兽群”，是西方现代主义的第一个流派，该流派强调用扭曲夸张的形体、狂放的笔触、鲜艳细目的色彩平涂和鲜明的轮廓线造型，保持画面的平面感和装饰性，尤其强调色彩的表现力，属于泛表现主义范畴。野兽主义是一个松散的艺术团体，没有共同的行动纲领，1908年左右解散。主要成员有马蒂斯、弗拉芒克、德兰、卢奥、杜菲等。马蒂斯代表作品《舞蹈》对其后的表现主义艺术有极大的影响力。
亨利·马蒂斯（法文：HenriMatisse；又译马谛斯，1869年12月31日－1954年11月3日）
①马蒂斯是野兽主义的主将，研究非洲土著雕刻和中东阿拉伯的艺术对他的新画风产生了影响。追求原始格调，富有幻想意味。②他用快速、粗放有力的笔触造型，用纯粹的色域组织画面，使画面充满律动感。③吸收东方和非洲艺术的表现手法，放弃传统的明暗造型手法，富有表现力和装饰性。
马蒂斯代表作《红色和谐》是马蒂斯成熟期的代表作。该作品创作于1908年，描绘的是女主人正在往餐桌上摆放果盘的家庭生活场景。但实际上作品的主题意义已经微不足道。作品采用了红绿等鲜艳颜色的对比造成强烈的视觉冲击力，并将画面的三维立体空间向二维平面压缩，强调造型的平面化、单纯化和装饰性，给人以赏心悦目的美感。该作品已经完全背离了马蒂斯早期野兽般狂放粗野的艺术风格，趋于宁静和谐。
立体主义
1908年，另一群年轻画家以P·毕加索、E·布拉克为代表，在法国推出立体主义绘画。立体主义的原则最初出现在毕加索的油画《亚威农少女》(1907)中。这幅画被认为是传统美术与现代美术的分水岭。立体主义用块面的结构关系分析物体，表现体面重叠、交错的美感。野兽主义和立体主义都从非洲雕塑中吸收了养料，它们的艺术语言与传统法则相去甚远，标志着现代主义已进入自我确立的阶段。
立体主义的存在时间不长，活跃期在1907年至1914年。 立体主义是富有理念的艺术流派。它主要追求一种几何形体的美,追求形式的排列组合所产生的美感。把从不同的视点所观察和理解的形体诉诸于画面,从而表现出时间的持续性。主张以平面的、二度空间的画面代替传统绘画的三维立体空间。
该派的意义在于空间处理的新观念建立，它实际上是主宰20世纪艺术中抽象的和非具象的绘画流派的直接源泉。立体主义思潮不仅影响了二十世纪西方绘画的发展，而且还有力地推动了西方现代建筑和设计艺术的革新。
立体主义主要可以分为分析立体主义和综合立体主义两个阶段。立体主义的主将是毕加索和布拉克。其他典型代表有格里斯、莱热等。特点：分析立体主义注重将一个对象分解成多个视角的几个切面，并加以重叠组合，形成抽象的，支离破碎的形体结构；综合立体主义则利用多种素材的结合和实物并贴的手法去创造一个新的母题，使艺术接近生活的平凡真实。
巴勃罗·毕加索（西班牙语：PabloRuiz Picasso，1881年10月25日－1973年4月8日） 青年时期受过学院的写实训练，还受到各种思潮（如象征主义、批判现实主义、印象主义、自然主义和唯美主义）的影响。早期作品充满了早熟的忧郁。早期绘画近似于表现主的主题。
1900年来到巴黎后，受到个新艺术浪潮的感染，在他的内心世界处于苦闷和由于的时期，曾先后用蓝色和粉红色描绘贫穷的残疾人、病患者、老人等。被称为蓝色时期和粉色时期。
1907年他在黑人雕刻和古代伊比利亚人艺术的启发下，常识把塞尚已经开始的对几何形结构美的追求推向极致，创作力颇有争议的、被认为是利益注意开端的《亚威农少女》。在此之后一年，他的立体主义更加成熟。《谈曼陀铃的少女》《卡恩韦勒像》被认为是他分析立体主义的代表作。
1915年以后，毕加索的作品风格转向新古典主义，在严谨的造型中，用夸张的手法表达宏伟磅礴的气势。
毕加索还被认为是一位具有独创精神的雕塑家。毕加索具有丰富的想象力和创造性，他的冒险和探索精神，给西方二十世纪现代艺术以很大的推动。
毕加索代表作《亚威农少女》
1907年毕加索以一幅《亚威农的少女》开创了立体主义的先河，《亚威农的少女》被认为是美术史中第一件有立体主义倾向的作品，具有里程碑意义。画面着重表现了五位少女的裸体形象以及一些水果静物。作品采用多视点的方式，画面中的形象皆被处理成几何块面的形式，且人物形象的表现明显受到非洲原始木雕的影响，三维立体的空间被彻底颠覆。该作品因其在创作理念和表现手法等方而的大胆革新而在西方美术发展史中具有重要意义。
