“基本配器十原则”一、音色无好坏，运用有优劣。慎重选择演奏主要旋律的乐器音色，有其是主题的初次陈述，做到风格、性格、情绪或形象恰如其分，非他莫属。二、“音色保留”有利于特定音色出现时的新鲜感。所谓音色保留，指当你需要一个重要的音色陈述一个重要的旋律片断时，其前面的配器应尽可能少用或不用该音色的乐器。如休止几小节或一个小段落，即故意“藏匿”一会，再露面时，常有“容光焕发“的效果。三、“音区保留”是突出旋律的有效方法。所谓音区保留，指当主要旋律声部处于低音区或中音区时，要给他留出不受干扰的活动空间，其他织体因素最好不要在此音区出入。四、和声节奏宜宽不宜紧。乐队曲中和声节奏的通常以宽为主，效果会更好些。比如一个乐句，或配一个和弦，或配两个和弦，切忌和弦变换的频率过快，以致和声音响混乱。五、“上秘下疏中不空”是和弦排列的基本原则。要注意低音区用密集的排列、中音区空洞无声部。特别是在配置音区分布较宽的全洲和弦时，遵循上秘下疏中不空的原则，才可获得均衡的有良好共鸣的音响效果。六、重视“乐队踏板音”的使用。当音乐织体中和声音型程分解和弦形态并由多件乐器分别演奏时，若选择音色融合性较强的乐器以长音的形式予以支持，可避免乐队音响的干涩。这种做法有如钢琴演奏时延音踏板的效果。七、乐队织体的清晰依赖各要素之间的对比。注意把握织体内部旋律与其他因素（如伴奏、陪衬等）之间在音色、音区、力度、形态等方面的对比。有对比才易发挥不同要素各自的功能，取得相得益彰的效果。要素之间缺乏对比的织体，其音响很可能是混成一团的。八、乐队音响的涨落要与乐器的进入和退出联系起来。当需要乐队音响逐步增长时，应随着乐器的渐次进入，使音区不断扩张、织体逐步加厚反之，当需要乐队音响逐步消退时，应使乐器渐次退出，织体逐步变淡、变薄、稀疏。那种仅仅依赖力度符号的改变依赖演奏上强弱变化来获得乐队音响涨落的做法，往往是徒劳的。九、慎用齐奏和全奏。总谱不可写得太满注意“留白”。这是“保护”各种音色鲜明个性的最好办法。配器中运用不同的乐器，有如绘画中使用不同的颜色。红、黄、兰三原色，单独使用，对比鲜明。红黄混合成橙色，黄兰混合成绿色，也很有特点。但如果不分青红皂白，将所有颜色混合在一起，即成为灰色。同理，乐队中的乐器音色各异，齐奏全奏过多，总谱写得太满，甚至所有乐器从头到尾不间断地使用，给人的感觉是灰调子，无变化，无个性，缺乏表现力。十、力求每一个声部都生动流畅有趣味。不论主旋律声部、副旋律声部、和声低音以及和声内声部都应力求生动流畅有趣味，千万避免某一声部长时间无变化的枯燥乏味的写法。=======================================================================[推荐]简易的管弦乐配器法配器法[推荐]简易的管弦乐配器法配器法为什么有的作曲或配器的人有很好的创作理念、也听过很多类别世界各地的优秀音乐作品、也会玩一手不错的乐器、也参加过很多演出活动、也对各种现代和传统的音乐有自己独特的看法、也有一套不错的音乐制作设备、也制作过不少的音乐作品......常常有些配器做的很细、作的也很内行、全都很合乎逻辑...... 但是听起来却非常枯燥无味，只求相当响亮和相当清晰......这就是作曲或配器的人对器乐作品的“色彩”抱漠不关心的态度。有的朋友认为∶（MIDI同真乐队是不同的......为什么XXX大师的作品那么NB......？）除了后期技术的处理（缩混大师和母带大师）前期的关键就是作品和配器......就像kinghand 文章所说∶新世纪最大的谎言：“我们会在作mastering的时候修正所有的问题” 。