文 | 千金Talk
编辑 | 千金Talk
中国传统写意花鸟画是我国优秀的画种之一，它与新中国艺术教育一起成长，现已成为中国高等院校中国画专业的一门重要的画学基础课。写意花鸟画是一门绘画，它的“书画同源”的思想所蕴含的文化意蕴是中国写意画最大的艺术特色，它融诗词、书画、印章为一体的艺术形态，强调水墨以形写意的表现手法，是历代画师在创造和实践中所总结出来的，是值得我们继承和发扬的。
将写意花鸟画学好，并将它的基本表达技巧和笔墨语言都掌握在自己的手中，这样就能做到举一反三、触类旁通，同时也能帮助美术学院的学生以及广大的书画爱好者更好地对其它有关的中国画学科进行深入的研究和学习。
中国写意花鸟画，自五代徐熙始，宋代石恪 、梁楷 、牧溪为开山祖，至明代陈淳 、徐渭更加成熟，八大山人集先贤笔墨之成，自成一格， 清代八怪继其衣钵，又有其各自风貌。吴昌硕和齐白石将大写意艺术，特别是大写意花鸟艺术，推上了一个新的高度。
绘画的研习过程，就是从“临摹”、“写生”、“创造”三个方面入手，而“临摹”无疑是“学”的起点。怎样才能学好中国传统的写意花鸟画，怎样才能对这些经典名作做出准确的解读，这是一个值得我们深思的问题。
谢赫的“六法”之“传移模写”，具有较强的继承性和规律性，在此基础上，对其进行了深入的探讨。在各个时代，有代表意义的艺术家们，虽然都受着传统的图式和视觉习性的影响和制约，但是，他们的性格，经验，文化，社会环境，以及追求的目标都不一样，所以，青藤的“狂”，八大的“简”，吴昌硕的“繁”，都有自己独特的风格。
齐白石老人家很欣赏八大少的清冷笔触，并以八大的清冷笔触为基础，他到京后，因师从八大的清冷笔触，而不为世人所欣赏，后来经陈师曾先生指点，又向吴吕硕的写意花鸟求教。白石先生仔细体味吴吕硕在笔墨、构图、色彩等方面的手法，并在此基础上，对其作品进行了大胆的裁剪，使其在艺术上的表达更为简洁和质朴。
“传移模写”是中国绘画得以传承、发展、屹立于世界画坛的一个重要保障，每一位艺术史上的开创者，都曾认真地从传统中汲取经验，从而得到“迁想妙得”般的智慧与灵感。
齐白石的画作，无论用笔、用墨，都表现出“笔墨”特有的技法和精神气质。“笔”和“墨”常常被当作两件事来处理，“笔”通常被看作是“线”（有时也包含“点”），“墨”就是一幅作品中的墨色的浓淡变化，以及“泼墨”、“破墨”等“面”的意思。
事实上，在中国画的大写意中，两者是很难分开的，因为在绘画中，“笔”要用“墨”，而“墨”要用“笔”，所以，一幅好的写意画，很难找出一种不受墨法影响的笔法，也很难找出一种不受墨法影响的笔法。
因此，画家在用线的时候，就不能不考虑墨色的深浅变化，反过来，在用墨渲染的时候，也必须考虑用什么样的笔法，将浓、淡、干、湿的墨色施于纸上。因此，齐白石先生创造了“一笔墨”这一独特的画法。
所谓“一笔墨”，就是要做到“无笔不连”，将刚柔并济，将墨色的干湿，浓淡，联系起来。从理论上来说，可以追溯到晋国王献之“一笔书”，南朝陆探微“一笔画”，宋朝郭若虚“一笔画”，清朝石涛“一画法”，这些都是以“一笔之墨”为核心，也就是所谓的千笔为核心，一画为核心，一生二，二生三，三生万物。
一个艺术家在画画的时候，不可能一气呵成，必须要用一次又一次的蘸着墨汁，这样的话，就会出现断裂点，而且这种断裂点比连续不断的断裂点要多得多。要想“断”，就必须要有“一笔画”的要求，才能不破坏所画事物的完整性和意境。
这些要求，还包括了“笔”、“迹”、“形”等“断”字，“连”字，“观者不一定能认出”，也就是无形的“气脉”。庄子说，“世界虽然大，但是它的变化是一致的，世界虽然多，但是它的规则是一致的。笔锋一断，气韵一断，字迹一断，气势一断，形一断，意一断。
齐白石画画的时候，讲究的是“一笔之墨”，一笔一划，每一笔都带着墨，每一笔都带着一种刚柔并济的感觉，给人一种别具一格的感觉，这是常人难以企及的。他是中国写意花鸟画由近世到近世的转折点，将中国大写意花鸟画推向了一个崭新的发展阶段。
“临摹”是学习中国画的必修课，中国画在长期的艺术实践中，与中国传统文化相融合，从内容到形式、技术到美学，形成了独具特色的画风和美学风格。几千年来，为我们的后代留下了中国独特的艺术规律。研究中国绘画，必须认识到中国绘画独特的美学创造的根源，吸取前人的经验教训，才能真正理解中国绘画的本质，才能真正理解中国绘画的本质。
临摹和创新从来就不是矛盾体。临摹是为了更好地创新，而且高质量、高水平的临摹是创新发展的捷径 。在中国的艺术史上，任何一个成功的画家，都是在自己的传统文化基础上，不断创新，才能成为一代宗师。
在临摹的学习过程中，对绘画的体验进行了归纳，可以分为形的临摹和神的临摹。一般而言，初学的人都是以“形”为基础的，即要掌握中国画的基础技法，以便与所学的对象相吻合，从而达到“形似”。