毕加索的代表作《格尔尼卡》 ，1937年。
（1）本世纪三十年代的西班牙内战，给人民带来了沉重的灾难。 （2）描绘了西班牙小镇格尔尼卡遭法西斯疯狂轰炸的悲惨背景。
（3）采用古典的三角形构图，以黑白相间造成强烈对比。大量运用夸张、变形及象征手法，深化悲剧主题。
（4）作品似沉默的宣言，宣告了法西斯的罪行，体现了作者鲜明的爱憎，表达了人民复仇的决心和决战到底的精神。
未来主义
如果说立体主义受工业科技的影响，表现物体静态的美，那么在意大利兴起的未来主义(1909)则在现代工业科技的刺激下，用分解物体的方法来表现运动的场面和动的感觉。
未来主义诞生于意大利，是一个渗透于美术、音乐、戏剧、电影、摄影等各个领域的广泛艺术思想。未来主义否定一切，诅咒人类文化遗产和现存文化，主张“摈弃一切博物馆、图书馆和科学院”，反对一切模仿形式以及优雅和谐的审美趣味，讴歌现代工业文明和科学技术所展现的速度、力量、竞争之美。在艺术形式上，用新印象主义的点彩方法，热衷于用线和色彩描绘一系列重叠的形和连续的层次交错与组合，并且用一系列的波浪线和直线表现光与声音，表现迅疾的运动中的物象。主要艺术家有巴拉、波菊尼、赛韦里尼等。
波菊尼（意大利） 翁贝托·薄邱尼（意大利语：UmbertoBoccioni，1882年8月19日－1916年8月17日）是意大利的画家、雕塑家以及未来主义提倡者。是一位博览群书、才华横溢的艺术家，也是未来派的重要理论家和灵魂，未来主义的两次宣言——“未来主义绘画技巧宣言”和“雕塑宣言”均出自他之手。他倡导艺术家积极投身于现代科技文明，在艺术中努力表现这些成就，鼓动艺术家去捕捉现代生活中的运动、生命和速度。在波菊尼的心目中，运动感的表现是艺术中的首要问题，因此他的作品总是充满着动感。波菊尼是未来派最有才华的艺术家，可惜他在艺术上没有得到充分发展，当一战爆发时他自愿入伍，1916年他正值年富力强之时战死于意大利前线，年仅34岁。波菊尼努力将运动的过程在《空间中连续的形体》这件雕塑上表现出来，即把时间这一因素引入到造型艺术中，为此他创作了这件作品。这是一个快速行进中的人物全身像，但这个形象并没有五官和双臂，艺术家将这人的每个运动步骤联系起来，创造出一个新的充满运动感的现代机械形象。它带有写意的特点，尽管没有完整的五官，也没有双手，并非一个真实的人体，我们仍然能从它的动态感觉到一种力量速度，它在人的视觉上造成的是一个快速行进中的人物的印象。
未来主义的艺术家们利用立体主义分解物体的方法来表现运动的场面和运动的感觉。巴拉（GiacomoBalla，1871——1958）是从新印象主义转向未来主义的画家。它的代表作之一《链子上的一条狗的动态》，描绘奔跑的狗和女人的足，将一连串的运动凝缩于画面，给人的感觉是奔跑的狗有几十支脚。
表现主义
与此同时，在德国有1905年组织的桥社，1909年成立的青骑士社。它们的美学目标和艺术追求与法国的野兽主义相似，只是带着浓厚的北欧色彩与德意志民族传统的特色。
二十世纪初期产生于德国，波及全欧，表现主义的特点：①对资本主义的都市文明不满，对机械文明压制人性和个性产生反感，并从东方和非洲艺术中吸收营养。②在艺术上,他们反对机械地摹仿客观现实,而主张表现“精神的美”和“传达内在的信息”,强调艺术语言的表现力和形式的重要性。③其中有些人在社会的不平等和人类灾难面前有一种强烈的改变现实的紧迫感，用画笔刻画社会生活的黑暗面，描绘弱小的、在生命线上挣扎的人；而也有人故意回避生活中的矛盾，在艺术中寻求宁静和仁慈。不少表现主义艺术家在激烈和残酷的社会对抗前，表现出悲观和动摇，在作品中流露出悲惨和伤感的情调。
与绘画思潮相对应，雕塑领域内也出现有现代风格特征的雕塑家，如含有象征主义和表现主义因素的比利时人格奥尔格·米内(GeorgMinne，1866—1941)、德国人威廉·勒姆布吕克(WilhelmLehmbruck，1881—1919)。意大利未来主义画家兼雕塑家博乔尼(UmbertoBoccioni，1882—1916)于1912年4月签署了关于雕塑艺术宣言，并把未来主义的原则运用到自己的作品中，代表作有《在空间连续的形》(1913)等。
现代主义思潮在俄国也相当活跃。除了受立体主义和未来主义影响产生的一些社团外，俄国的构成主义对艺术探讨如何表现工业美方面有独特的贡献。俄国画家马列维奇于1913年左右创建的至上主义，属于几何抽象的范畴。