小型配器中的乐器结合我们常常可以看到，有许多配器结合往往是管乐器的音色占优势，弦乐器在很大程度上都被溶化到管乐器的音色里。我举一些最普通的情况∶1∶小提琴声部，如果同二支Ob在最富持色的中低音区同度结合，只会使Ob的音色更富于轫性和稍柔和一些而已，不会改变后者的音色。2∶单簧管与大管同度结合，在用中提琴加以重叠时，可以得到比较流动的音色，并且稍带暗淡的色调。3∶小提琴相隔八度的分奏，重叠二个双簧管和二个长笛八度演奏，可以使后者的音色变得非常柔和。以上例子大家可以在做MIDI的时候进行试用，听一听有什么不同...了.要知后一课......下回分解。同类管乐器的同度结合为了比较系统地论述同类乐器的同度结合起见，以下都从乐队的三个应用音域来谈这种结会合∶低音区、中音区、高音区。1∶低音区从A2-B2--C2∶中音区从C--C23∶高音区从C2--更高的在小字4--5组的所谓最高音1∶低音区小型管弦乐队配器只有大管或法号可做同类管乐器的结合，二个成三个大管在低音区同度结合可以发出美妙的浑厚的音色。所得出的音色厚实、严峻，但有些粗糙。二个法国号在低音区的同度结合也是配器法中同样有趣的手法。在弱时他们的声音柔和迷人，很象管风琴的低音。四个法国号齐奏可以形成浑厚、丝绒般柔和的音色。法国号的发音有些慢吞吞地，这在低音区特别显著，用它演奏大提琴味的乐句会发出沙哑的、非常笨拙的音响，因而刻划出一幅漫画般的形象。2∶中音区几支长笛在低音区的同度结合发音虽然冷冰冰的、但很柔和而带有几分神奇的色彩。这里用来表现苦闷、淡漠、一种象石头般沉重的忧郁交织的感情是再好不过了。如果只用一支长笛，那不仅音量不够，而且在表现上也不合适。三支长笛会发出厚实、抽象而冷漠的音色，充满了言语难以形容的复杂感情。四支长笛齐奏显得特别神秘和阴沉。三支单簧管的齐奏发出均衡而冷冰、刚强、灵活的音色，效果是惊人的。3∶高音区在这个音区可以有长笛的、双簧管的、单簧管的结合。二支长笛同度结合通常是加强在高音区的旋律，最常见的情况是二个八度平行陈述......几友双簧管在高音区齐奏相当罕见，因为在高音区音色干巴巴的......有点象唢呐。单簧管三支在高音区齐奏就不同了，会发出强烈的声音。非同类管乐器的同度结合大家在做MIDI的时候，一定要注意∶三个音区都可供非同类管乐器的同度结合，只有高音区小字四组和低于B2音的低音区例外......非同类结合的目的是∶1、加强织体中某一声部的声音，由于补充了有比较强烈和鲜明音色的乐器使该声部的声音加强了。2、软化音色，把音色柔和的乐器附加到音色强烈的乐器上。3、造成特殊的色彩，混合不同的音色以形成与纯音色迥然不同的新音色。以上所举的原因，归根结底是得出所谓“复杂”的新音色，但在MIDI制作中，复杂音色都起特殊表现作用。在某些情况下，配器者只需要达到加强或软化旋律的音响，另外就是配器者从音乐刻划出发，探求独特的音色做为富于个性的表现因素......因为∶“色彩”揭示了配器的主题性质。上述前一种情况下，形成“复杂”音色的纯音色在某种范围内可以用其它纯音色来替换、好象是一种变奏。而后一种情况下，丝毫不能替换，因为∶改变“复杂”音色的组合就会引起配器性质的改变。在任何情况下都必须明确自己根据“乐思”的深刻了解而产生的意图。待续......两种不同音色的管乐器的同度结合1、在制作MIDI的低音区大管+低音单簧管 ，在速度中庸的配器进行中音色真是其妙无比。 大管+法国号 ，在配器中给人以柔和松软的印象、飘飘然的感觉。低音单簧管+法国号，配器中带有冷冰冰的、严峻的色彩，但需要在非常清澈、轻盈和稳定时很适用。