关于艺术的几个问题的解答
（四）有关当代艺术
当代艺术，是一个很难啃的话题，也是已经被说烂了的话题。之所以还是要说，是因为无法绕得过去；就好比写字的人，总得先削铅笔，然后才能涂划出接下来的内容。写作，也好比艺术家创作，总得给自己一个目标，尽可能地回复大家的问题，让更多的人发现当代人文思想和艺术的价值；而我的最大愿望是向读到的人传达我的热情和耐心，我的目的和姿态。所以，大家的评论，反馈，和建议同样重要，因为它们一样可以丰富我的知识和思路。我知道，对于每一个人来说，在有限的时间内达到认知和了解一切是不太可能的事，但打开和解放习以为常的思考方式或许可以帮助我们解锁很多意想不到的东西！
比如说，许多人认为，当代艺术有其深不可测，遥不可及的门槛，因而畏惧，不敢轻易触碰。确实，当代艺术的发生绝非偶然，是一种有充分依据的表达方法，具有其特殊的代码和思想线索；它是艺术和当代社会历史的一部分。但同时，也有很大一部分人对当代艺术有非常大的误读和曲解。相信大家平时一定碰到过此种情形，当人们一谈到当代艺术时，有人会直接说“ 当代艺术就是瞎搞，胡说，或者什么都没说！”。有法国人甚至以文字游戏的方式调侃道：“当代艺术（Art Contemporain）就是什么也不为的艺术（Art-Compte-Pour-a-Rien）”，两个词语听起来有点谐音。很值得注意的是，这些人当中非常可能不乏受过高等教育和文化程度很高的人。
所以，归根结底还是一个认知的问题；再说的具体一点，是认知方式的问题。这不仅涉及到对艺术和对当代艺术的认知方式，更是认知世界的方式。当代艺术既有与以往的艺术流派面对世界而产生的不同认知方式和表达方式，更是从人文层面出发的更具广泛意义和价值的认知方式。
当代艺术的认知方法首先是基于反思的，我们首先别给自己的“观看”装上一道道先入为主的“防盗门”，请尽量给予一些弹性和迂回之地吧；或许，您会有意想不到的收获！
一，什么是当代艺术？
当代艺术是指1945年至今的所有艺术品，基本都是视觉造型艺术领域的作品，无论其风格，还是所使用的媒介包括雕塑，绘画，摄影，素描或版画等等。当代艺术是现代艺术的继任者（从1850年代到1945年），但在另一些人看来甚至被强调为1960年代以后的艺术，特别是在波普艺术的涌现之后；它是一种与现代艺术大相径庭的艺术运动，这种突破至今仍被广泛关注。但当代艺术一词真正开始非常流行起来并得到使用是在1980年之后。 今天的当代艺术到处可见，我们可以在博物馆，私人收藏，美术馆，博览会和其他众多的艺术展览中看到它。
更笼统和习惯的说法，是人们将“当代”称为“当前的，和当下即刻发生的艺术创作行为”。它涵盖了所有进入造型艺术领域，经常会引起争议的作品，它们大多数时候不被公众欣赏和接受，而且一般来说在所谓的“艺术市场”上以高昂的价格出售。
当代艺术还有的另一种定义，是它们仅仅与传达思想或概念的新美学实践和成果有关，这些思想或概念超越和打破了艺术与传统艺术之间的界限，例如观念艺术，以及超越“对现代和古典艺术理解界限”的不被当作“艺术”的作品，例如表演艺术和行为艺术等等。 当代艺术似乎从来就没有一个被所有人接受的精确的定义，而是伴随着不断出现的一些新的对当代艺术的补充定义。正因如此，这或许才是艺术应该有的状态，因为它规避了所有的盖棺定论。
二，当代艺术的出现
当代艺术家跟当年的现代艺术一样有一个共同的目标，就是打破。现代艺术突破了古典艺术和具象艺术，而今天的当代艺术走的更远，从某种过程上来说它以同样程度的颠覆方式结束了现代艺术。
几个不同的重大的动荡时期促成了当代艺术的发生和涌现。 从社会政治和经济的角度来看，这是消费者社会的发展所导致的；比如说，人类生产力和制造成品产量的飞速增长，产品过剩，西方工业化国家中的中产阶级的崛起和所占人口比例的增加等等。所有的这些都启发和给艺术家的创作带来了极大的冲击，波普艺术运动和（半）现成品艺术作品的出现都是其中最典型和显著的例子。