代表人物和团体
在持续发展过程中，形成两个艺术倾向不同的团体：一是1905年创立于德累斯顿的“桥社”（“桥社”的含义为：为传统艺术和现代艺术搭建桥梁）；另一个是1911年从慕尼黑新艺术家协会派生出来的“青骑士社”。
“桥社”是松散的年轻画家团体，主要代表人物有基希纳、黑克尔、米勒、蒙克（挪威人）等。这群青年人凭着乐观主义精神及改革社会和艺术的信念，试图建立一个把生活与创作结合为艺体的社团。他们提出到工人去体验工人的淳朴感情，对雇请的模特儿采取平等的态度；宣传艺术不只是具有自身的独立价值，而且还有为了人生、满足生存需要的目的；主张创作者与欣赏者处于平等的地位。桥社的画家们早期主要画风景和裸体，用写生直接抒发感情，表现人和自然的原始性，歌颂性解放，反抗资产阶级虚伪的道德观。在形式上，他们追求平面感和注意线的表现力。桥社虽于1913年因内部意见不一而解体，但对德国表现主义运动起了重要的推进作用。
“青骑士社”是从慕尼黑新美术家协会分离出来的，由康定斯基和马尔克、马可共同创立的。但他们的风格并不相同，共同的信念就是追求艺术中的精神，对不可见的内在精神比外部世界更感兴趣，他们希望通过用抽象的抒情语言给这种内在精神以可见的形和色，把艺术和深刻的精神内容融为一体。康定斯基的代表作品有《构图》《点线面》等。
蒙克《呐喊》
作品创作于1893年，是蒙克创作的“生命组画”中最为强烈和最富刺激性的一幅作品，也是他的重要代表作之一。艺术家以极度夸张对笔法，描绘了一个变了形的尖叫的人物形象，把人类极端的孤独和苦闷，以及那种在无垠宇宙面前的恐惧之情，表现得淋漓尽致。整个构图在旋转的动感中，充满粗犷、强烈的节奏。色彩被夸张得富于表现性，但仍与自然保持着一定程度的关联。画面形象扭曲变形。作品采用象征、隐喻和夸张的手法，揭示了人类“世纪末”的忧虑与恐惧。
康定斯基
首先从事抽象主义艺术创造的是参与德国青骑士社活动的俄国画家康定斯基(WassilyKandinsky，1866—1944)。他用点线面的组合、构成，参照音乐的表现语言，用绘画来传达观念和情绪。他的著作《论艺术中的精神》(1912)、《点、线、面》(1923)奠定了抽象主义的理论基础。他既从事抒情抽象绘画的创造，也在几何抽象方面有所探索。
俄国艺术家康定斯基于1896年移居德国，早期的艺术活动对德国表现主义运动的发展具有重要作用。但其真正的艺术成就体现在抽象主义阶段，被认为是抽象主义的典型代表。康定斯基基于1909年建立了慕尼黑新美术家协会，1911年与马尔科发起组织“青骑士社”1923年~1933年应聘在包豪斯任教，组织“青骑四人社”他强调绘画的自律性，强调色彩和形的独立表现价值，主张艺术家用心灵体验和创造，通过非具象的形式传达世界的内在本质，并在抽象形式的法则和美感及绘画中的音乐性以及创作过程中的偶然性等方面进行了探索和研究。康定斯基的抽象主义理论主要集中在《论艺术的精神》《关于形式问题》《点，线，面》等理论著作中，在实践中，他于1910年创作了第一副纯粹的抽象作品，1914年回国后，艺术风格倾向是有机形态的抒情抽象，到包豪斯任教后，继续抽象主义探索，抛弃对真实世界的参照，用精确的集合特性寻求纯粹精神的自由表达，因此，康定斯基是“热抽象”的典型代表，他在实践和理论方面开启了西方抽象艺术的先河。
荷兰风格派
奠定几何抽象主义理论基础和在艺术实践上有重要贡献的是荷兰画 家蒙德里安(PietMondrian，1872—1944)创建的风格派(De Stijl)。
1917年在荷兰出现的几何抽象主义画派，以《风格》杂志为中心，因而得名。创始人杜斯伯格和蒙德里安。风格派拒绝使用任何的具象元素，主张以理性和逻辑为原则，用纯粹几何形来表现纯粹的精神。在抽象化与单纯化的口号下，风格派提倡数学精神。1925年蒙德里安蒙德里安创作《红与黑》具有风格派的代表性，《百老汇爵士乐》（1942-1943）是另一代表作。风格派和蒙德里安的独特创造对西方现代抽象艺术和建筑设计艺术均有很大影响。1928年《风格》杂事停刊，风格派解散。
彼埃.蒙德里安（Piet Cornelies Mondrian；1872~1944年）荷兰画家，风格派运动幕后艺术家和非具象绘画的创始者之一，对后代的建筑、设计等影响很大。主张以几何形体构成形式的美，作品组成因素多为垂直线、水平线、长方形、正方形和各种方格，反对用曲线，完全摒弃艺术的客观形象和生活内容。《红黄蓝的构成》《百老汇爵士乐》