从“形似”开始，通过对它的深入分析，可以掌握画家的墨法，通过他独特的表现方式，了解他的“神情”和“神采”，以及他的内在精神，这样，他就可以通过一种直观的方式来观察他的作品，逐步的，对他的“神理”有了更深的了解，最后，他就可以做到他的“神似”，也就是普通人所说的“神灵”。古人在临摹方面也有“渐忘”、“背临”、“意仿”等多种方式，但这些方式都不是一成不变的。
1.书写技巧
用笔就像写字一样，这也是中国绘画与书法同出一源的表现。古人将持笔的方法归纳为：指实，掌虚，腕平，肘悬，身正。画家需要根据自己的情况和习惯，来控制自己的画笔。提笔方法是用笔的先决条件，提笔的准确是用笔的自由。
中国绘画中的毛笔，有硬毫、软毫、长锋、短锋等等，都是用来作画的。狼毫质地坚硬，水分含量低，相比之下，羊毫质地柔软，水分含量高。这一点，需要画家经过长时间的练习和研究，才能完全掌握每一种毛笔的特点，才能为自己的绘画选择合适的工具。
具体的写字方法，基本可分为两种，一种是方的，一种是圆的。方笔与圆笔都是从书法的笔法中衍生出来的，方笔刚劲有力，圆笔则柔和优美，方笔多是从隶书中汲取，而圆笔则是从篆书中汲取。篆书的风格，古朴大气，浑然天成，两种风格的结合，可以形成一种刚柔相济，千变万化，这一点，吴昌硕和齐白石都很清楚。
中国画的写意法多种多样，但从整体上讲，写意法追求的是变化。画家要把握笔法的特点，在绘画中追求变化，但又不死板。在绘画的时候，每一笔的落下，都是相应的，有长短，有刚柔，有方圆，有提按，有中锋，有侧锋等等。
不同的笔墨方式，在画中所留下的痕迹也不尽相同。刚劲的力量来自于外，柔和的力量来自于内。这些方法彼此呼应，互为补充，画家在创作的过程中，应该根据所要表现的对象，灵活地使用不同的方法，努力用最合适的方法勾勒出一幅理想的画面。
2.墨法
要想研究墨，就必须要有笔。他们虽然互相依赖，但又有各自的美学价值。用笔讲究的是力，用墨讲究的是神，用墨讲究的是神，用墨讲究的是神。干燥，干燥的秋风：湿润，含有春天的雨水。对墨的恰当使用，可以让画面表现出一种气韵的美感。
对于中国画中的景物，大部分人都会选择烟墨。墨块是用来磨墨的，因人而异，这里不一一说明。根据前人的研究，笔者认为，目前常用的笔墨方法主要有泼墨、破墨和积墨三种。
(1)泼墨法
我们所说的“泼墨”，就是指在一幅画中，以大量的墨汁泼洒出来。在绘画过程中，可以在绘画过程中使用泼墨，也可以在绘画过程中使用泼墨。通过大量的实践，证实了用这种方法绘画，可以使作品栩栩如生、浑然天成、妙不可言。
但这种方法，也有很大的不确定性，会让画面失控。白石先生也经常使用泼墨法，他的“一笔画”作法就是以泼墨法为基础而形成的一种独具特色的笔法。老者用一个盛着墨水的大桶，装满了墨水，一气呵成。当墨汁快用完的时候，再把水倒入钢笔根部，直到墨汁用完为止。
作品中的气韵贯穿了整幅作品，笔锋相连，笔锋连贯，形断势连，迹断气连，使画面灵动，浑然天成。当然，在绘画中，也有一些细节上的应用。除此之外，我们还可以学习和创造许多前人的墨法。
(2)破墨法
破墨方法是与泼墨方法相对应的。泼墨法的目的是要让画面达到协调统一，浑然天成，而破墨法则的目的是要让画面拥有更多的变化，让笔与墨的血肉相连，其二者对应统一、相互依赖、相互融合，使画面在统一中求变化。
用破墨的方法来绘画，要在前面的墨水还没有完全干透之前，把不同的墨水或者颜色给遮盖起来，这样就可以让两种颜色互相渗透，碰撞，产生不同的画面效果。破墨的方法有三种，分别是：为浓 淡互破、 包墨互破 、水墨 互破。如果使用得当，可以增添画面的层次，使得画面色彩更为丰富。
(3)积墨法
一般来讲，就是把墨水聚集在一起。破墨的方法就是在前面的墨还没有完全干燥的时候，将后面的墨盖住，让它们互相渗透，互相冲撞。而积墨的方法则是等前面的墨水干燥后，在上面重复地画一遍。用这种方法，可以让画中的墨水有层次，有深度，避免单调。
如果只是简单地说起笔墨，那就是把笔墨都归结到了技术上，但中国画的笔墨，并不只是技术上的问题，而是先辈们根据中国特有的哲理和美学思想，逐步发展出来的一种艺术表现形式。每一位艺术家都可以按照自己的不同习惯，表现出自己独特的笔墨风格，这就是艺术家的绘画风格和个性修养的表现。
总而言之，许多与笔墨有关的问题，始终是传统写意花鸟在临摹时所要考虑的一个重要问题。从白石老人的墨法语言中，我们可以学到许多大师的经典之作，在创作之前和之后的创作中，我们可以仔细地分析和理解他的墨法和墨法，从他的笔法，墨法，章法，布局，形，势，韵，意，神等美学因素中，体味到“应物会意”，以形写神，从而领悟到“一笔之墨”的写意精神。
【参考文献】
[1]朱亚平. (2019). 临摹传统花鸟画的意义与方法. 美术导报.
[2]王寅平. (2015). 临摹传统花鸟画的方法与技巧初探. 美术教育研究.
联系客服