从视觉艺术的角度来看，摄影技术的空前发展也促使当代艺术家们重新思考艺术的功能，目标不再是忠实地去表现现实的状态，而是质疑，批评和揭示；矛盾和危机，才是他们的指向。为此，艺术形式开始呈现多样化，随之而出现的是街头艺术，行为艺术和观念艺术等等从未有过的艺术构成。稍后，视频艺术，计算机艺术，生物艺术或电子合成艺术等新技术的出现，则初步而完整地宣告了当代艺术的产生。 现如今，还有正在进行中的短暂发生的作品的出现，使得“媒介”逐渐成为“概念”的简单载体，而像绘画，雕塑或素描等表现形式已失去了其原始意义上的重要性。
三，当代艺术的起源
从19世纪开始，摄影的出现是艺术史的一个重要转折点。 由于摄影可以忠实地表现现实（的外形），因此艺术家则开始尝试其他的技术；这就是现代艺术诞生的外在原因。其中首当其冲的，尤其应该感谢的是德加（Degas）。 艺术的主角和主要描述对象不再是表现已经存在的现实事物，而是各种各样可以用其他艺术形式来表现的东西，这是艺术史上最重要的解绑。导致的结果先是现代艺术的成功，接着就是当代艺术的异军突起。 在当代艺术里，我们看到了其对当下社会和危机的关注所作出的尝试和努力，尽管并不一帆风顺，但最终它们一点一点地被美术馆和博物馆认可，并登堂入室；接着也越来越被更多的观众广泛接受。今天的当代艺术家通过当代艺术表达自己的情感，无论是以绘画，摄影，雕塑还是装置的方式……再也没有某种约定俗成的规则存在，只有每一个艺术家始终如一地致力于以他擅长的表达方式来传达他的思想和观念。 有些艺术家比较谨慎地作为，而另一些则想通过展示令人震惊的作品来弄出动静。通过不断出现的新型技术，当代艺术家们可以轻松地调解自己与艺术之间的关系，艺术表现形式从来没有像今天一样的活跃和丰富，因为它可以始终处于更新状态。而艺术家又都是本性中喜欢搜索，挖掘和尝试新事物新作品的人群。就目前来说，当代艺术似乎处于艺术史上的最理想的状态，并且貌似是不可逆转的。
四，当代艺术的特征
正如前面所提到的，继现代艺术之后的当代艺术不再仅仅是描述现实状态。公众与当代艺术的关系在今天有着前所未有的重要性，因为这是一门每个人都可以谈论自己感受的艺术，尤其是当当代艺术家创作出令人震惊的作品时。 随着新技术的发展，这种艺术得到了广泛的宣传，从而更容易被更多的人接触和接受。 在当代艺术中，艺术家创作各种风格的原创作品并试图自由地表达自己的情感，而无所顾忌使用的是哪种媒介。
但是当代艺术不再符合传统意义上所提交的学术范式，而仅处于艺术家本人的内在表达。当代艺术家被允许“假设”是可以超越一定的法律和道德界限的，从而亦可能形成内部和外部之间的误解，放弃社会学家们特别强调的真实性。当代艺术家被培育出了“各种距离”，造成“不在其位”的印象，他们在人们的眼中甚至变得“不诚实，或者玩世不恭，缺少严肃性”起来。比如说，杰夫·昆斯的作品整个儿地颠覆了观众的的期待，没有预期中的感动，兴奋或者痛哭淋漓，以及所谓触摸灵魂的“深刻意义”。从表面上看，当代艺术家的创作脱离了整个既定的审美系统和评判系统，以近乎荒谬的手法示人；但忌讳传统审美中的戏剧化和煽情，以及重复和附和。像达明安·赫斯特和杰夫·昆斯之类的艺术家以其不按常理出牌，而演绎了当代艺术的神话；最大程度地嘲弄了美学泡沫和资本泡沫的当代社会现象。当代艺术家所扮演的角色，更大程度上与社会学，人类学甚至天文地理生物，政治和心理学有着更加广泛和有趣的联系。
他们所提供的是各种新型的观看方式和思维可能性。
五，当代艺术：
一种新的思维方式和参考价值
但是，有一种说法是，当代艺术不应纯粹按时间顺序排列来跟其他艺术流派分门别类。 实际上，这种新艺术形式的特征在于任何一种新的创作行为的产生，它包括风格的创新，但更多的是一种新的表达方式。尽管定义具有含糊性，但在当代艺术中，应该具有一种新的参考文献来定义；其中最重要的一条必须是对上一个时代的背叛。最著名的理论是像美国艺术评论家克莱门特·格林伯格（Clement Greenberg）这样的学者所提出的有关当代艺术的定义，他特别强调当代艺术的技术性，即对技术专业的追求。