巴黎画派
巴黎画派是对二十世纪初在巴黎从事艺术创作，但未参加任何一个现在主义流派的艺术家的总称：该画派的艺术家来自于世界各地，因接受各种现代艺术思潮的影响而风格各异，但基本上采用具象的造型手法表达抑郁悲苦或浪漫主义情怀，作品大多具有浓厚的抒情性。代表画家：莫迪里阿尼、俄国的夏加尔和苏丁是该画派的典型代表。
达达主义
第一次世界大战期间在瑞士苏黎世出现的达达社团(Dadaism)，其影响波及欧美各国。达达主义反对战争、反对权威和反对传统，同时也否定艺术、否定一切。达达的虚无主义和反传统的精神，贯穿在整个西方现代文艺的进程之中。在平面绘画中采用拼贴，把偶然性、机遇性运用在美术创造中，是达达对现代美术语言的贡献。
达达主义——1915年由许多国家的年轻人在中立国瑞士的苏黎世组成的艺术团体。他们厌倦战争，认为社会文明痉挛、腐懒、堕落了。面对社会，他们从虚无主义出发，否定一切，否定理性和传统文明，提倡无目的、无理性的生活，以及提倡无四次昂，不受任何法则约束的艺术。其主要艺术表现就是“破坏就是创造”，具体做法是在恐怖的想象范围内运用任何手段，使用垃圾、拼贴实物，或把古典名画改装，用真实物品以及综合材料取代传统艺术。其主要代表人物有杜桑等人。
杜桑
法国艺术家杜桑是达达主义的典型代表。他早期曾迷恋立体主义和未来主义风格，代表作是作于1912年的《走下楼梯的裸女》。后来，他开始走向反正传统、反权威、反艺术，提倡破坏就是创造，因此，杜桑经常选取日常生活用品或废旧物品等“现成品”进行创作，通过巧妙组合和环境转换完成作品。代表作品有《泉》、《带胡须的蒙娜丽莎》等。
法国艺术家杜尚是达达主义的典型代表。他早期曾迷恋立体主义和未来主义风格，代表作是作于1912年的《走下楼梯的裸女》 ；后来，他开始走向反传统、反权威、反美学、反艺术，提倡破坏就是创造。因此，杜尚经常选取日常生活用品或废旧物品等"现成品"进行创作，通过巧妙组合和环境转换完成作品，代表作品有《泉》《带胡须的蒙娜丽莎》等。他将绘画和雕塑从 、传统的主题和材料中解脱出来。他的出现改变了西方现代艺术的进程。可以说，西方现代艺术，尤其是第二次世界大战之后的西方艺术，主要是沿着杜尚的思想轨迹行进的。因此，了解杜尚是了解西方现代艺术的关键。杜尚之后的许多艺术观念和艺术流源，乃至艺术界发生的方向性 的变化，都同他有关。 【拓展】 在历史上马塞尔·杜尚一直是一位争议颇多的人物。有人称他是严谨认真的家，是20世纪实验艺术的先锋，是现代艺术的守护神，也有人称他是高雅艺术的嘲弄者，是艺术花篮中的一条毒蛇，是毁灭美的恶魔。约瑟夫·孔苏斯(JosephKosuth)曾说过：“自杜尚以后，艺术就在观念的层次上存在着”。有人骂他，说他动摇了艺术殿堂“神圣”根基；有人赞他，称他为真正领会并表现“艺术”真谛之第一人。不论人们褒贬如何，历史评价怎样，讨论关键艺术，杜尚是一个不可逾越的源头。杜尚一生创作了很多轰动性的作品，在此不再枚举。第一次世界大战时期的屠杀现象令杜尚赶到很绝望，他带领志同道合的艺术家掀起了一场抗议的运动，也就是所谓的达达主义运动。“达”在法文中的意思是木马或者婴儿“无意识的语言”，后者似乎更合乎这个运动的精神。 人们常认为达义有虚无主义的色彩，而它本身的目标也是在让世人明白，所有的既定价值、道理或者美感标准，都已在第一次大战的摧残下，变得毫无意义。1916年到1943年这段短暂的流行期间内，达达主义激烈地散播非理性与反艺术思想，杜尚把签名与标题置于瓶架或 铲雪机，小便池之类物品上，然后当成艺术作品展出。杜尚的艺术探寻的是非理性和自由，塞尚的艺术追求的是理性与秩序。它们是一枚硬币的两个面，共同组成了一个完整的相辅相成的现代主义。杜尚在他身处的那个年代，无疑是艺术家眼中的异类。马塞尔·杜尚否定传统，戏谑传统作品，颠覆作品内容，甚至改变了艺术创作的手段和观念。杜尚喜爱用机器的形象和机械的描绘，而不是传统的写实或印象的画法来作画。这样的画法逐渐形成风格，最后产生了《火车上悲伤的男人》 《楼下的裸女2号》等具有明显杜 尚风格的作品。
超现实主义
