2017-11-23 00:14 |
艺术史上的绘画大师们和其所代表的艺术流派的风格或多或少有些出入，这是因为流派多是后人归纳，艺术家常常被划分，我等艺术小白辨别一幅画作出自哪个流派哪位艺术家的时候很容易混淆。于是我从《美术馆里聊怪咖》简单粗暴地归纳出以下经验，结合艺术家生活环境和思想主张，再来看他们的作品，起码这些大师再也不会傻傻分不清了。
达·芬奇
关键词：轮廓线 雌雄莫辩 衣裙飘飘
《蒙娜丽莎》
看轮廓
把颜料用油调和得极薄，在画面上反复调整修饰的技法叫做晕涂法，将晕凃法运用得淋漓尽致的画家就是达芬奇，将晕凃法发挥到极致所诞生的奇迹就是《蒙娜丽莎》。也正因为反复涂改和修饰，力求将结构的转折过渡柔和，所以达芬奇的作品边缘线总是朦朦胧胧，近距离观察很难看到明确边界线。
图1古希腊胜利女神雕塑/图2达·芬奇《圣母子和圣安妮》
看衣服
达芬奇是文艺复兴时期最具代表性的艺术家之一，而所谓文艺复兴是指复兴古希腊古罗马的艺术。从一些古希腊古罗马时期的诸多雕塑作品不难看出，那个时代对服装的审美倾向于轻盈飘逸美，富余的面料在肢体上堆积成细密的褶皱，风吹过如水波流动。观察达芬奇作品中的服饰，细密的衣褶轻若无物地贴合在人物身上，加之达芬奇喜欢多加反复薄涂，很多创作周期长的作品中服装都有通透感。
图1《圣母子和圣安妮》/图2《蒙娜丽莎》/图3《受胎告知》/图4《施洗者圣约翰》
看形象
很多画家都有一个惯用的形象，对比《蒙娜丽莎》《最后的晚餐》《岩间圣母》《圣母子与圣安妮》，达·芬奇惯用的形象是这种饱满的鹅蛋脸，眉毛和睫毛有点秃，尖尖长长的鼻子，薄薄的嘴唇挂着一抹若有若无的笑意。这个形象很可能源于他的爱徒沙莱——一个雌雄莫辩的美少年，这也是为什么关于达芬奇作品中的形象是男是女的猜测总是不绝于耳，因为大佬喜欢这一款。
米开朗琪罗
关键词：肌肉
《最后的审判》
看肉体
达芬奇手稿里有篇文章，能够明显看出来是在diss米开朗琪罗，文章大意是讲，将人体画得肌肉鼓胀一点也不艺术，完全可以处理得更有意境一些，然而对米开朗琪罗来说意境就蕴藏于于肌肉的力量之中。
《夜》
雕塑《夜》中连女性的乳房，都仿佛是硬邦邦的肌肉疙瘩。加之米开朗琪罗画壁画时运用的是湿画法，需要在湿水泥上一次成型，没有反复涂改的余地，所以对形体线条的准确度要求很高，米开朗琪罗练就了一手稳准狠的笔力，使整个画风清晰肯定。
拉斐尔
关键词：温婉大方 红蓝cp 大透视
看形象
拉斐尔本人超级崇拜达·芬奇，作品中免不了向爱豆取经。相比米开朗琪罗作品形象的健美，拉斐尔更倾向于达·芬奇作品中那种阴柔之美，尤其笔下的圣母形象，都是毫无棱角的鹅蛋脸。而然神情上却有明显的差别，达·芬奇画的女子，表情神秘笑容略有一丝诡异。拉斐尔画的女子，总是温婉大方，雍容典雅，连抱孩子的动作细节，都充满了无微不至的母爱。
看衣服
拉斐尔画的圣母像中，这样的红蓝两件套是标配。其他人物的衣服也多以纯色为主。服装款式从古罗马时代取经，但是衣褶却比达·芬奇的作品简洁不少。拉斐尔在生前颇受市场认可，光圣母像的订单就接到手软，衣褶画太多真的很不合算。