这种思路让人耳目一新。但在我们了解了他的关于艺术媚俗批评论，媒介的特定性以及抽象表现主义的理论之后，则会更加让人惊喜；因为我们所收获的是他对当代艺术的解析所提供的强大理论后盾。这种批评性非常震撼，也很罕见；特别是对于象中国当前的艺术创作状态一直还纠缠和停留在某些泛泛的”前卫“概念上，不愿挪窝的现象有着很重要的启发性价值。
在格林伯格看来，真正的前卫艺术应该是具有启蒙运动时期的那种批判性思维，而不是为了媚俗，迎合那些“渴望叛逆，为痛快而痛快”的（没有受过太多文化教育的平民）观众，或等待“马上可以兑现利润”的买家的。这种前卫是公式化和机械化的经验，是降价的买春和目的不明确的“假高潮”。它的恶果是最后总会被主流统治阶级所利用，收编招安，成为煽动错误阶级情绪的旗手。格林伯格关于前卫艺术的“清白论”，足实给艺术界打了一剂强心针；他认为，艺术应该以它高度的纯碎性来管理它的文化进程和运动。它应该是安全的，自由地跨越各种边界，从中获取营养并自给自足；并隔断所有依赖外界而生存的脐带。所以，他对抽象表现主义极其推崇，他认为唯一值得信赖的是艺术家对于技术的掌控和更新，远离“滚床单”似的所谓目的性过强和内容至上的主题创作。克莱门特·格林伯格当年所特别推崇的艺术家象杰克逊·波洛克（Jackson Pollock）和德·库宁（Willem de Kooning）等人，在某些艺术史学家来看，尽管他们的作品在美术年史上属于现代艺术，但它们具有当代艺术的所有含义和价值。
六，与当代艺术有关的机构
当代艺术的作品一般展于商业画廊，私人收藏家馆，艺术品拍卖行，一些大公司，以及国家资助的艺术机构，或者当代艺术博物馆里；有些也通过艺术家自己本人的工作室开放来展出。当代艺术家的生存得益于他们所得到的赠款，奖品和奖项，以及他们作品直接销售的回报。
也有一些公共资助下的当代艺术组织与商业部门之间有着密切的关系。 例如，在英国和法国等欧洲国家，有少数幸运的艺术经纪人能够在国家性质的主要公共当代艺术博物馆中推出他们的艺术家。
一些藏家也能够产生很大的影响，比如说在80年代和90年代统治了英国当代艺术市场的著名慈善家查尔斯·萨奇（Charles Saatchi）。当时甚至有年轻的英国艺术家将他们作品图录集的副标题以这位私人收藏家的名字来命名。还有就是法国首富，著名藏家皮诺则拥有以自己名字命名的博物馆，定期举办当代艺术家的大型个展并大量收藏现当代艺术作品。
一些大型公司或国际集团公司也一直在努力地融入和参与到当代艺术领域中去，他们通过在自己“高大上”的空间里展示一些体积较大的当代艺术作品，成立艺术基金和当代艺术奖，拥有大量的现当代艺术收藏品，丰富和扩展自己的企业艺术。
艺术专业评判机构一直以来以规范和监管当代艺术的定义而受到批评。 例如，非主流艺术，比如尚·杜布菲（Jean Dubuffet)，或巴斯奎亚(basquiat) ，实际上就是当代艺术的直译，他们表现的是最当下的时代精神和个体状态。但是，他们长期以来之所以不被考虑在内，是因为这些人都是自学成才，半路出家的艺术家；尽管他们的展览有着大量的观众，但他们的作品仍普遍被认为是在艺术史背景之外进行创作的。同样的，诸如纺织品设计之类的手工艺品也被排除在当代艺术领域之外。 必须值得注意的是，手工艺作品必须具有特定的指向和当代文化的价值才能被认可为当代艺术品，瓷器作品同理。
七，从当代绘画再述当代艺术
自20世纪中叶以来，当代绘画经历了几个主要趋势，其中大部分源于抽象表现主义。无论是主张运动还是反对运动的力量，都阻止不了大量的当代绘画运动的出现，其中不乏不拘一格的变革者，其中包括折衷派和叛逆派。
始于四十年代的抽象表现主义（如1940年的美国艺术运动）被定位为当代绘画的起点。比如第二次世界大战中期，杰克逊·波洛