以上的配合在MIDI制作中是很自然很有效果的。2、在制作MIDI的中音区大管+单簧管，一般会形成比较安溢、宽广柔和的音响。单簧管+法国号，给人以比较阴晦、严肃的印象。法国号带弱音器，在PP时会带有纤细和稍泛银光的色彩。小号的低音区同单簧管的音色结合，使小号的音响更缜密而富于轫性、减弱了小号特有的金属味、音色柔和而浑厚。3、在制作MIDI的高音区在高音区除了上举的结合，管乐器和小号的结合很常见十，从小字二组到C2都可做结合。============================================================让你音乐生动的10个技巧!让你的音乐更生动的１０个技巧 让你制作的音乐变得更生动，在某些时候是比较困难的（比如制作一首纯粹的MIDI音乐），但并不是做不到。如果需要，我们可以通过录音来解决某些乐器的演奏，但是并不是每个人都有能力、或者每首音乐都必须用录音来解决，所以掌握一定的方法来解决音乐的人性化是必要的，它可以让我们为MIDI音乐增加一些鲜亮的色彩。下面根据我这几年里制作音乐的一点点体会总结了一下，来和大家交流。欢迎指正。 注意力度变化 我曾经用鼠标“做”了一年的音乐。有一天感觉到音乐有什么不对劲的地方，仔细一想，是力度。弹键盘的人可能不会深刻地体会到力度的重要性。可是只要你用鼠标做过一首MIDI，你就可以理解力度对于表现音乐是多么的重要。它可以是情绪的起伏，可以是紧张度的强弱，或者是音色的色彩的明暗。没有力度，就好像你看到一个人的脸上没有表情一样的不舒服。注解:在MIDI制作中,做到精准的力度控制,很方便,但也很难,因为要做到"人性化",很是需要很费力气的 了解传统乐器的演奏技法 传统声学乐器和现代合成器音色的最大不同，是几乎每种乐器都有它自己的一种或者多种演奏技法，比如吉他的点弦、贝司的击勾弦、扬琴的震音、琵琶的轮指、小号的滑音、弦乐的颤音等等。如果你想通过MIDI来表现某种音色，一定要注意它有哪些演奏技法。同时要掌握用MIDI来实现这些演奏技法的方法。注解:这个一定要注意,特别是做MIDI的朋友,一定要注意...由于MIDI中不会考虑到人的生理等特点,所以可能做出一些"非常规"的音乐,比如你可以用"大号"一连吹他几个小节,这在现实中是不可能的! 控制量化强度 量化可以解决你在弹奏键盘时，音符不能与小节线完全对齐的问题。但是量化是把双刃剑，如果你把音乐中的每一轨都进行100％强度的量化，你会感觉到音乐非常地刻板。如何解决呢？第一，如果你的键盘水平比较高，可以尽量不用量化，对于弹不准的地方多弹两遍也就解决了；第二，如果你的键盘水平一般，可以在进行量化时减小强度，把100％改成50％。这样可以让音符对得不至于太整齐，同时还能保持演奏的感觉。注解:不要把拍子卡得特别死,事实上,最优秀的乐手,在演奏的时候,也会在节奏上有所偏差,所以,要适当的进行"量化",不要过于精细! 变通地使用LOOP素材 LOOP素材现在应用得非常普遍。好处不用多说了。但是我们经常会在听到LOOP的时候产生一种有点古板的感觉，尤其是某些一小节的节奏从头到尾一成不变的时候。我们可以通过剪裁、拼贴等方式对这一小节的LOOP进行变化，让它至少是两个小节之内不重复，那节奏感觉就会新鲜很多。另外在段落过渡的时候加以变化，或者是使用一些FILLS来填充，效果会更好。注解:使用LOOP现在已经很普遍了,其实这个东西像隔行如隔山.不知道的人,一听,感觉挺牛B,其实,用过的人都知道很简单.像李延亮在他的前两张专辑,就用了大量的LOOP节奏...