图1《雅典学院》/图2《圣体辩论》
看透视
西方古典绘画最大的特点之一就是透视法，通过近大远小的线性透视，和远近色彩鲜明度的对比，让画面呈现立体空间感。拉斐尔是确立西方古典绘画典范的开山人，所以无论是线性透视还是色彩透视运用都很典型，可以说是大透视。
卡拉瓦乔
关键词： 明暗对比 情感爆发 世俗装束
《圣马太蒙召》
看打光
巴洛克时期一个突出的特色就是戏剧性，而卡拉瓦乔无论是个人经历还是作品风格都将这一特色发挥到淋漓尽致。为了突出画面戏剧性，卡拉瓦乔喜欢用强烈的明暗对比烘托画面的氛围。在巴洛克绘画扛鼎之作的《圣马太蒙召》中更是将一束强光直接投射到人物面孔上，将宛如一幕舞台剧。
图1波提切利/图2提香/图3卡拉瓦乔
看场景
卡拉瓦乔对画面的构思也很清新脱俗，只有戏剧冲突最强烈的瞬间才能配得上这位名副其实的抓马小王子。同样是朱迪斯砍下赫罗弗尼斯的头颅的题材，卡拉瓦乔挑选的是这位亚述帝国统帅血浆崩裂的瞬间。
《被蜥蜴咬的男孩》
一幅少年肖像画，捕捉到了少年被蜥蜴咬的瞬间，再平凡的题材也能被他演绎出戏剧感，一如他大起大落惊心动魄的人生。
图1《圣母玛利亚与蛇》/图2《砍下霍洛芬斯头颅的犹滴》/图3《亚历山大的圣凯瑟琳》
看服装
跟文艺复兴时代的画家从古希腊古罗马借鉴服装样式不同，卡拉瓦乔从同时代取材，无论是圣母还是男神，在卡拉瓦乔笔下大都市井平民的装扮。此外，大面积的红布也是卡拉瓦乔画作中的重要道具。
鲁本斯
关键词：肥褶子 神化滤镜 跃动感
图1拉斐尔《美惠三女神》/图2鲁本斯《三美神》
鲁本斯的一大癖好就是对肥褶子情有独钟，这种对“肉”的痴迷跟米开朗琪罗很像，只不过米开朗琪罗爱的是肌肉，鲁本斯爱的是肥肉。
《毛皮装束的海伦娜》
在发妻去世之后，53岁的鲁本斯，迎娶了16岁的胖萝莉海伦娜，从作品到生活表里如一。
《玛丽·德·美第奇抵达马赛》
看场景
鲁本斯很擅长将王公贵族神化的作品，再加上七国外语的超能力，在佛兰德斯英国法国西班牙等许多国家都混得风生水起当上贵族。鲁本斯非常推崇卡拉瓦乔，但作品却比卡拉瓦乔更符合大众审美：一是光线明快许多，二是卡拉瓦乔对笔下人物从来是有一画一，而鲁本斯则从形象体态到衣饰背景都无线美化甚至神化，用神圣庄严形容鲁本斯的作品绝不为过。
看动态
尽管鲁本斯笔下的人物大多是胖子，但却个个都是灵活的胖子，绝不是死气沉沉的肥宅。卡拉瓦乔喜欢把画面定格在心理活动最强烈的瞬间，而鲁本斯则喜欢动作最剧烈的瞬间，各种人仰马翻的高难度姿势跃然纸上。
伦勃朗
关键词：肖像 写实
比起同时代的名家，伦勃朗画了更多的肖像。因为在伦勃朗生活的荷兰，既没有天主教会也没有专制君主。在画家们靠接订单创作的年代，伦勃朗接到的订单大多数来自富裕市民的肖像画，场景大些的则是团体肖像。可是又和国内其他肖像画家不同，伦勃朗的肖像画是带着场景设计的。
《杜普教授的解剖学课》
以《杜普教授的解剖学课》为例，并没有让模特们排排坐好，而是生动还原了一个讲课的瞬间。在有限的题材内最大限度的发挥了自己的创造力，伦勃朗因此名声鹊起。