克（Jackson Pollock 1912-1956），弗朗兹·克莱因（ Franz Klein 1910-1962），马克·罗斯科（ Mark Rothko 1903-1970）和威廉·德·库宁（Willem de Kooning 1904-1997）等年轻艺术家以反对立体主义和欧洲的超现实主义而揭竿而起。一方面，他们更喜欢“大体量动作的绘画”，将大量的涂料暴力般地投射到画布上；另一方面，还推崇和实践“色场”绘画，即将具有大面积色彩的涂料泼洒在平面材料上。
随即，抽象表现主义被称为第一个当代艺术运动，而影响到欧洲和其他国家。在英国和法国，它们还催生了抒情抽象主义，造就了诸多的当代艺术大师，比如乔治·马修（Georges Mathieu，1921年出生，在世），山姆·弗朗西斯（Sam Francis，1923-1994）和皮埃尔·苏拉奇（Pierres Soulages，1919年出生，在世）。甚至在北欧，比如阿姆斯特丹，布鲁塞尔和哥本哈根，为呼应和弘扬抒情抽象主义艺术风格的创作价值，而出现的象COBRA（来自这三个城市的首位字母缩写）这样的艺术家聚集地，汇集了象阿吉尔·乔恩（Asger·Jorn，1914-1973）和皮埃尔·阿莱齐斯基（Pierre Alechinsky，1927出生，在世）这样的绘画艺术大家。
其他的当代绘画艺术运动，则是在穿过了大约十多年之后，才从抽象表现主义中逐渐地走出来而应运而生。1955年，出现在纽约街头的新达达主义，艺术家象贾斯波·约翰斯（Jasper Johns）和罗伯特·劳森伯格（Robert Rauschenberg）推动了此运动的蓬勃发展。接着便是60年代和70年代出现的波普艺术和极简主义。这些运动都受到了新达达主义的影响和启发，一直到90年代都受到广泛的欢迎和推崇。
除了源于抽象表现主义的这些艺术潮流之外，从1950年直到今日，还先后诞生了其他几个当代艺术运动。比如象照片般逼真的写实主义，以及极其活跃的涂鸦艺术，它们一直以来都很流行，并被称为新表现主义风格；而部分涂鸦艺术家则将自己的创作归为朋克文化和街头艺术。
现如今，当代绘画创作活动异常的纷繁复杂，举不胜举，同时并存。值得一提的，有象活跃于街头创作的班克斯（Banksy）之类的艺术家，他们多多少少总带着某种政治气息，搞出了不少的动静，风靡一时。技术上的进步也不容忽视，因为他们改变了绘画的观念，为艺术家和整个艺术界的未来打开了意想不到的可能性和道路。
八，现代艺术和当代艺术，
以及它们分别的重要艺术运动
· 野兽派
十九世纪末的高更（Gauguin）或塞鲁斯耶（Sérusier）等画家开始用原始色和生色进行绘画。其他艺术家紧随其后，就此艺术界开始完全释放了色彩。1905年，安德烈·德兰（André·Derain），马蒂斯（Matisse）和弗拉芒克（Vlaminck）等人一起在秋季沙龙上联合展出，其作品以弱化形体而强化明亮的色彩为特征，遭到著名评论家路易斯·沃克斯（Louis Vauxelles）的愤怒攻击，他将这些作品称为“野生动物”。于是艺术家们将计就计，将这种“侮辱”来命名他们的新艺术运动。
· 新艺术
二十世纪初，装饰风格蓬勃发展并到处流行起来，新艺术运动顿时出现在室内装饰和建筑设计之中。这种非常丰富而极具美感的新风格适应了现代生活的需求。艺术家们也通过简化的创作风格来转向这种新艺术风格的创作；主题变得具有象征性，诗意化或甚至极端化。女性身体的曲线，植物花卉图案的重复等等都受到青睐。1894年，比利时作家兼诗人埃德蒙·皮卡（Edmond Picard）在比利时《现代艺术》杂志中首次使用了“新艺术”一词来描述和赞扬当时的著名室内设计师兼艺术家亨利·范·德·韦尔德（Henry Van de Velde）的艺术作品。新艺术运动一词便由此而来。
· 表现主义