这些LOOP节奏大部分来源于一个叫ACID的软件 掌握编曲技巧 注意和声节奏是否符合歌曲的内在节奏感觉，而不是南辕北辙；对位处理是否能相辅相成，而不是互相冲突；复调旋律是否与主旋律水乳交融，而不是抢占风头；所有乐器的音域是否层次分明，而不是掺杂不清等等之类的编曲方面的问题，也可能让你的音乐的人性化因素被编曲所湮没。注解:这个你需要去系统的学一下复调音乐的创作,因为如果不掌握那些基本方法,就很难避免以上所说的问题 使用动态音色 比如让一个滚钗的声音在渐强的时候同时产生声相的变化，就会马上让这个音色跳出来；比如一个加载了Filter过滤效果器的音色会随着时间的延长，而产生频率和/或相位的变化，从而使这个音乐有了新鲜的感觉；比如给一个MIDI吉他音色使用Key Aftertouch Controller(触后控制器)，让它产生泛音因而更显得真实等等，使用之妙，存乎一心，大家细心体会吧。 注解:比如桶桶鼓的声音,我们一般听到的是从左至右,或从右至左 善用音效 音效，多是指自然状态中的声音效果，比如：流水声、鸟鸣声、欢呼声、铃声、电流声，甚至是其它音乐作品，等等。根据你的音乐加入相应的音效，会让音乐有一种临场感，从而更容易带你进入音乐的意境中。比如给一首感伤的流行音乐加入一个打电话打不通，出现女声提示音的音效，会让人更深刻地感觉到感伤的情绪。注解:音效不是音乐的主体,但是可以增强音乐的感染力,而且,在某些用音乐无法诠释的地方,用一些音效则效果好很多 善用伴唱 伴唱多是以和声为基础为演唱增加和谐元素。好的伴唱可以不用增加太多伴奏乐器/音色，而让音乐的整体效果变得很丰满，很生动。我们经常可以听到一些R n?B风格的歌曲，伴奏非常简单，而伴唱设计得很巧妙，为音乐增色不少。你能想象一首R n?B风格的歌曲没有伴唱是什么样子吗？注解:一句话"人多力量大",但要善于运用这些东西,不要强加,也不要滥用...要画龙点睛 善用效果器 这几年里，众多软件制作公司开发出来了若干支持DX和VST的效果器，比如大家最常见的Waves、TC Native Bundle等等，这些软件插件为音乐提供、扩展、增强了许多的表现力。熟练使用这些效果器，以及可以动态进行效果调制的Automation功能，可以让音乐变化多端，异彩纷呈。如果你喜欢电子音乐，尤其要多注意效果器方面的使用。注解:这个和音效有类似.... OK，介绍完了——什么？才9个技巧，不够10个？ 这个，这个，大家记得有个“七种武器”的故事吧？有个武林高手擅使七种武器，可是他随身带的只有六种武器，最后一种是什么呢？是拳头！ 你明白了吗？这第10个技巧，是你自己的脑袋，如果你不习惯自己去思考问题，自己去解决问题，那我告诉你再多的技巧，也是不够用的。====================================================================[转贴]编曲配器的四个层次来源:网上作者:吴少东传统乐器法及配器常识自古以来不知有多少音乐理论家写过无数的书籍资料进行了详细的论述,在这里我们大可不必多说了,作为一名专职的个人音乐作坊主,我主要想对电脑音乐的配器法作一点简要介绍.目前的电脑音乐制作者大多使用固有的音源,虽然有自制采样音色的,但其音色来源大多还是以传统声学乐器的音色为摹本,因此,再配器方面前人的经验和理论完全可以参照学习.但电脑音乐制作所用的音源音色品质差异较大,所以我只对一般的音乐配器法则作一个简单的介绍以供大家参考.一首完整的器乐合奏(包括伴奏音乐)应该包括以下几个最基本的织体层次:1.旋律层 2.