超现实主义社团(Surrealism)是从达达社团内部分化出来的。它直接从弗洛伊德的潜意识学说中汲取思想养料，并以弗氏的理论作为这一艺术运动的指导思想。超现实主义的美术家们从儿童、精神病患者、梦境中汲取灵感，致力于探讨人类经验的先验层面，试图突破现实观念，把现实观念与本能、潜意识和梦的经验相糅合，以达到一种绝对和超现实的境界。出其不意的偶然组合、无意识的发现、现成物的拼集等手法，是超现实主义画家们常常采用的手法。从1924年到30年代末，是超现实主义美术的活跃期。30年代以后，作为运动，超现实逐渐冷寂，但许多重要的超现实主义画家仍然活跃于欧美画坛。
超现实主义——超现实主义在达达主义的基础上发展而来，是一场在文学、美术、戏剧等领域都有所体现的文艺运动。1924年美术上的超现实主义流派诞生，运动的中心在巴黎。超现实主义者以弗洛伊德的精神分析学说作为理论基础，致力于探讨人类的先险层面，试图突破符合逻辑与实际的现实观念，把现实观念于本能、潜意识和猛得经验相糅合，已达到一种绝对的超现实的情境。在表现手法和风格面貌上主要有两类：一是采用写实手法逼真的描绘荒诞世界、怪异形像或个人梦境、幻想的“偏执狂批判”，代表画家达利、恩斯特、马格利特等二是用抽象的符号化的绘画语言揭示个人潜意识中非逻辑心象的“心理自动化”，以西班牙画家米罗为代表。代表人物有恩斯特、马格利特、达利、米罗、马宋等。
第二次世界大战之后的西方现代美术思潮与流派
抽线表现主义
第二次世界大战之后在美国产生的抽象表现主义(又称“行动绘画”或“纽约画派”)是集表现主义、抽象主义和超现实主义大成的流派。它强调创作者行动的自由性、自动性和无目的性，把创作行动本身提高到重要位置，已经孕育着以创作者的行动作为艺术传播媒介的因素。 抽象表现主义是二战后第一个具有重大意义的美术思潮，也是美国当代艺术在西方崛起的标志。抽象表现主义并无统一的风格特征，但其共同特征是反以以往绘画的完整性和技巧性，推崇超现实主义的潜意识自动写作和非理性追求用抽象化、即兴式、无目的性的创作方式表现自我，从而使创作过程和创作行为本身提高到重要位置，主要包括以波洛克、德库宁为代表的“行动绘画”和以罗斯科、马瑟韦尔为代表的“色域绘画”。
后绘画抽象
继抽象表现主义之后产生的“硬边抽象”、“后绘画性抽象”是几何抽象主义在新形势下的变化和发展，也说明艺术从强调主观感情到侧重于客观表现的转变。
“后绘画抽象”是二十世纪六十年代后出现的一种艺术思潮。这群画家对抽象表现主义以笔触、色彩和肌理效果来表现主管感情表示反对，主张以清晰明确的抽象形式取而代之。这种新抽象的艺术形式又被称作“色面绘画”、“硬边抽象”，一直延续到70年代被称之为“极少派”的抽象主义，说明美国艺术由强调主观感情转变到侧重于表现客观。
波普艺术
艺术从强调主观感情到侧重于客观表现的转变在与抽象表现主义完全相悖的“波普艺术”中表现得更为明显。波普艺术的兴起，说明现代主义向后现代主义转变。
波普艺术：既“流行艺术”“大众艺术”，最早起源于20世纪50年代英国，其真正发展是在大众文化发达的美国。波普艺术的基本理念是消除艺术与生活的界限，把艺术变为认识生活的工具。艺术家将日常物品和广告、商标、影视明星、卡通形象等发达消费文化提供的视觉资源直接搬上画面，采用拼贴、模仿、复制、集成等手法制造大众所能理解的形象，同时利用电视、报纸、印刷品等大众传媒介进行宣传和普及，既拉近了艺术与生活的距离，也刺激了观众的消费欲望，是一种消费文明的艺术。汉密尔顿是英国波普艺术的开创者和重要代表。安迪·沃霍尔和劳申伯格是美国波普艺术最有影响力的两位人物。
最早的意见波普艺术作品是英国画家汉密尔顿用拼贴技法制作的，体味《是什么使今日的家庭变得与众不同，如此有魅力？》
美国著名的波普艺术家安迪·沃霍尔常用放大的海报或杂志广告，用丝网印的方式印刷在画布上。他的作品中包含统一形象的无数次重复，以使人们对经过他处理之后的常见形象有新奇感。
欧普艺术
欧普艺术也成“光效影艺术”或“视幻艺术”，产生于二十世纪三十年代，是一种与科学亲近的艺术，与今天工艺美术的色彩、立体构成相似，以画面中的线条、色块、波纹或利用透视原理进行组合，对视觉实施强制性刺激而产生动感或其他幻觉。代表人物有赖利、瓦萨雷利等。赖利的代表作有《波纹》。
波普艺术一方面沿着与科技结合的方向发展，一方面又向实际生活渗透。向实际生活环境渗透的结果，便产生“综合艺术”。最早制作综合艺术的是美国新达达主义人物R·劳申伯格和J·琼斯。