表现主义始于1900年的德国。表现主义艺术作品常常具有压抑性和侵略性，他们对于即将到来的第一次世界大战之前，社会和经济上的动荡表示了极大的不安和痛苦。最早的表现主义绘画伴随着爱德华·蒙克，梵高和詹姆斯·恩索尔的作品一起出现。史学家们一贯将“表现主义”一词归功于最早使用它的艺术评论家威廉·沃林格。表现主义艺术家毫无保留地表现身体的夸张变形和扭曲的痛苦，以具有强烈对比性的黑色和红色为主色调，加剧公众们的情绪。
· 立体主义
立体主义从1907年开始流传开来，巴勃罗·毕加索（Pablo Picasso）和乔治·布拉克（Georges Braque）是立体派运动的主导人；他们逐渐将不同性质和材质的拼贴画引入到他们的创作作品中。他们的主要关注点是以圆形，正方形或菱形等几何形状在画布上的体积来展示某种张力；以弱化形体的本来面目，从各个角度强调要表达的主题；它所提供的艺术价值是：观念比视觉效果更重要。
之前曾经攻击过野兽派艺术运动的艺术评论家路易斯·沃克斯（Louis Vauxelles）再一次为“立体主义”一词的命名做出了“贡献”。当他看到布拉克的作品“埃斯塔克的房屋”时，他以揶揄的口吻评论道：“那些整合小方块的人”，哈哈。
· 未来主义
未来主义既是艺术运动也是文学运动，它于1909年正式出现，来自于诗人兼画家马林蒂（Marinetti）发表了一篇文章：“ 让我们去摧毁博物馆，这些是墓地；隐藏着具有侵略性的艺术品……即使一辆赛车也比萨莫色雷斯的胜利更漂亮！ ” 未来派艺术家赞扬他们所生活的现代世界。这种反传统的思想运动直到1916年才有了辉煌的起色和成就，并在绘画，戏剧，音乐，电影，雕塑和建筑领域得到了发展。在他们的创作构成中，流动和速度通过繁忙城市中的生活来表达，它们是机器和汽车，还有各种人造霓虹灯的粉饰……
· 达达主义和超现实主义
达达主义是超现实主义运动的先驱之一。这项运动是由第一次世界大战期间来自不同国家的艺术家所共同发起。“达达”一词本身毫无意义，它完全是从字典中随机选择而来的。达达（Dada）主义的艺术家们寻求通过幽默的方式来激发创造力。他们在自己的作品中粘贴任何可能发现的随手拈来的东西，例如沙子，木头，照片，头发……这场运动最著名的艺术家是弗朗西斯·皮卡比亚（Francis Piccabia），马塞尔·杜尚（Marcel Duchamp）和特里斯坦·塔萨拉（Tristan Tsara）。
而超现实主义则诞生于二十年代的达达主义运动期间，但这一运动自从问世便迅速传播到世界各地；而且一下子影响了多个领域和学科，其中包括视觉艺术，音乐，文学等等...超现实主义画家以荒诞，矛盾和特异的尝试性创作来探索梦想和挑战人的想象力。萨尔瓦多·达利（Salvador Dali）和雷奈·马格瑞特（René Magritte）是这方面最为著名和最具成就的艺术大师。这种梦幻般的艺术形式最终取得了真正意义上的巨大成功。
· 抽象主义艺术
抽象主义绘画的诞生催生了之后的许多潮流，代表性人物有康定斯基（Vassily Kandinsky）的抒情抽象主义，皮特·蒙德里安（Mondrian）的几何抽象绘画和杰克逊·波洛克的抽象表现主义等等。康定斯基被认为是抽象派绘画的创始人。他最具代表性的作品之一是“白色背景上的黑色方块”。这位来自俄罗斯的画家极为简化的点和线不仅仅是数学形式那么简单，最奇妙的还是它们最终在观众眼中所产生的主观效果。而另一位著名抽象主义艺术家伊夫·克莱因（Yves Klein）则来自于法国，他的独特之处在于其不可思议的单色作品，其中以蓝色均匀地涂抹绘制而著称
· 波普艺术
在当代艺术兴起之初，最重要的运动通常是不确定的。波普艺术运动诞生于五十年代后期的英国和美国；波普艺术家们希望通过从杂志，广告，漫画，电视中获取的人物和从罐头等商品中汲取的灵感来证明周围的日常生活，发现共同的社会想象力。波普艺术的特点是将当前图像置于新的审美语境中。安迪·沃霍尔（Andy Warhol）是波普艺术运动的代表人物，也是20世纪后期最有影响力的当代艺术家之一，他希望通过他的作品谴责20世纪的消费社会。出生于纽约的画家罗伊·利希滕斯坦（Roy Lichtenstein，1923-1997年）也是波普艺术的大师，他从漫画中发现了自己的绘画主题。