和声节奏层 3.低音层 4.噪音层.下面我对各个层次分别作简要介绍。1、旋律层这是每一首乐曲最先被别人听到的层次,他是全曲的灵魂所在,旋律不同于其他层次,具有可歌唱性,亲切而鲜明.各种乐音乐器均可用于旋律的演奏.这个层次还可扩展出副旋律层,第二副旋律等等.请听这个例子(例1),大家可以听到的就是主旋律,接着我们单独听一下主旋律和副旋律,(例2主旋律) (例3副旋律)。2、和声节奏层这是用某些乐器组或和声性乐器以恰当的和弦进行的方式,按音乐的律动规律衬托旋律的层次.和声的律动节奏型十分灵活,有柱式和弦(例4);半分解和弦(例 5);分解和弦(例6);综合型(例7)等等(以上例子均用钢琴作和声乐器演奏),这个层次既是音乐节拍律动的交待,又是调式调性的交待,同时还用来衬托音乐个性化的背景.请听(例8弦乐和声背景) (例9铜管乐舞蹈性节奏) (例10竖琴的分解和弦背景)。3、低音层与和声节奏层一样低音层也是乐曲中非常重要的角色,没有好的低音的音乐是不完整的和单调的.主要的低音乐器除了传统的如Bass,Tuba,Basson 等,在各种音源中还有许多合成音色,这些音色无论作和声节奏也好还是作低音也好都有传统乐器所不及的地方,这有待同志们去开发利用.但我也劝大家,低音层在以往种被人们忽视,仔细听一下,没有哪首好的乐曲不是低音设计得非常细致的.他既要体现每一个和弦的功能,同时低音的连接本身就是一段好听的旋律.,在作曲的过程当中我们还要注重低音的连贯性和旋律性.请对比一下例11只有和弦根音的低音); (例12带有节奏感的低音); (例13旋律性更强的低音).可以很容易听出来最后一种低音的旋律,音乐更富流动感。4、噪音层这是由一些非乐音成分组成的,如打击月,风声,鸟鸣声等,他们虽然在乐曲中不是主导地位,但对于音乐风格的展现和个性的表达起到了不可抹煞的作用.但也应该注意到,电子乐器和音源的使用使得噪音的运用变得空前的方便和简单,固不要忍不住就乱用,用得恰当可以使音乐陈述更加有力,用得不当只会适得其反。=====================================================================设 置 乐 队鲁佩特承认他的设备可能比别人差，但是他在此基础上很好的组织自己的虚拟乐队。写作时他总要先写出主题，想好怎样发展的计划。“然后花两天或三天在挑选和准备着一段工作期间（大约六至八周）需要使用的声音。前面的三天很重要，因为我要腾出内存空间载入音色。例如我为一个动作较少，温和的爱情故事工作，就可以删除一些长号的断奏采样，代之以更富于表情的音色。”“最重要的事情是知道弦乐器的弓有许多不同的运用，我总是准备好各种发音的音色：没有延长音的分弓、拨弦、碎弓（tremolo）、trill、弱音器、连弓奏法等。我的样本来自不同的音色库，有Denny Haeger和Miroslav Vituos制作的，也有少量是我自己采样的。“我发现关键的事情是组织声音。我使用的音色最少有3个力度层次，有时甚至4或5层。我在一个采样音色中安排P，mP，F，FF等不同力度的样本。通常用“力度开关”进行切换，例如非常轻地弹一个键时出现的是P力度的音色，重一点弹出现mF。而我用11号表情控制器做强弱变化。”[图1]鲁佩特设置成弹下一个键4个样本同时发声，而且他把11号表情控制器分配到调制轮。当调制轮转到0的位置，最弱的样本发声，推上一些就换成mP的样本，如此类推，决定于MIDI音量，但有区别于整轨的音量，发音的效果就象演奏家使用了更多的弓。这一方法演奏带渐强渐弱的连音（legato）乐句非常好。