《狩猎女神》
看技法
不同于卡拉瓦乔对明暗大肆渲染，鲁本斯对肉体如痴如醉的魔幻巨制，伦勃朗的画面更贴近真实，对人物形象的审美也更贴近现代。伦勃朗在绘画技法上不断钻研，无论人生处在巅峰还是低谷，创作能力都在高歌猛进，写实能力领先时代200年。
安格尔
关键词：权杖 后背 质感 色彩 拉斐尔
图1《荷马礼赞》/图2《朱庇特与忒提斯》/图3《王座上的拿破仑一世》
安格尔对权杖迷之喜爱，这种长长的棍子客串了他大部分历史神化题材作品。
图1《大宫女》/图2《土耳其浴室》/图3《瓦平松浴女》
看身材
安格尔还对“女人的背”迷之执着，由于一心画背，所以常常故意把它拉长，其代表作《大宫女》就被diss说比正常人长了三节脊椎。别人喜欢大长腿，安格尔喜欢大长背，审美上很是清新脱俗。
《勃罗日里公爵夫人像》
看质感：
很容易猜出来，安格尔是个处女座，因为他作品中的形象总是光滑平整对称规则，看不出笔触，没有跳跃的色彩，几乎达到了人力的极限。
（图1/拉斐尔《西斯廷圣母》，图2/安格尔《路易十三的誓约》）
看形象
如果你看安格尔作品时感到似曾相识，那没错了，肯定是又模仿了拉斐尔。安格尔在谷底的时候靠模仿拉斐尔翻身，之后致敬作品连绵不断绝，从人物形象到装束造型全篇照搬，尤其《路易十三的誓约》这幅作品，几乎已经达到了ctrl C+ctrl V的程度。
看色彩
安格尔注重的是素描和造型，明暗面看不出色彩的倾向，只能看出明暗的差别。安格尔虽然模仿拉斐尔，但其实拉斐尔的作品中运用了大量的色彩透视，而安格尔则极度弱化了色彩关系。
库尔贝
关键词： 赤裸 写实
（图1/安格尔《泉》，图2/库尔贝《白袜女人》）
库尔贝所代表的是现实主义，顾名思义，他的画面真实感一定很强，但与其说现实主义，我更想用赤裸主义纯粹主义来形容他。他之前历代艺术家在创作裸体的时候多会有意无意的把关键部位挡一下，或是修饰一下，而库尔贝想表现什么就赤裸裸展示出来，毫不讳饰。安格尔也画全裸，经过他的修饰模特就像穿了秋裤一样健康，库尔贝画的裸体在视觉和心理上能给观者幼小的心灵造成了更大冲击。
《绝望的男人》
即使是自画像，选择的角度也很是刁钻，一般人自拍是不敢找这种角度的，库尔贝则有颜任性。
看背景
从文艺复兴时期，艺术家就开始追求画面的真实感，故而不断摸索焦点透视和色彩透视，但呈现在画面上的时候，这种透视常常是经过画家主观处理的，即色彩明度虚实的对比和近大远小的程度都经过了一定的夸张，作为背景的景物，多有虚构的成分存在，这样才造就了画面的亦真亦幻，明显有别于照片。库尔贝作品中的色彩和焦点透视，则更接近于真实比例，远处的背景也看得实实在在清清楚楚，比别人画的背景像素高出不少。
美术馆里聊怪咖
作者：[日] 山田五郎/古山淳子
出版社：后浪丨湖南美术出版社
类型：艺术/艺术史/美术/西方美术/后浪/历史/文化/日本/艺术家/美学
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