· 奥普艺术
还有一种叫“奥普艺术”的（l’Op Art），鲜为大家所提及。它也是抽象表现主义中的一种与表面动力学有关的绘画；它与波普艺术运动相关和并行。Op来自于optic，意为光学的概念。最早被使用是在1964年， « 时代 » 杂志的一篇未署名的文章首次使用了“ Op Art”一词。同年，巴黎装饰艺术博物馆举办了“新趋势：国际艺术运动的视觉建议”的展览。1965年，在纽约，由威廉·塞茨（William G. Seitz）组织的纽约现代艺术博物馆（MoMA）展览了“呼应之眼”赢得了国际性认可，而使奥普艺术趋于大众化，并在全世界范围内流行开来。这些画作采用图形变换处理的表面，在观看者中引起非凡的视觉反应。空间的歧义性和运动感，经由对于几何图形的并列和强烈的色彩对比而设计。而最早参与动力学艺术表现形式的创作则可以追溯到1910年代的未来主义，我们在马塞尔·杜尚（Marcel Duchamp）或者亚历山大·卡尔德（Alexander Calder）的某些作品中能够看到。这些作品以幻觉的效果告示作品中并没有引擎，而眼睛才是作品的引擎。这些视觉上的吸引力使观众的身体处于不稳定的状态，介于愉悦和不悦之间，甚至陷入一种接近轻度迷醉状态的眩晕感之中。这种现象有时会因作品的特征而有所增强，有时也会因环境的影响而加剧。在物品，人，环境之间无休止地循环。这种艺术形式尽管被褒贬不一，但它所提供的具有当代意义的哲学层面仍然被艺术界的部分人所推崇。在巴黎，丹尼斯·雷内（Denise·René）画廊一直以来捍卫着这一运动。
· 极简主义
当代艺术中最持久的运动之一是被称为极简主义的抽象主义的发展，因为它突显了绘画，雕塑和其他媒介等技术中各种微妙的变化。它与当代艺术并列前行，被称为抽象表现主义的抒情性图景；与具象艺术和波普艺术相对立。它继承了现代主义的宗旨，最受到影响和将之延伸的是包豪斯风格的参与。极简主义最经典的概括来自于德国现代主义建筑大师路德维希·密斯·凡·德·罗（Ludwig Mies van der Rohe）的语录，他说：“少即是多”。
总结语
总而言之，现当代艺术流派的表达方式都多多少少代表了现代主义的原理，无论是光学形式主义，乌托邦主义，社会反思性，集体无意识，以及对精英主义的全面拒绝。这些运动和风格以其错综交替的表现形式在后现代主义的笼罩下融合在一起。由于缺乏统一的组织原则，最终，意识形态成为后现代艺术和当代艺术的最重要特征之一。
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作者简介
何宇红，法国亚洲艺术家联合会UAAF创始人。旅法华裔作家、艺术评论家、策展人，资深媒体人，全法记者协会会员，法国独立民主联盟UDI成员以及国际女性运动的倡导者。组织策划过数十场国际大中型艺术展览、拍卖会等项目，撰写出版有长中短篇小说《请不要去教堂寻找上帝》、《乘着空空的帆船去流浪》、《夜眼》、《自杀者》等；音乐剧剧本《石头的家书》，艺术评论《将艺术镶嵌在生命的总背景之中》、《当代艺术的峰回路转》、《基弗：废墟神话的缔造者》，《马塞尔杜尚奖及其文化反思》以及世界当代著名艺术家的三十余篇访谈传记等等。作品及言论见诸于国际各种专业文学艺术杂志、网站及媒体诸如雅昌艺术、凤凰艺术、凤凰卫视、画刊、RFI（法广）、TV5（法国电视五台）、芙蓉、人民网、新华日报等等，文字除中文之外，已被翻译成英语，法语，俄语，西班牙语等语种。
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