与此同时，在使艺术品具有“综合感受”方面，出现了一种被称作“最少派艺术”的派别。最少派艺术的作品象工厂的产品一样，注意标准化、规格化，毫无个性。最少派的美学观念是：越是共性大的作品被观众认知和理解的可能性越大，反之，个性和特殊性强的作品，只能被少数有修养的人认知和欣赏。艺术品不仅要作用于视觉，而且应该作用于听觉、触觉，甚至嗅觉的美学主张，以及艺术的目的是制造“整体情景”的见解，促使“环境艺术派”、“偶发派”和“表演派”的出现。
后现代主义
“后现代主义”(PostModernism)是50年代以来欧美各国（主要是美国）继现代主义之后前卫美术思潮的总称。后现代主义的概念最早出现在建筑领域，后来逐渐扩展到美术其他领域。它的含义并没有明确的界定。美国美术史论家L·史密斯把战后西方美术的发展趋向概括为：“从极端的自我性转向相对的客观性;作品从几乎是徒手制作转变成大量生产;从对于工业科技的敌视转变为对它产生兴趣并探讨它的各种可能性。”后现代主义的中心转移到美国纽约。
波普艺术一方面沿着与科技结合的方向发展，一方面又向实际生活渗透。向实际生活渗透的结果，便产生“综合艺术”。最早制作综合艺术的人是美国新达达主义人物劳申伯格和琼斯。与此同时，在使艺术品具有“综合感受”方面，出现了“极少派艺术”，注意便准化、规格化、毫无个性，极少派的美学观念是：越是共性大的作品被观众认知和理解的可能性越大，反之，个性和特殊性强的作品，只能被少数有修养的人认知和欣赏。因此后现代主义以艺术的大中型反对艺术的精英型，以粗俗、生活化反对精雅的艺术趣味；主张艺术各门类、艺术与生活之间界限的消失，艺术品不仅要作用于视觉，而且应该作用于听觉、触觉，甚至嗅觉的美学主张，以及艺术的目的是制造“整体情景”等等，从而促使了“环境艺术派”、“大地艺术派”、“偶发派”、“表演派”的出现。在美国60年代出现影响欧亚的观念艺术。
概括地说，后现代主义美术现象有以下特点：
（1）企图突破审美范畴，打破生活与艺术的界限；
（2）对主流美术思潮的质疑和对少数民族地区和边远地区美术的关注，主张多元和承认多中心；
（3）从传统艺术、现代主义艺术的形态学范畴转向方法论，用艺术表达多种思维方式；
（4）从强调主观感情到转向客观世界，对个性和风格的漠视或敌视；
（5）从对工业、机械社会的反感到与工业机械的结合；
（6）主张艺术平民化，广泛运用大众传播媒介。
照相写实主义
二十世纪七十年代星期的照相写实主义，也被成为“超级写实主义”。该派认为艺术作品应该类似客观、逼真的摄影效果，不带任何主观感情地对现实物象加以真实再现。照相写实主义艺术家以人物形象、城市风光、静物、动物等作为主要表现题材，注意细节刻画和表现，其以假乱真的效果常给人以冷漠、缺乏人情味的感觉；不过有些艺术家利用照相机拍摄照片作画，在描绘充满着光和运动的现代城市方面，也有其独特的表现。照相写实主义在绘画和雕塑两个领域的成就都非常突出，绘画领域以克洛斯最具有代表性，雕塑领域则以安德列和汉森为代表。
概念艺术
概念艺术也称为“观念艺术”，诞生于二十世纪六十年代，七十年代成为国际性的艺术运动。其基本理念是：审美对象的创造不再是必须和重要的，艺术家某种概念（观念）的表达是艺术创作过程中最为重要的。艺术家主张通过文字、图片、录音甚或是艺术家本人的身体、行为等媒介形式实现观念的表达，让观者与艺术家进入统一审美观念，并重视观众的参与。波伊斯是概念艺术的典型代表。
二十世纪七十年代以来的美术思潮
二十世纪五十年代以来东欧各国继现代主义之后出现后现代主义美术。后现代主义在东欧最早出现在建筑领域。
后现代主义虽有与现代主义背道而驰的一面，但本质上是现代主义的继续与发展。现代主义美术是西方进入垄断资本主义时代以后产生的，是伴随第二次工业革命的产物，它不可避免地反映了这个时代政治、经济和精神文化的重要变革，反映了这个时代人们极其复杂、丰富的思想感情和极为深刻的哲学思考。不同于现实主义的是，现代主义的美术在对待社会、人、自然与自我的关系上失去了平衡，关系是扭曲的。他们采用的语言是荒诞、寓意和抽象的。在他们的作品中，我们可以感觉到这些艺术家表现了现代人们(包括艺术家们自己)的精神创伤和变态心理，感觉到他们对现实生活消极、悲观和失望的情绪，感觉到他们思想上强烈的个人主义和虚无主义。当然，也正是现代主义美术作品的这些特征，使它们具有不可忽视的社会价值和审美价值，因为它们是西方现代社会和人们精神生活重要方面的写照。