如果你手头的采样有限，甚至可以用编辑的方法改变音头和滤波器截止频率制作出有差异的新音色。我有时使用这一方法制作出弦乐用弓尖和弓根演奏的不同音色。虚拟乐队另外一件重要的事情是声像。想象你站在指挥台上，左面靠前是小提琴，圆号在他们后面，木管在中间，中提琴和大提琴在你右面，贝司在它们后面，打击乐在所有声部的后面。如果这样安排声像，就可以使所有的乐器各得其所，听起来很自然。我在采样器中设置声像，因为我的调音台没有许多输入。我使用混响器解决深度感觉，带有多重音频输出口的采样机优点之一就是可以把不同的样本分别送往不同的混响器。如果你把小鼓和弦乐加上相同的混响，小鼓就跑到跟前来了，听起来不可信。利用混响把小鼓推得远一些才符合实际。创 作 总 谱为了得到对于每一乐句的时间和表情的最大控制，鲁佩特为他准备使用的各种发音特性各自建立一条音轨。[图2]“要花一点时间将它们混合起来，”鲁佩特说，“特别是用采样机制作连音的乐句总是非常困难，它们的发音往往落在后面。我量化这些乐句以后将它们往前提，使发音与拍子相符。然后我加长音符的时值，使他们互相有一点点重叠。”[图2]一旦这些轨做好，就可以录入了。如果这是一个经过句，我可以用一只手演奏，同时操纵调制轮管理表情。经常先演奏第一小提琴，然后转到编辑页，编辑力度和控制器数据直到满意。有时为了更好的音量和表情需要返工。他并不一般的反对量化，“有些人以为量化会导致机械化，但我使用量化。如果你制作一条大乐队音轨，基本都是marcato分弓和各类打击乐，作过量化就非常漂亮，象真的一样。但是如果你修改过音符的开始时间，就不能再量化了。或者你量化了某些声部，结果它们跟其他声部错开来，就麻烦了。所以我先作量化，然后做调整，甚至有意移动一些音符，使音乐跟人性化。有的作曲家不作量化，例如Gavin Greenway就是一个。他对音乐的要求很高，全部都实时演奏，完全不量化，因此他也就不能用拷和贴的编辑。他的作品非常音乐化，非常漂亮。但是说实在的，量化是件好东西，能节省不少劳动，关键看你怎样用它。关于弦乐演奏，鲁贝特说：“他们演奏一个音符，尽管谱子要求整个音都是F力度，但你将发现实际上在将近结束处有一个小的渐弱。要想不出现渐弱，除非作曲家写上渐强。所以与其始终把音量打到127，不如学提琴家们在音符结束处作一个渐弱，音乐听起来更逼真。要多想一想真实的乐器是怎样演奏的。”如果受到有限的MIDI器材的局限该怎么办？鲁贝特说：“如果你不能买成堆的采样器，仍然可以靠配器的手法获得好的结果。比如你想突出大提琴的旋律，但你的采样器中没有更多的大提琴音色了，这时你可以用其他乐器如巴松或圆号给大提琴加倍，事实上它们也经常一同演奏。传统乐队配器中大提琴不常与双簧管齐奏，你也别指望这样来加强大提琴。如果你的小提琴声音发假，可以用长笛在同度或高八度上齐奏，或者用黑管在低八度上齐奏，声音将传得更远，虚假的小提琴声将被掩盖。但是我配器最大的诀窍是多听肖斯塔科维奇，向大师学习。虽然他不懂MIDI，但是他懂配器。无论MIDI制作还是为真实乐队写作，你都能从倾听和学习中受益无穷。钢琴谱变成管弦乐谱的捷径△准备好键盘输入的音序△如果音序器允许，设置与演奏的速度和节拍相符的速度和指挥轨。如果不允许，在音序中录进节拍机拍点。△手头准备一本配器书，可以随时查看各种乐器的音域。△慢节奏和简单的左手部分正好分配给巴松，大提琴和贝斯。把左手部分拷贝后贴到这些轨中。△打开这些新音轨的编辑窗，删除高于乐器音域的音符，调整力度使发音比较理想。△删除钢琴谱中已经拷贝过的低音。△比如你右手大拇指演奏的中音区旋律，你计划用英国管演奏它。