刘文生，1956年生于天津。1976年任天津工艺美术学校中国画教师。1986年毕业于天津美术学院中国画系，获硕士学位并留校任教。1990年赴日本留学，1994年于日本筑波大学大学院日本画专业毕业，获硕士学位。在日本期间曾于筑波、东京、大阪、仙台、福岛、琦玉、九州、横滨等地多次举办个人画展。2004年归国。2005年，作品入选中国中青年艺术家精品展；2009年，《紫藤》获天津市美展银奖，并入选第11届全国美展；2014年，《清气》入选第12届全国美展。现为中国美术家协会会员，天津市美术家协会理事，天津美术学院中国画系教授、硕士生导师。
作品欣赏
荷花
深秋
鸡冠花
写意的抽象性
□刘文生
写意花鸟画最初是以一种不尽物象为目标的表现形式和一种简练概括的笔墨技巧来完成画面的。在某种意义上讲，其已具备了写意抽象性的特征。这或许是写意的最初本意。
写意的本意
写意花鸟画盛于明清，延续至今。其最初的创意无可非议，就是以物抒情，草草不求形似。先辈画家们将写意花鸟画技法逐步完善，形成了一种特定的表现程式。在没有能力超越这一程式之前，该程式就成为了花鸟画创作的一把标尺；而这种被人们认知的程式，又是写意创作的一个误区，使人们忘却了写意的本意，忘却了在此以外还有很多艺术创作的天地。
19世纪以前，西方基本遵循古典主义画风，后来出现了“印象派”，再后来又开拓出抽象绘画的新空间。中国的宋画就是在平面无背景的抽象空间中极尽对物态的描绘。其后写意画逐渐兴起，至明清时期已经很难再找到能够写实的工笔画高手了。以八大山人为代表的写意花鸟画随着时代的变迁不断完善，形成独特面貌，影响了后来的许多写意花鸟画画家，从而被人们所熟悉与认知，逐渐形成新的模式。自现代教育家徐悲鸿留欧以后，一种新的写实画风才改变了中国画坛。
在写意花鸟画中最常见的如竹子、梅花、荷花等，似乎都具有象征意义。我们在读画的时候，其画得像与不像已微不足道，而是把大部分精力转向了对画中用笔与用墨、构图与意境及情趣的欣赏上。可见，写意画的本意早已偏离了写实的层次，而是以一种独有的绘画语言在感染着我们。这既是写意画画家的内在追求，也是写意画最初的本意。
笔墨独立的可能性
写意画的用笔用墨形式早已超出了写实的范畴，其浓淡、干湿的表现本身已经离具象的物态很远了，具有一种相对独立的形式美感。这就给画家将笔墨进行抽象的组合带来了便利的基础，而抽象的表现空间也可以更开放、更广阔、更自由。这种广阔、自由的艺术表现形式正是当今画家不断追求的新目标，而用笔、用墨的技巧又是这一目标的艺术语言，是构成的基础。这种新组合使抽象笔墨的独立表现成为可能。
一根线条，在失去物象后仍能展现出独立的用笔趣味，浓淡、干湿的墨色变化在巧妙的组合之后也会呈现出无穷的韵味。单纯的笔墨可以表现出强烈与刚劲，也可以表现出平静与优雅；既可以诉说心中的苦涩，也可以表现欢快与喜乐。而抽象更单纯，更讲形式与构成，没有了形体的约束，在艺术语言的表达上也更直接。这就是抽象画的艺术魅力。
任何一幅写意画作品都不可能重复再现，即便是画家本人也无法复制。因为写意画的创作存在一定的偶然性。写意的表现是“笔笔生发”，根据第一笔去画第二笔，根据已画的部分再画后面内容，永远是加法形式，没有修改的可能性。这是在宣纸上画水墨写意的弱点，也是这一画种最大的难度；但水墨的偶然性反过来也增加了作品的艺术趣味，使之更加不可多得。写意画的偶然性同时意味着一种潜在的抽象。
笔墨的形式运用是完成作品的手段与技法，是不可缺少的艺术语言功力。那么作品的开始则是源于画家的灵感。一幅作品的完成，一定是由于画家从生活中得到了某种启示。这种启示是画家内心的、思想性的表白，也可以说是画家作画的一个兴奋点。画家在建立起与生活感受的沟通后付诸创作，在表现时常常用象征、虚拟、寓意等手法来完成，往往具有不确定性。由此可以看出，这种心灵感受的表现也具有一定的抽象性。
写意画中充满了激情。世界上可能没有哪一个画种能比水墨画更简练了——墨中加一点赭石或花青，即可以完成一幅作品。而作品完成之快也令人叹为观止。正是这一特殊的表现形式，使得写意画在表现激情与感受时最直接、最简洁。作画的人痛快，看画的人也心情舒畅，这大概也是写意画自兴起以后至今不衰的一个原因。
绿葫芦
抽象构成的形式
我羡慕那些抽象画家的作品。纯抽象作品是画家胆识与魄力的表现，是其对艺术真诚与执着的追求。在尚未完成那种单纯的追求之前，我更喜欢把两者相结合，即游离于抽象与具象之间。抽象给作品带来了无限的想象空间，而具象能把这一无边的空间设定在一定范围内。这个范围就是我内心的一种情性、一个明确的心境。
我的作品《水韵》，是以单纯水墨形式画的荷花。大自然的水孕育出了“濯清涟而不妖”的荷花，我多以水与墨的交融表现出墨气的韵味。荷花偏具象，而在荷花以外完全没有任何具象的思考，全以抽象的形式表现——干裂线条与浓淡水墨组合，自然形成了一种不确定的形式。这种不确定的形式使观者离开了单纯对荷花的欣赏，而更多转向对水墨韵味的品评。这是背景式的抽象构成形式，展现了写意画特有的抽象美。
水韵
如果说《水韵》还偏于具象，那么《逝》则近似于全抽象。《逝》由两大块组成，前面强烈后面稍弱，重笔焦墨达到了极重、极强，下部几处干笔重墨使焦墨不孤立存在，然后用淡赭墨的大水冲出一种流动感。在极强与极弱的对比中，自然组合成了抽象的形体，没有具体形的约束，单纯地表现了笔的力量与墨的韵味。画面的整体分割也是简约明了的，并没有对具象景物的刻画。一只飞鸟为这幅画规定了空间，使抽象的、不确定的笔墨形式似乎变为了某种物体，分出了天与地的界限。飞鸟的表现具化了画的意境，把一个瞬间凝固为永恒。抽象的部分变为静止，有生命力的飞鸟更强调一种动的感觉，一动一静的对比也为画面增添了生机。画面欲求表现一种抽象的意境，即“一瞬即逝”的感觉，希望人们更加热爱生活、珍惜生命，珍惜我们的每一天。
逝
抽象构成形式充分体现出其在写意画中的存在意义，同时也为写意画提供了一种延伸与扩展。这种抽象的艺术语言已不再是对某一具体物的说明，而是单纯的画面语言。它超出了简单的俗成概念，而是一种更广泛的艺术形式。艺术的表现应该是无拘无束、可以自由展开的。
灰喜鹊
事实上，对于艺术表现形式上的约束并不存在；但具体到每一位画家，就会显现出自身能力的局限。这种对写意抽象性的理解与认知，或许能使我们在无约束的情况下更充分地展开画面。
紫藤
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