杜布菲（1）从儿童画、精神病患者的绘画中得到启发。（2）善于创造新的语言符号善于创造新的语言符号，给人以视觉和心灵的震撼。（3）是战后最具有影响的艺术家之一。
斑点派：在欧洲与美国抽象表现主义相呼应，有不规则的色点和色块构成的绘画，观念和技法与美国抽象表现相似，强调自动性的本能表现，还有马休、阿特兰、布仁、马休等。
抽象画社团“卡布拉(Cobra)”：意为眼镜蛇，也强调艺术家创造力的直接表现，特别注意色彩和笔触的强烈效果，形象虽经扭曲，大体还可以辨认轮廓，比较有成就的有阿派尔、阿辛斯基等。 意大利和西班牙：意大利的布利、西班牙的塔比埃斯是战后重要的注重语言表现力的艺术家。布利——曾经根据战争期间医院中的悲惨经历，用麻布袋、血衣加以拼贴来创造作品。塔比埃斯——将胶、熟石灰和沙土混合，创作色泽深沉、稳重但又有丰润感的浮雕式画面。
法国 “新现实主义”：60年代，与美国的后期波普和新达达在精神上相呼应，重要艺术家有克里斯多（捆包物体）、斯波利、克莱因、阿尔曼（集压）、塞札尔（压缩法）等。克里斯多:著名的捆包艺术家和大地艺术家，以捆包物体著称。认为各种物品经过人工捆包，便脱离了商业性，这行为本身获得了自律性的美，捆包之物便具有新的艺术含义。
二十世纪的西方现代雕塑
现代主义雕塑领域中最杰出的人物当推布朗库西、阿尔普、亨利·摩尔，他们拓展了雕塑的观念，在探索新的时空观念和艺术语言(包括质材和形式感)方面，取得了突出的成绩。
十九世纪末开始欧洲雕塑逐渐向夸张和变形的方向发展，以求表现生命的运动，表现生命和现实的搏斗。二十世纪上半期雕塑呈现出多种多样的风格。
英国亨利·摩尔：英国著名雕塑家。他对现代环境中解决雕像与周围空间关系的课题做了很多探索，在雕塑形体上采用线、洞孔来探索新的空间表现。 对雕塑创作所下的五条定义是，1）对材料的真诚；2）空间的三维的充分实现；3）对自然物象的观察力；4）想象与表达；5）生命力与表现力。最重要的特色是每件作品有它本身内在蕴积的能量。《国王和王后》等。作品特点：作品以人体为母题，多置放在室外环境中，以草地、原野、园林树木、云彩为陪衬。他不追求作品愉悦人的感官，而是表现一种雄健、强大的生命力，在他的作品中，我们感觉到有现代感的原始性和野性。
①作品以人体为母题，或躺卧、或坐立，或单人像、或群像。有的放在卧室，更多则放置于室外环境中，以草地、原野、园林树木、云彩为陪衬。②他的创作最重要的特色是每件作品都有它本身蕴积的能量。他不追求作品愉悦人的感官，而是表现一种雄健、强大的生命力，在他的作品中，我们感觉到有现代感的原始性和野性。他的作品的主题是复合的，多重性的，不是单一的，所以耐人思索寻味，而在符合的主题中生存的要求、趋势和愿望占据主要地位，给人精神奖以力量，主调是积极的。
贾科梅蒂——瑞士雕刻家、画家，曾经受弗洛伊德和超现实主义的影响，也对萨特的存在主义感兴趣。他在领悟传统和研究现实的基础上将雕刻的量、快观念加以舍弃，把线作为人体的基本组成因素，刻画出瘦长、憔悴、像幽灵似的人体，给人在视觉和心理上造成强烈的刺激和深刻的印象，以图唤起人们对人的生存的关注，并由此扩大了雕塑表现和审美的领域。但是其作品虽然不乏深刻的主题，却缺乏给人以光明、进取和奋进的力量。
二十世纪现实主义美术
在19世纪末至20世纪上半期复杂的艺术思潮中，除了咄咄逼人的现代主义思潮外，还存在着不可忽视的现实主义思潮和流派。除在苏联占主流地位的社会主义现实主义外，西欧和美国不少艺术家也坚持现实主义创作方法和写实的手法。
现实主义具备两方面的评个：在内容上是关注现实和人生的，在语言上基本上是写实的。只有这两者的统一才是完备的现实主义艺术。
德国女画家珂勒惠支(KaBthe Kollwits，1867—1945)——是一位对无产阶级和人民大众寄以深厚同情的艺术家。她用油画、木刻、同伴、时刻等形式，表现德国社会的贫困、战争的创伤和工人的悲惨遭遇，以及被压迫者的奋起反抗。1898年她创作的以《织工暴动》为题的铜版组画，1903—1908年的《农民战争》组画以及20—30年代完成的《战争》、《死亡》组画，还有她创作的独幅版画《纪念卡尔·李卜克内西》，都是有深刻社会意义的作品。