拷贝整个右手声部到英国管轨，留下大拇指演奏的旋律，其余全部删除。然后调整力度和音量，使它听起来自然些。弦乐组的色彩手段：在管弦乐队的配器中，弦乐组是基础，他的色彩手段有：——弦乐的拨弦（Pizz）弦乐器的拨弦发音短促，尤其在他的高音区，音色发干，音响共鸣小，而中低音区的音色却非常结实，浑厚，共鸣好。弦乐器拨弦有以下几种结合形式：1：拨弦与拉弦相结合，这种形式多用在大提琴和倍大提琴上，一般是倍大提琴的拨弦重复大提琴演奏的旋律从而达到使大提琴的旋律线条清晰节奏明快的目的。在高音弦乐器上也可以用一部分乐器拨弦与另一部分乐器的拉奏相结合，一加强旋律的轻快，明朗感。2：拨弦乐器有木管长音相结合会使音响清脆明亮，先敲击小钟一般，拨弦与长音的重复可以采用声部完全或不完全的重叠形式，也可以采用在不同音层上重叠的形试。3：有拨弦可以模拟民间乐器。——弓杆击奏法（Col Legno）他的音响干涩刺耳，这种方法用的不多，有的时候可以产生一种恐怖的音响：将拉弦奏法，拨弦奏法及弓杆击奏法结合，粗糙干枯的音响给人一种生硬，冷酷，目无一切的音乐形象。——*琴马奏法（Sul ponticello）这样的奏法音色粗糙，沙哑，缺乏光彩和优美的音响。——使用弱音器（Con Sord）弦乐加了弱音器后，是优美明亮的音色变得暗淡而朦胧，有蒙上一层纱的感觉，给人一种忧闷而神秘的感觉。——泛音奏法泛音的音响清晰，音色飘渺似笛声，利用泛音一方面可以扩大乐队的音域，还可以表现宁静，遥远的意境。——独奏的应用（Solo）在乐队中，弦乐器独奏有三种表现意义，1：为了突出具有独特风格的，并有高度演奏技巧的乐句，2：独奏与乐队的全奏达到具有鲜明的音响对比，3：为了完成某一音乐形象的刻划。使用独奏应当注意独奏乐句与伴奏声部在音区，音色上的关系以及各种乐器的配合，选择等。一般情况下，当独奏乐器出现时，铜管乐器最好要避免，伴奏织体在音区上应远离独奏声部。——分部奏（div.）弦乐组分部奏以后，可以独立成为一个完整的纯音色织体结构，利用弦乐的分部奏可以创造出光彩夺目，变换无穷的管弦音响色彩。木管组的色彩手段： 木管组的每一件乐器在音响色彩上是各不相同的，总的来说，长笛有明朗，活跃，悠扬的特点，双簧管富有歌唱性或田园风格的特点，单簧管的灵活性与强弱对比变化能产生戏剧性的效果，大管具备诙谐而富于弹跳性的能力，要充分利用木管乐器这些表现能力，利用他们不同的音响色调，在创作中组织各种音响关系，产生出丰富多样的管弦色彩。——跳跃性的对照：他是木管乐器的一大特点，因为跳跃的音程对于木管乐器吹奏来讲是比较稳定可*的，不同音区又有不同的音色变化，这是弦乐和铜管不能相比的。——色彩性的和弦变换：组的和声变换达到音响色彩的变化，这也是木管乐器的典型手法——色彩性的八度奏：相隔几个八度所造成的中空效果（比如短笛与大管），表现山谷空旷的形象是很有效的，有时也用这种手法表现神秘的色彩。——音色的模仿与回声：在不同乐器，不同音区之间进行（比如：大管独奏，长笛进行模仿或单簧管在中低音区演奏，长笛在高音区模仿）。另外利用圆号的堵塞音方法，可以形成遥远的回响效果。——木管乐器模拟弦乐的拨弦：这种方法可以使旋律线条更加清晰，因木管组增长了弦乐曲调的活跃性格，拨弦是线条更富于棱角，这是常用的一种手法。——音色造型利用木管乐器模拟大自然中的音色，音响，如：鸟叫，暴风雨及民间乐器等。铜管乐组的色彩手段：铜管乐器基本上只有两种色彩手法，即弱音法（Con Sord）和滑奏法（gliss）。铜管的弱音手法可以创造出紧张，恐怖不安的情绪，但是要注意，这些手法不可用得过多，这会使人感到厌倦。 用MIDAI制作管弦乐队和MIDI流行音乐制作完全不同。简单的说，流行音乐MIDI强调4大件（鼓、吉他、倍司、键盘），再加点色彩乐器即可完成一个满不错的MIDI伴奏带。因为，这4大件的传统演奏法（很有流动感，并有个性）。年轻的玩MIDI朋友们太熟悉了：鼓（东次答次）、吉他（匡-匡-匡匡）等。。。，这些欧美传过来的经典文化，凡是玩过几天MIDI的朋友都略知一二。但，用MIDI做管弦乐队就不是一个理念了。本人就10几年玩MIDI的经验总结的体会如下：1、MIDI做管弦乐队也强调4大件（组）——铜管组、打击乐组（含竖琴、钟琴、钢琴等色彩乐器）、木管组、弦乐组（提琴组）。但是决不能按传统理论（管弦乐法）的方法配置。否则，你会感觉太厚重、不清晰、没有层次。因为，MIDI的采样在着方面的音色是缺少个性的。2、尽量少用重叠性的乐器，能不用的乐器干脆不用，要更多的突出本件（组）乐器音色的特点。3、尽量减少纵向的音符，让声音的声场拉宽。4、强调对比。5、让音乐流动起来。6、更加重视低音部的线条和音量（大提琴、倍大提琴）。7、将铜管视为节奏型的打击乐器（SOLO除外）。8、学会一点复调知识（哪怕是二声部对位）。不会也不用怕，凭感觉来，不好重来。要更多的加入到声部中去，形成一个很有个性的线条。9、和声就不用说了。。。10、注意每件乐器位置声相的摆位（电视里经常有乐队的全视画面，照搬）。举例，一首颂歌性的MIDI制作60——70左右的速度。前奏大气磅礴/A段优美抒情/B段高潮迭起：前奏——先用铜管作出一段和声性的、强有力的节奏型，再加入定音鼓、大镲（或视情加入小军鼓的滚奏与节奏）注意：这是“节奏”也是该段的“灵魂”你把这一段的MIDI弄明白你就完成了前奏80%的工作了/用竖琴将声部用16分音符或32分音符上下流动起来/大提琴、倍大提琴和低音长号重叠一致（倍大提琴尽量降低一个8度）形成一个强有力的低音支持/小提琴用两个8度来演奏旋律，可用长笛、双簧管（或单簧管）与之重叠。以上完成后感觉一下，是不是有点意思或进步了。哈哈。。。如果还不满意（还想提高一点），接着来：（1）用元号演奏一段复调（对位）声部（这个声部可把大提琴加入重叠，但倍大提琴保持原样），注意一个原则，既：旋律声部密集，元号就是长音、旋律声部是长音，元号流动起来加入几句音符。（2）更难一点了。将前奏分成3段（或更多段）既：先是强奏（如前所叙）、再来一段弱奏（哪怕是一件乐器的独奏）、在是强奏。好了，该段不能再说了，越说越多。。。。A段（优美抒情段落）——这种段落的伴奏方法太多了，我只介绍一种最简单实用的方法：将该段的和声尽量的简单化/先用倍大提琴将整个低音铺满/再在每个变换和弦的开始点，用竖琴以琶音的形式演奏或刮奏/用木管或大提琴或其他你认为合适的任何一种乐器进行复调性演奏（方法，我前面已经谈到），同时也可与旋律同步。总之，要有变化、纵向线条要简单（否则，声部太多，从音量上抢了演唱者的“油”）。这一段，主要强调线与点的结合，不要求太满。B段与前奏差不多。只是，旋律声部可改为复调。总之，几句话很难把MIDAI制作管弦乐队方法说清楚，而且，每个高手都有自己的绝招，我只是简单谈点个人体会。另外说几句：要想真正作好MIDAI制作管弦乐队，必须努力学习：和声-复调-曲式-配器法，这音乐学院作曲系4大件的东西，等你喝足了洋墨水，再加上你原来流行音乐MIDI制作的功底，你一不小心就能出一个大作品，哈哈。。。。。。
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