在油画方面，德国画家奥托·纳格尔(OttoNagel，1894—1967)表现战斗无产阶级的形象，也很突出。
出生在瑞士、长期在法国活动的斯丹伦(AlexandreSteinlen，1859—1923)以真挚的感情、朴实无华的语言描绘普通劳动人民的生活。更可贵的是，他的一些作品描绘了法国无产者的斗争，如石版画《罢工》、《解放者》等。他的宣传画《巴黎公社万岁》、《街》等有强烈的社会效果和艺术感染力。
巴尔蒂斯——一生从未参加任何派别和社团，他的早期洁净和室内景写实而含有魔幻的气氛，受早期文艺复兴、早期现代主义和超现实主义的影响，并将其融合。后期作品更加关注人和人的内心世界，色彩丰富、亮丽。细致地解释人物，特别是青年的隐蔽复杂的心理状态。
英国美术界最出色的现实主义画家布伦格温(FrankBrang-wyn，1867—1956)，以表现工人生活见长，他的铜版组画描写了第一次世界大战期间人们的灾难。英国的“尤斯顿大道画派”的青年画家们，也常常以工人区的生活为题材。
第二次世界大战之后，英国还出现了一个社会现实主义的派别，它被称作“厨房里的污水槽派”，作品主要反映日常生活。英国的G·萨瑟兰是现代著名的写实主义肖像画家。
卢希斯·弗洛伊德——他是精神分析学家弗洛伊德的孙子。他以冷静和理智的眼光观察和分析现象，主要描绘周围亲近人物的裸体形态，线条清晰，有丰富的肌理效果。人物形象有个性特征。他创造的人物似摄影的特写镜头，但充满了绘画艺术的魅力。
1937年意大利进步的现实主义艺术家们在米兰创建了《科林特》杂志，参加的有穆奇、古图索、曼苏等。古图索(ReAnatoGuttuso，1912— )和穆基(Gabriele Mucchi，1899—)是意大利新现实主义的代表人物。意共党员古图索在1947年与一群艺术家组织“新美术战线”。50年代的代表作品有表现抵抗运动的油画《阿尔拉里奥大桥战役》、《审讯》。60年代的油画《讨论》、《街景》、《墙报—1968年5月》，内容有强烈的现实性，形式上很有现代感。1972年创作的油画《陶里亚蒂的葬礼》，把现实和幻想的场景交织在一起，是现实主义语言探索的新成果。穆基的油画有《正在休息的渔民》、《布拉格起义》等。安尼戈尼(PietroAnnigoni，1910年生)也是当代意大利著名的写实主义画家。
继承现实主义传统的比利时画家麦绥莱勒(FransMasereel，1889—1972)才思敏捷，创作精力极其旺盛，且勇于探索新形式。他创作的木刻组画《一个人的受难》、《我的忏悔》、《光明的追求》、《一件惨案》、《灵感》、《城市》以及《从黑到白》等，都是二十世纪版画史上值得推崇的作品。
新现实主义
第二次世界大战前后，在欧洲美术界兴起“新现实主义”运动。参加这个运动的艺术家大多是反法西斯战争中有经验的、革命政党的成员。他们要求艺术家用新的现实主义的语言来反映生活，推动人民斗争的事业。
在法国这个运动的主要代表人物有富热隆和塔斯利茨基。五十年代是富热隆(AndréFougeron，1913—)的创作盛期，他创作了大型油彩和素描组画《矿乡》、《制干酪的女工》、《睡着的奴柰》、《巴黎画派》等。60—70年代，一系列表现法国政治生活中重要事件的作品，也颇有特色。波利斯·塔斯利茨基的绘画风格受表现主义影响，他主要表现人民的英雄、工人和其他劳动者的生活。第二次世界大战之后，法国出现了描绘战争灾难和人民悲惨生活的现实主义作品，通常被称作“悲惨的现实主义”。代表人物是弗朗西斯·格鲁别尔和贝那尔·毕费。60—70年代，在法国画坛上活跃的、值得注意的现实主义画家还有阿罗约、奎柯、阿佑、皮农-恩斯特。
现实主义和现代主义的关系
现实主义与现代主义是现代文艺思潮的两大派别。它们互相对立，又互相补充，推进世界美术取得更大的繁荣。有人以为现代美术思潮的发展趋势是现代主义取代现实主义，这种看法是片面的。尽管现实主义在本世纪受到了现代派的猛烈冲击，尽管它的内部产生了复杂的派系，尽管部分现实主义画家受到了机械唯物主义和庸俗社会学的影响，它仍然广泛而深刻地反映着现实生活并不断充实和丰富着自己的表现语言。现实主义的美术内容贴近现实生活，语言通俗易懂，是有旺盛的生命力和光明的前途的。现代主义也在不断的演变发展中，向更高级的阶段迈进。
